krusay....

Un clásico de Bob Dylan

Margarita Schultz (Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

Se ha escrito mucho sobre esta ‘canción de protesta’, y seguramente existen otros poemas, otros textos, otras canciones que tratan de esos mismos temas. Entonces ¿dónde puede estar la magia en continuo renacimiento de ‘Blowin in the wind’? Van aquí algunas reflexiones…

Blowin' In The Wind
Volando en el viento

How many roads must a man walk down
Before you call him a man?
¿Cuántos caminos debe recorrer un hombre
Antes de que lo llames ‘un hombre’?

Yes, 'n' how many seas must a white dove sail
Before she sleeps in the sand?
Sí, y ¿cuántos mares debe sobrevolar una paloma blanca
Antes de que duerma sobre la arena?

Yes, 'n' how many times must the cannon balls fly
Before they're forever banned?
Sí, y ¿cuántas veces deben volar las balas de cañón
Antes de que sean prohibidas para siempre?

The answer, my friend, is blowin' in the wind,
The answer is blowin' in the wind.
La respuesta, amigo mío, está volando en el viento
La respuesta está volando en el viento.

How many years can a mountain exist
Before it's washed to the sea?
¿Cuántos años ha de existir una montaña
Antes de que sea arrastrada hacia el mar?

Yes, 'n' how many years can some people exist
Before they're allowed to be free?
Sí, y ¿cuántos años han de existir algunas personas
Antes de que se les permita ser libres?

Yes, 'n' how many times can a man turn his head,
Pretending he just doesn't see?
Sí, y ¿cuántas veces puede un hombre voltear su cabeza
Fingiendo que no ha visto?

The answer, my friend, is blowin' in the wind,
The answer is blowin' in the wind.
La respuesta, amigo mío, está volando en el viento
La respuesta está volando en el viento.

How many times must a man look up
Before he can see the sky?
¿Cuántas veces debe un hombre mirar hacia lo alto
Antes de que pueda ver el cielo?

Yes, 'n' how many ears must one man have
Before he can hear people cry?
Sí, y ¿cuántos oídos debe tener un hombre
Antes de que pueda oír a la gente llorar?

Yes, 'n' how many deaths will it take till he knows
That too many people have died?
Sí, y ¿cuantas muertes tendrán que ocurrir hasta que sepa
Que demasiada gente ha muerto?

The answer, my friend, is blowin' in the wind,
The answer is blowin' in the wind.
La respuesta, amigo mío, está volando en el viento
La respuesta está volando en el viento.

Copyright ©1962; renewed 1990 Special Rider Music
http://www.goear.com/listen/d060553/Blowin-In-The-Wind-bob-dylan

Este texto de Bob Dylan tiene su música, también compuesta por el cantautor.

Es tan fluida la melodía que envuelve el conjunto en un sin fin, y podemos oírla una y otra vez como un mantra. Su guitarra (y su armónica en un pasaje interludio) acompañan el canto dando al total una atmósfera ‘folk’ … dulcemente rústica. La forma es sencilla: una frase musical articulada como pregunta en dos semifrases finaliza en el inicio del compás 16 y un estribillo, compuesto en una armonía de respuesta que inicia en el último tiempo del mismo compás 16 y termina en el compás 24 de una manera conclusiva. Sí, es una melodía de fisonomía ‘infantil’ por su sencillez… y podría pertenecer a una canción de niños. Existen versiones diferentes que instalan la melodía en distintas tonalidades y con transcripciones desde guitarra, para piano, flauta…

Una de las más atractivas versiones del mismo Dylan, a mi juicio, puede escucharse en:

http://www.goear.com/listen/d060553/Blowin-In-The-Wind-bob-dylan

Pero, en lo relativo a la poesía de esa canción… posee una carga significativa que penetra el ánimo de manera nada infantil. Pese a la variedad de los temas que recorre Dylan en este poema, hay algo muy potente que une los diferentes dísticos. Se estructura de este modo: cuántas veces antes de que, o más brevemente: cuánto, antes… antecedente y consecuente.

El contenido de esa estructura reiterada a lo largo del texto de la canción es, ante todo, una recriminación a la indiferencia… y, consecuentemente, una recriminación a la insensibilidad. Porque la actitud a la que apunta Dylan no es la de una conciencia de los problemas como efecto de la acumulación de situaciones que conducen a reflexionar (de allí sus preguntas: …¿cuántas veces? ¿cuántos?). Dylan se dirige a la conciencia humana como una actitud, un comportamiento específico, una base ética previa a la acumulación de situaciones, más aún, previa al suceso mismo. Es la ética basal de la responsabilidad social.

Examinemos los protagonistas de esos dísticos poéticos:

el hombre, la paloma, las balas de cañón, la montaña, la libertad, el sufrimiento humano, las muertes por acciones violentas, el llanto, el cielo, la conciencia… no importa qué, en verdad: respira en cada caso un llamado a la paz, a la compasión, al reconocimiento de la belleza de la naturaleza.

Stevie Wonder, en uno de sus recitales recientes habló de la actualidad desdichada de esa canción. Porque en cada década que transcurre, desde que se la compuso (en los inicios de los ’60) hasta hoy, se han producido catástrofes originadas en lo humano (¿o lo inhumano?), las que han puesto su contenido desafortunadamente al día. Y se siguen produciendo…

http://www.youtube.com/watch?v=5Q-owh9pkSc&feature=fvw

¿Por qué esa poesía de la canción nos interpela nos llama y nos sujeta junto a ella de ese modo conmovedor?

Una parte de la responsabilidad quiero asignarla especialmente al estribillo, que nos compromete en tanto que hermanos de conciencia (en una forma del vocativo: the answer, my friend; la respuesta, amigo mío). Compromete también al viento, a la atmósfera que nos rodea. Es la atmósfera, invisible pero de una presencia contundente: (the answer is blowin in the wind, la respuesta vuela, está, en el viento).

No es necesario ir a buscarla, ni esperarla años, tampoco estudiarla… La respuesta nos rodea, fluye sin fronteras ni bordes, en el viento, con el viento, por lo mismo nos pone como humanidad nuevamente hoy frente al espejo.

Margarita Schultz es argentina residente en Chile.

Juan Gelman, hacia el sur

Daniela Saidman (Desde Venezuela. Colaboración para ARGENPRESS CULTURAL)

La poesía no se hace sola, no la escriben los poetas encerrados en sus soledades, sino que es más bien, voz y verso de todos. Son ecos de los ecos, de los tiempos idos y de los bares, de las calles, de las plazas, de los sueños. Así son precisamente los versos de Juan Gelman (Buenos Aires, mayo de 1930), ese poeta que sabe de torturas, de desapariciones, de exilios, de luchas y de esperanzas. En él, en sus palabras que esgrimen el canto y el fusil, cabe la América mayúscula, la que duele y resuella la siembra y la sangre. Gelman poeta imprescindible de estas tierras y estas gentes, poeta que a viva voz denuncia el miedo y el atropello, la pérdida y la memoria, escribe y canta el poema, escribiéndonos y cantándonos las risas y los llantos.

“A este oficio me obligan los dolores ajenos, / las lágrimas, los pañuelos saludadores, / las promesas en medio del otoño o del fuego, / los besos del encuentro, los besos del adiós, / todo me obliga a trabajar con las palabras, con la sangre”
(Arte poética, fragmento)

Se trata de resistir, a la muerte, al odio y sobre todo al olvido. Resistir, resistiendo juntos, amando en los odios y en las desgarraduras del alma. A Gelman le asesinó la dictadura lo más hondo de sus entrañas y siguió resistiendo, aunque un poco más muerto. Trataron de acallarlo y su silencio estalló en todas las esquinas, desempolvando las sombras con las que incendiaron el Sur. Por eso su palabra es siempre presente y es grito y faro y es nomeolvides.

“Sentado al borde una silla desfondada, / mareado, enfermo, casi vivo, / escribo versos previamente llorados por la ciudad donde nací. / Hay que atraparlos, también aquí / nacieron hijos dulces míos / que entre tanto castigo te endulzan bellamente. / Hay que aprender a resistir. / Ni a irse ni a quedarse, / a resistir, / aunque es seguro / que habrá más penas y olvido”.
(Mi Buenos Aires querido)

Gelman interroga con sus versos y las respuestas son las lecturas que cada quien y cada cual hace de sus palabras. Y porque calla la certeza es que despierta la duda en cada página. Son sus poemas un viaje al sur, al sur de América y a América del Sur, donde anidan los cóndores y las altas cordilleras. Su poética es la del combatiente que no ha perdido jamás la ternura y se entrega con la hondura de todas las humanas pasiones.

“te escribo en una hojita de papel / caída del cuaderno del hijo / con una baca un vurro / sumas restas / esta carta que enviaré jamás / tiene delicias y tristezas / y cuando la leías te ponías muy dulce / porque yo no escribía nada / pero cantaban los pájaros / azules de la izquierda / volaban a tu sombra y callaban / con los ojos abiertos / como memorias en la noche”.
(Carta)

El amor con todos sus nombres aparece en los versos del poeta argentino. Es la mujer con nombre de patria, de tierra olorosa al campo y a la labranza, a la ciudad y sus recovecos y a los ecos del alma. Cada vértice, cada cóncavo sentimiento emerge de las fronteras, la de la piel y la de los mapas.

“ya que navegas por mi sangre y conoces mis límites y me despiertas en la mitad del día para acostarme en tu recuerdo y eres furia de mí paciencia para mí dime qué diablos hago por qué te necesito quién eres muda sola recorriéndome razón de mi pasión por qué quiero llenarte solamente de mí y abarcarte acabarte mezclarme en tus huesitos y eres única patria contra las bestias el olvido”
(Preguntas)

Es el poeta y el poema un gesto, una caricia, un batir de alas, una mañana, una duda, la sombra, la noche, la tregua, la mirada. Poesía que sabe mostrar y mostrarse abierta al recuerdo y a las entrañas, la voz de Gelman es voz del sur que aún reclama.

El elogio a la banalidad en la cultura pooph: La insoportable frivolidad del ser

sábado 12 de diciembre de 2009

Jorge Majfud (Desde Estados Unidos. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

Alguna vez Fedor Dostoyevski observó que cualquiera podía hacerse famoso en cualquier momento. Como no todos podían ser Darwin, Franklin o Fedor Dostoyevski, cualquiera podía pasar a la historia asesinando a un emperador o a un presidente. Si el precio era muy alto, aun quedaban otras opciones. Creo que más famoso, aunque cien años tardío, es la popular idea de Andy Warhol que en los sesenta, en pleno nacimiento de la cultura pop, predijo que en el futuro todos serían famosos por quince minutos, para lo cual bastaba con estar “en el lugar correcto o en el incorrecto, en el momento exacto o en la peor situación posible”. No es casualidad, si consideramos que Dostoyevski es hijo del siglo del periodismo escrito como Warhol es hijo del siglo del espectáculo mediático de la televisión.

Hace pocos días y no muy lejos, el matrimonio Tareq and Michaele Salahi decidió colarse en la fiesta de recepción que el presidente Obama daba al primer ministro indio Manmohan Singh. Los Salahi se fotografiaron con un gran número de estrellas de la política nacional. El exótico ministro de la segunda nación más grande del mundo no fue considerado en este paseo de la fama.

Pero la consagración de los Salahi llegó cuando fueron descubiertos. Este inconveniente, que dudosamente puede atribuirse a un error de cálculo, puso a la pareja bajo investigación y la envistió con los quince minutos de fama que pretendían para promocionarse. Lo único que se sabe a ciencia cierta es que en la cultura pooph promoción y fama significan dinero.

Nada importa el contenido de lo que uno tenga para ofrecer sino, simplemente, estar o pasar por debajo de las luces y las cámaras que apuntan al centro del mundo. Lo mismo da ser Sarah Palin, Paris Hilton, Michael Phelps, Mussolini o el Che Guevara. Todos merecen el mismo respeto y admiración de los pooph porque son famosos. Los medios son los fines. Los medios confieren divinidad todo lo que tocan. En este momento, el señor y la señora Salahi se encuentran bajo investigación policial mientras venden sus entrevistas a medio millón de dólares cada una.

Hace unas semanas una pareja en Fort Collins, Colorado, denunció que su hijo había salido volando en un globo de helio que su padre, Richard Heene, había construido en el patio de su casa. Como los niños son asunto serio en Estados Unidos, rápidamente movilizaron a la policía y lograron atraer la atención de las cadenas más importantes de televisión. Las horas de persecución aérea del globo terminaron con la aparición del niño en el altillo de la casa. En lo que parecía el clímax del orgasmo mediático, Larry King entrevistó a la familia y al niño, Falcon [halcón] Heene, quien involuntariamente confesó: “we did this for the show” (lo hicimos para el espectáculo).

Los padres del ahora célebre Niño del Globo habían planeado sus quince minutos de fama con la intención de promover un posible reality show. Lo cierto es que montaron un reality show más real y más espectacular que cualquier reality show convencional.

No son la excepción. Nuestra cultura es un inmenso, un inocentemente perverso reality show alimentado por la banalidad, la vana vanidad de la cual quizás somos victimas alguna vez en cuando todos los mortales.

Ahora, si alguien pensó que esta es una locura anglosajona está equivocado. El resto del mundo está en el mismo negocio, con el agravante de que son copias de copias en nombre de la originalidad.

No nos vayamos muy lejos. Recordemos el pasado concurso de talentos Viva el Sueño. El titulo es significativo, si recordamos la obra maestra de Calderón de la Barca, La vida es sueño (1635). Fedro, el participante más elogiado por el jurado, casi nunca criticado, victima del voto nunca suficiente del público machista y homofóbico, canta muy afinado y llora mientras repite lo que el jurado y el mundo repiten: “su propuesta es original”, “su virtud es ser único”, “me propuse mostrar algo diferente”, etc.

Fedro es rechazado por ser gay. Esta es una verdad conveniente. En el fondo todos saben que ser gay es un negocio de moda, como antiguamente en las cortes de los reyes eran populares los enanos. El público consume lo que rechaza, aplaude lo que evita, admira lo que odia, destruye lo que ama, digiere lo que es políticamente correcto mientras el artista remeda originalidad y el jurado y los especialistas repiten las mismas frases que incluyen un menú de elogios orgásmicos e inevitables insultos que pretenden vender como crítica o sinceridad. La fábrica de ídolos es también un picadero de carne humana. Carne humana a muy alto precio.

Fedro, el candidato a ídolo mexicano canta, se viste y se peina y llora como Adam Lambert, el american idol del mismo año. Como Adam, Fedro llegó a la final pero no pudo ser rey, idol o ídolo. Comparten el mismo estilo, la misma opción sexual y posan de victimas de la sociedad. De hecho lo son. Victimas de la sociedad y productos del mercado. Las verdaderas victimas, los discriminados no famosos, son así revindicados, más que representados, por estas originales copias de copias, producto de productores.

Sí, claro, en el mundo hay lugar para todos. Por suerte. Lamentablemente la historia insiste en lo contrario: en la uniformización, en la imposición de “lo que se parece a nosotros” hasta cuando parece diferente. Fedro, Adam, los ídolos de la cultura pooph nunca desafían mientras desafían; nunca salen de lo políticamente correcto mientras escandalizan. Sus transgresiones son variaciones adaptadas a las reglas preestablecidas del éxito, tal como lo entiende el mercado. La referencia de los jueces de “hay un mercado para ti allá afuera”, es explícita y es recibida con algarabía por el rebelde pooph. Sin embargo, estas nuevas y originales propuestas son simples remedos de lo que se encuentra en cada rincón de la nueva cultura dominante, que es la cultura del mercado: la frivolización y el narcisismo.

En un mundo en que todos pueden obtener su fama por quince minutos, la ansiedad que produce carecer de ella es democrática y dominante. Pero si todos son famosos nadie lo es. Razón por la cual esta ansiedad por ser el centro de las miradas del mundo se vuelve una obsesión, como la anorexia o la conexionimia.

La fama ya no es la consecuencia o el medio para promover una propuesta artística, ideológica, religiosa o filosófica. Cualquier camino que conduce a ella es válido. Ya no es necesario ser Edison, la Madre Teresa, Michel Foucault, Noam Chomsky o Eduardo Galeano para ser famoso. Los verdaderos famosos han demostrado que para la cultura pooph la fama no depende del contenido sino del envase. Un envase célebre puede inducirnos a tomar el mejor vino o Coca-Cola, agua mineral o aguas servidas. Ya ni siquiera es necesario recurrir al engaño. El éxito de la cultura de la banalidad es tanto y tan abrumador que cualquier pretensión de algo más allá, algo con contenido, algo con profundidad, algo que quede después del pooph es tomado como el acto más ridículo, objeto de burla a boca partida. Lo políticamente correcto, lo único que los nuevos cerebros adiestrados en la frivolidad son capaces de soportar es el peso de la banalidad, de la repetición en nombre de la originalidad, de la esclavitud intelectual y espiritual en nombre de la liberación, de las célebres excusas del tipo: “no sé qué es esto pooph que me salió, pero es muy bueno por que me gusta, es lindo, habla de cómo soy yo, yo mismo, yo único…”

Todo en nombre de la genialidad

La catástrofe ecológica, las toneladas de basura que cada día arrojamos al cielo y a los mares no es un fenómeno aislado. Ni siquiera es una metáfora. Es parte de la erosión y la producción de desechos que la cultura resultante e imperante arroja cada día sobre la humanidad como si se tratase del mejor abono. Porque nada es casual ni gratuito. Todo tiene un precio.

El peso de la injusticia

Imagine, la canción devenida himno en las manifestaciones por la paz, evocó, este ocho de diciembre, a John Lennon. Un soñador, que no es el único, que nos dejó mensajes de amor y paz. Y mientras Imagine y Lennon se reencontraban ayer, apostando por un mundo mejor, hombres de paz, encarcelados en Estados Unidos hace más de 11 años, sentían el peso de la injusticia.

Declaración de Antonio, Fernando y Ramón sobre la Resentencia

Fuente: www.cubatv.icrt.cu

Así lo confirmaban Antonio Guerrero, Fernando González y Ramón Labañino, en un comunicado hecho público en la ciudad de Miami, tras conocerse los resultados de las vistas de resentencias de este martes.

Justamente su declaración comenzaba así:

«Queridos hermanos y hermanas de Cuba y el mundo:
Ya hemos cumplido más de 11 años en prisión sin que se haya hecho justicia en ninguna de las instancias del sistema judicial estadounidense».

Y más adelante el texto enfatizaba:

«Nos castigan, a los cinco, por acusaciones que jamás han sido probadas. Aunque tres sentencias fueron reducidas parcialmente, la injusticia se mantiene con todos».

Entonces no se escuchaba en ese escenario legal la canción de John Lennon. Pero los antiterroristas cubanos, encarcelados por prevenir a la Isla y a su gente de acciones violentas, sí tenían en su mente los mensajes de paz y amor, que brotan de Imagine. Por eso agradecían la solidaridad mundial con su causa y todos los gestos de apoyo a los Cinco.

Concluyó el proceso de resentencia, dispuesto por el Onceno Circuito de la Corte de Apelaciones de Atlanta. La sentencia original de Fernando González (19 años) fue modificada a 17 años más 9 meses en prisión, mientras la de Ramón Labañino (de 1 cadena perpetua más 18 años), fue reducida a 30 años en prisión.

Y todo ocurrió el día en que muchos cantaron canciones de Lennon, como aquella que dice Give peace a chance, démosle una oportunidad a la paz.

Quienes han seguido este proceso imaginan el futuro inmediato de una cruzada por la justicia que no cesa. Inspiran los principios, decoro y honor de estos cinco cubanos.

La declaración publicada ayer lo confirma: nuevamente fueron invitados a colaborar con Washington a cambio de obtener sentencias más benévolas, pero rechazaron la propuesta, que jamás aceptarán, bajo ninguna circunstancia.

Silvio Rodríguez, dijo en una ocasión, al referirse a los Cinco: «Ellos son hombres que están resistiendo el embate de siglos de historia, la presión de injusticias que se han convertido en costumbres, en leyes, en poder aparentemente inamovible. Ellos son como la anunciación del mejoramiento, resistiendo en sus celdas el peso de arraigos ancestrales. No sé si humanamente servirá de consuelo comprender que lo que sufren son los zarpazos de una bestia contra una luz insoportable».

Ahora podrán cambiar las condiciones carcelarias ante las nuevas sentencias, pero cada segundo tras las rejas acusará el tiempo que les deben, que les deben a sus familias, esas que imaginan el día del regreso, tal vez escuchando a Silvio, a Lennon, o con los versos escritos en el abismo de la prisión, como los que debe estar releyendo ahora mismo Labañino, y que él titulara Soy libre.

30 años le han impuesto, como si fueran 30 días, 30 segundos, como si no hubiera transcurrido más de una década de encierro. Pero Ramón insiste: y es que soy libre / cómo no habría de serlo/ pues te tengo allá afuera / aunque a mí me tengan dentro / y es que para un hombre que ama/ nunca habrá cárcel ni encierro.

Fuente Xiomara Rodríguez Cruz, Redacción Digital de CMHW
Foto de archivo
12/9/2009

Pregúntele a Eduardo Galeano

Eduardo Galeano aceptó una invitación de BBC Mundo para responder a nuestros lectores.

¿Qué le preguntaría?

Miles de lectores descubrieron, junto a Eduardo Galeano, una visión de la historia y de la actualidad latinoamericana interpretada desde un punto de vista diferente.
A través de sus libros y de sus artículos periodísticos, el autor uruguayo, que no es historiador, ha planteado, durante más de 40 años, una constante reflexión y una crítica sobre la política, la economía y los derechos humanos, con un énfasis especial sobre la situación de los países de América Latina.

Como intelectual de izquierda, el capitalismo, el rol de los organismos financieros internacionales, la sociedad de consumo, el "imperialismo" estadounidense y la globalización han sido objeto de reiteradas críticas y llamados de conciencia.
"En el mundo tal cual es, mundo al revés, los países que custodian la paz universal son los que más armas fabrican y los que más armas venden a los demás países; los bancos más prestigiosos son los que más narcodólares lavan y los que más dinero robado guardan; las industrias más exitosas son las que más envenenan el planeta; y la salvación del medio ambiente es el más brillante negocio de las empresas que lo aniquilan", escribió Galeano en su libro Patas Arriba: Escuela del mundo al revés.
Reflexionar con ironía

Sus ideas podrán ser o no compartidas, pero lo cierto es que parte de su éxito radica en su capacidad de hablar de temas complejos con lenguaje sencillo, con ironía, con cuentos cortos y experiencias personales que hacen reflexionar al lector sobre el estado del mundo.

Un mundo que te condena a morir de hambre o aburrimiento. Nosotros no lo aceptamos como destino, no es el único mundo posible

Eduardo Galeano

Vivimos en un mundo que "es cada vez más desigual y también es más igualador", dijo Galeano en una entrevista. "Desigual en las oportunidades que ofrece e igualador en las costumbres que impone. Un mundo que te condena a morir de hambre o aburrimiento. Nosotros no lo aceptamos como destino, no es el único mundo posible", aseguró.
Aquellos que no comparten su pensamiento, lo han criticado por atribuir muchos de los problemas del "Tercer Mundo" al "mundo desarrollado", en algunos casos sin dar respuestas para solucionar los problemas que observa.

El derecho de soñar

Defensor de los derechos humanos, ha recalcado la importancia de un derecho poco reconocido.

"El derecho de soñar no figura entre los 30 derechos humanos que las Naciones Unidas proclamaron a fines de 1948, pero si no fuera por él, por el derecho de soñar, y por las aguas que da de beber, los demás derechos se morirían de sed", escribió el autor.

Las venas abiertas de América Latina, de Galeano, volvió a cobrar notoriedad cuando Chávez le regaló una copia a Barack Obama.

Galeano se describe como lento para escribir, pero entre su obra figuran unos 38 libros, algunos de ellos traducidos a más de 20 idiomas.

"Los libros me escriben, yo no los escribo; me parece estar escribiéndolos, pero no es verdad, son los libros los que me escriben, crecen dentro de mí, se unen a las palabras; tengo la sangre llena de palabras", dijo en una entrevista publicada hace algunos años.

Y de esa sangre salió "Las venas abiertas de América Latina", uno de los primeros libros, y de los más reconocidos. Recientemente volvió a cobrar notoriedad y a convertirse en nuevo éxito de ventas luego de que el presidente de Venezuela, Hugo Chávez, le entregara una copia a su homólogo estadounidense, Barack Obama, durante la Cumbre de las Américas.

"Yo escribo para quienes no pueden leerme. Los de abajo, los que esperan desde hace siglos en la cola de la historia, no saben leer o no tienen con qué", expresó en algún momento este autor.

Eduardo Galeano aceptó una invitación de BBC Mundo para responder a nuestros lectores. Muchas gracias a todos los que participaron en esta convocatoria.

Biografía de Eduardo Calero

El cantaescritor ecuatoriano Eduardo Calero Jaramillo; un escritor que canta, un poeta que cuenta y canta, y que también escribe, y como no las hace de autocantor; constituye uno de los principales representantes de la TROVA latinoamericana en su país. Nació un 28 de septiembre en la cuidad de Guaranda región central de Ecuador. A sus 7 años de edad aprendió a tocar la guitarra y mostró interés por la literatura y a sus 11 años ganó el concurso regional de libro leído. A sus 18 años se traslado a la ciudad de Quito para continuar con sus estudios superiores en Jurisprudencia culminando exitosamente su carrera profesional al obtener el título de especialista en el área de Derechos Humanos. Es durante este tiempo donde su calidad artística supera su propio horizonte. En el año 2007 participó en representación de su país el festival internacional de la canción de autor “Trovacanto”.

En su trayectoria artística ha realizado el lanzamiento de varios poemarios “Evidencias”, “Historias Comunes” y de “trova ecléctica y versos sin poesía” cuyas letras están llenas de romanticismo y propuesta social, escribió también el cuento “Doble Filo” y el libro “Derechos Humanos en Perspectiva”.

En cuanto a su propuesta musical Eduardo Calero es el creador de esta nueva corriente musical denominada TROVA ECLECTICA. Publicó su primer álbum en 1994 el cual consistía en un disco de vinilo el cual contenía el tema “Cuando te hayas ido” el mismo que le permitió darse a conocer como cantautor. En su trayectoria como cantautor ha realizado 2 trabajos digitales. Su primer álbum denominado “Un minuto de tu vida” contiene canciones muy bonitas cargadas de romanticismo como su éxito “No quiero”. Su segundo álbum denominado “De trova eléctica y versos sin poesía” utiliza una propuesta un poco mas social con un acompañamiento 100% acústico, contiene grandes temas como: “Siglos” o “Falacias”
La TROVA ECLECTICA consiste en un paso adelante en el proceso de evolución de la “Nueva Canción” esta es heredera de las sanas influencias de toda la cultura musical ecuatoriana y universal, en conjunción con el pensamiento y la cultura única y multidiversa. Eduardo Calero es el creador de esta nueva corriente musical. La trova ecléctica, sin renunciar a su origen auténticamente ecuatoriano, su evolución e influencias, como lo sugiere su nombre, pretende aprovechar desde el eclecticismo, toda la multidiversidad del mundo. Se trata de un concepto que abarca todos los géneros, que permite enriquecerlos y crear nuevas propuestas, con la mayor libertad creativa, combinando música ecuatoriana, americana y universal Lo atractivo del eclecticismo en la música es que este se alimenta de multiculturalidad y los resultados de esta interesante mezcla de valores de identidad favorecen el surgimiento de nuevas propuestas que ensanchan el amplio panorama de la fusión. La trova es ante todo, una forma de pensar, de vivir y de actuar, profundamente humanista, que se apoya en la libertad de creación artística, y es absolutamente incompatible con toda manifestación que atente contra la dignidad y los derechos humanos de todas las personas.

Influencias:

Este cantautor en su música y poesía tiene la influencia de grandes personajes de la literatura y la canción mundial como Pablo Neruda, Mario Benedetti, Jorge Luís Borges, Ángel Gonzáles, Federico García Lorca, Jaime Sabines, Eduardo Galeano, Joan Barril, José María Fonollosa, Tito Muños. Paul Auster, Raymond Carver, Boris Vian, Georges Brassens Jacques Brel, Tom Waits, Leonard Cohen, Robert Allen Zimmerman (Bob Dylan), Joaquín Sabina, Pete Seeger , Luis Eduardio Aute, Joan Manuel Serrat, Carlos Varela, Kevin Johansen, Andrés Calamaro, Nacho Vegas,John Lennon. Javier Krahe. Joaquín Carbonell, Paulo Coelho,Jorge Enrique Adoum, Jorge Luis Borges

Discografía:

1) Un minuto de tu vida
Fecha de lanzamiento: 2005
Disquera: Independiente

Canciones:
1Un minuto de tu vida
2No la quise ver
3No quiero
4Antes de perderme en tu espacio
5Cuando te hayas ido
6Hoy te recuerdo
7Ojalá que mañana
8Un vals en donación
9Sensibilidades ocultas
10Entre la carne y el fuego

2.) De trova ecléctica y versos sin poesía
Fecha de lanzamiento: 2008
Disquera: Independiente

Canciones:

1Yo quiero un país
2Después de un tiempo
3Tras un rayo de sol
4A donde..?
5Confesión
6Para tu ausencia
7Samba pa´la rutina
8Falacias
9Será cuando..
10Yo estaré aquí
11Siglos

Página Web: www.myspace.com/eduardocalerojaramillo

León Gieco en La Jiribilla

“Voy detrás de la dignidad”
Cobertura Especial de La Jiribilla
GALERÍA DE Imágenes: León Gieco en la Habana

Una vez más pareciera que el mismo Lezama se convirtiese en el ángel de La Jiribilla y condujera hasta sus predios al cantautor argentino León Gieco, llegado a La Habana para participar en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano. El estreno en Cuba de su documental Mundo alas llenaba de nervios a este hombre tan habituado a los escenarios del mundo entero; pero con una humildad tan grande que a pesar de los 45 discos grabados que acumula en su historial, fue capaz de pegar en los cristales de los cines y otras paredes, el cartel promocional de la película. Justo el día antes del estreno llegó León Gieco hasta la sede de la revista para encontrarse con su equipo y cantar un par de temas en el Patio de Baldovina, porque “me gustó mucho la idea de La Jiribilla. Una muchacha me dijo: ‘es una revista cultural, de la juventud cubana’. Y para mí la palabra juventud cubana significa un montón de cosas”.

“La juventud es lo nuevo, y lo nuevo es tan importante como lo viejo, la juventud es inexperta, y la inexperiencia es un acto de creatividad. Me nutro de eso que traen los jóvenes en todas partes del mundo, se debe entender que en realidad ningún tiempo pasado fue mejor y creer que lo mejor va a ser el porvenir.

“Quiero mostrarle al público joven cubano que puedo tener relación con ellos, quisiera conocer a los jóvenes trovadores cubanos, porque conozco hasta la generación de Carlos Varela y me falta llevarme material de la nueva trova cubana. Quiero venir más seguido para tener un contacto más directo porque para mí es una fuente muy grande de inspiración. Cuba es un reservorio de cultura, y nosotros quienes vivimos de la cultura, debemos venir permanentemente acá. No puede ser que lleve cinco o seis años sin estar acá, debo venir todos los años, o al menos una vez cada dos años.

“Creo que va a ser muy importante mostrar Mundo alas aquí en el cine, porque de una forma u otra va a ser una presentación otra vez a la prensa de Cuba. Voy a estar otra vez entre la juventud cubana, me va a hacer mucho bien para poder regresar otra vez en marzo o abril a hacer un recital con un par de artistas de Mundo alas y pasar la película.”

¿Cómo nació Mundo alas?

Es un proyecto surgido de estar en movimiento, no nació por tener una idea concreta de hacer “esto”. A los músicos de Mundo alas los conozco hace 15 años, es decir, si hubiese existido la intención de hacer algo, lo hubiese hecho hace 15 años. Maxi, un pibe de San Luis, por ejemplo, escuchaba los discos míos con sus padres, un día viene a saludarme al aeropuerto y me dijo: “yo conozco tus canciones”. Le respondí, “bueno, canta”. Y se puso a cantar ahí en el aeropuerto. Le dije, “dentro de unas semanas vengo otra vez a San Luis y tenés que subir a cantar”. Él subió y tenemos un corto de eso, lo pusimos en la película para que la gente vea que no es un proyecto de ahora. Es una cosa que vengo haciendo desde hace mucho tiempo.

Pancho, otro de los chicos, nació sin piernas ni brazos, un día estaba tocando en Rosario y lo veo en una silla. Le dije a mi representante que lo quería conocer porque cantaba mis canciones desde abajo, yo lo veía. Lo mandé a llamar al camerino y me dijo: “¿Cómo puedo hacer para ser famoso como vos?”. Yo saqué la armónica y se la puse. Le dije, “esto lo puedes tocar y puedes cantar”. A la semana estaba tocando conmigo en conciertos. Allá había una persona, Juan Alberto Padilla, que hacía un programa de TV llamado Corazón Corazón, el cual consistía en hacer un concierto a beneficio de un hospital, un hogar, etc. Elegías una canción y se pasaba un teléfono para que la gente donara cosas. Le dije: “vamos a hacer una cosa para este hogar del que soy padrino”. Hicimos un concierto y cantamos “Solo le pido a Dios” con Pancho, él con armónica y voz, y yo guitarra, armónica y voz. La canción dura 3 minutos, y durante ese tiempo donaron todos los aires acondicionados para el hogar, ropa y comida para un año, y un minibús que valió como cien mil dólares. En esa canción nada más. Cuando llegó el minibús al hogar, todos pasaron a hacer otras personas. Imagínense como se sentía Pancho de haber conseguido un minibús de cien mil dólares. Eso pasó hace 15 años.

Pancho era anti Menem, un presidente nefasto que tuvimos en Argentina. Cuando vino Kirchner, abrió la casa de gobierno para tocar. En aquel momento nos dijo: “en este lugar asumieron tantos corruptos que quiero que ustedes mistifiquen este lugar. Empezamos a tocar allí y Pancho, al enterarse de esto, quiso conocer a Kirchner. Le conseguí una entrevista y Kirchner lo recibió. Lo primero que hizo fue sentar a Pancho en el sillón presidencial y sentarse él atrás, para sacarse una foto. Lo hizo recorrer toda la casa de gobierno, pero cometió un tremendo error: le dio su número privado. Así que Pancho, quien con su muñoncito lo maneja todo: escribe, habla por teléfono… lo llamó el teléfono y le dijo: “Néstor, quiero tocar en la casa de gobierno, como hace León Gieco, como hizo Mercedes Sosa”. Y Kirchner le decía: “sí, voy a ver si lo arreglo”, pero luego se olvidaba. Al día siguiente nuevamente Pancho lo llamaba: “Néstor, soy Pancho, quiero tocar en la casa de gobierno” y así fue durante una semana. Entonces de la presidencia llaman a mi representante para decirme que le organizara rápidamente un concierto a Pancho en la casa de gobierno. Yo lo tomo en serio y me digo: “¿cómo hago para que él toque ahí, si él sabe dos ó tres canciones mías nada más?”.

Me acordé entonces de todos los chicos discapacitados que alguna vez habían subido a un escenario mío, porque siempre ofrezco mi escenario, siempre tengo artistas invitados, dentro de ellos una gran cantidad eran artistas con discapacidades, unos fueron a pintar, otros a bailar, otros a cantar… Los llamé e hicimos un concierto en la casa de gobierno llamado Un salón blanco diferente. Lo pasamos por TV, lo grabaron y salió el 1ro. de enero de 2007 a las 10 de la noche. Produjo una conmoción enorme en el público. Me llamó el presidente del Instituto de Cinematografía Argentina (INCAA), y me dijo: “acabo de ver una cosa linda, nosotros debemos hacer algo así en cine”. Le dije: “dame plata, me busco una productora pequeña y salimos de gira”. Lo que se ve en el documental es la gira. No saben la cantidad de cosas que pasaron. Mundo alas es un libro, un disco, una película, diez capítulos del Canal Encuentro, lo mejor que tenemos en Argentina. Empezamos a recibir llamadas de todo el mundo y los chicos empezaron a recibir plata.

Nosotros creíamos que iba a quedar en un documental para pasar por televisión, pero no fue así, hemos recibido primeros premios en Barcelona, en Pamplona, en Ecuador, en Toronto, en Suecia. Hemos recibido una gran cantidad de distinciones de muchas instituciones que trabajan con la discapacidad a favor de la integración o en contra de la discriminación. Mundo alas además es solidario, en Argentina existe un hospital maravilloso llamado Garraham con unos médicos que hacen patria realmente y hasta allí llegan unas alas para que cientos y cientos de chicos se puedan sanar por año en Buenos Aires.

¿Cuántos artistas son en total?

Son como 15. Hay cinco que bailan tango. Pancho, Carina que es invidente, Fabio el chico hidrocefálico, Maxi, los dos pintores, la chica que filma y que hace parte de la película. Organizamos un guión que tiene sus sorpresas. Soy uno más de Mundo alas. Es la primera vez que un grupo de artistas me hacen sentir uno más. Cuando presento una conferencia de prensa normalmente soy yo. Y ahora somos 15 personas hablando con la prensa. Decidí no cobrar nada por este trabajo, ni por el disco, ni el libro, nada. El libro habla de la enfermedad de cada uno y enseña a relacionarse con las personas que las padecen. Y los capítulos son 12, de cada uno de los artistas y charlas con especialistas. Me encantaría que vean la película a ver si ganamos una portada, si la ganamos es porque valió la pena... ¿Quedamos en esa?

EN MP3

LEÓN GIECO
MUNDO ALAS (EL DISCO)

1. Canción para Beto (Francisco Ramón Chévez)-1.07
2. Familia Rodante (Alejandro Davio) - 1.36
3. Solo le pido a Dios (León Gieco) - 1.30
4. Todos los días un poco (Carina Spina) - 0.56
5. Carito (Maci Lemos) - 1.29

Quedamos. Si nos gusta usted viene y lo presentamos aquí con ellos, o con un grupo de ellos. ¿Lo hacemos?

Sí. Sería buenísimo y podemos montar además una exposición de fotos. Quiero hacer cosas aquí en un teatro y en el interior. Me parece que cinco años fue demasiado tiempo sin venir a Cuba. Yo venía muy seguido, pero estuve trabajando mucho. Conozco toda Cuba, he venido a tocar dos veces en el Karl Marx, vine al Festival de Varadero, vine a tocar a la Plaza de la Revolución en un concierto con Chico Buarque, Pablo y Mercedes Sosa. Vine también dos veces por mi cuenta con un tour pagado para recorrer las provincias del país, porque venir con un guía te hace estudiar la historia y quería eso. El interior de Cuba es de una virginidad sin tocar, es algo increíble que me encantó.

El último contacto artístico que tuvimos fue el comienzo de un disco a beneficio de las inundaciones de Santa Fe, una provincia argentina, y empezamos tocando acá en la Casa de las Américas junto con Silvio Rodríguez, los hermanos Feliú, Carlos Varela, Frank Fernández, y fue tan emotivo el comienzo de este disco que me empezaron a llamar artistas de todo el mundo: Ismael Serrano, de España y Tania Libertad, de México; lo completé con artistas argentinos e hicimos un disco que se llamó Canciones con Santa Fe, título de Silvio Rodríguez.

¿Y venir a Cuba, no a cantar sino a presentar una película en el Festival de La Habana, qué le ha parecido?

Estoy muy emocionado de conocer este Festival, en la presentación voy a hablar de la película y a tocar un par de canciones. Para la gente de acá que ya me escuchó cantar alguna vez sería un detalle regalarles estas dos o tres canciones antes de comenzar el documental que es un musical también, está lleno de canciones, de amor, de humanidad y de espiritualidad.

Quería conocer el Festival desde hace 15 años porque tenía un amigo, Teo Cofman, cineasta argentino, que me decía que este era diferente, yo le preguntaba por qué y me decía: “porque está en Cuba”. También Rapi Diego me decía siempre: “tienes que conocer el Festival de Cine de La Habana”, y en efecto lo que he visto y me parece increíble.

Por ejemplo el día de la inauguración se quedaron cinco mil personas después de la presentación mirando una película, y luego todo el mundo aplaudió, eso no pasa en el mundo desde hace 40 años, hay que verlo acá. Ahora que estoy aquí me dicen que debo conocer la Feria, que esto se queda chiquitito. ¡En Cuba siempre hay algo más grande en La Habana, no se puede creer!

Acá se consume cultura permanentemente, en los países capitalistas se consumen boberías, es increíble la cantidad de cosas que compras y no sabes para qué, lo que menos tienes para comprar son libros, artesanías y cosas artísticas. Acá la gente se reúne para comprar pósters, libros, artesanías, para ir al cine, eso es cultura, y en el mundo no pasa más porque se ha comercializado tanto que el cine pasó a ser salitas chiquitas para 200 ó 300 personas donde pasan películas digitales que no sirven para nada como las norteamericanas que están haciendo en este momento cuando están escasos de guión. Ahora para mí y para la gente que piensa como yo, pasó a tener mucho valor el cine europeo, si ves una película francesa por ejemplo ellos tienen guiones, tienen historia, tienen humanidad, cosa que los americanos perdieron.

¿Va a seguir haciendo cine?

Por lo pronto lo único que se me ocurre con respecto al cine es escribir un par de guiones, de todos modos tengo un motivo para venir el año que viene al Festival de La Habana: tengo un trabajo llamado De Ushuaia a La Quiaca, una recopilación de música folclórica por toda Argentina que hice producido por Gustavo Santaolalla, un productor argentino que tiene ganado 35 Granmys más o menos y dos Oscar consecutivos. Cuando en el año 85 hicimos este trabajo el video quedó sin verse, por un problema de permisos. El proyecto va a cumplir 25 años en el 2010, lo están compaginando para pasarlo en el canal estatal cultural de Argentina, Encuentro, lo mejor que tenemos en la televisión de allá, y ya tengo el motivo como para venir el año que viene invitado especialmente a pasar algo de folclor argentino aquí en Cuba.

Antes de la inauguración del Festival usted recordaba aquellos casetes clandestinos de Silvio y Pablo que se pasaban en su juventud, pero a lo largo de estos años ha compartido escenarios con muchísimos otros artistas de la Isla, ¿cómo ha sido la relación de León Gieco con la música cubana?

Tengo relación con la música cubana desde casi siempre, desde que tengo 17 años conozco a Beny Moré gracias a unos discos que me prestaron y a los 18 años nos pasábamos unos casetes de Silvio y Pablo a escondidas porque era considerada música subversiva por aquel gobierno militar, entonces podías ir preso por tener un casete de Silvio Rodríguez y Pablo Milanés y los envolvíamos en sábanas, toallas, los llevábamos escondidos en los bolsos, era trabajo subversivo, desde ahí viene mi relación con la música cubana. Cuando viene el advenimiento de la democracia en el año 83 Pablo y Silvio empezaron a tocar en Buenos Aires y no terminaban nunca de tocar porque la gente no los dejaba. Es increíble la cantidad de actuaciones que hicieron en un estadio que se llamaba Obras Sanitarias donde cabían 5000 personas, ahí tocaron más o menos 25 shows. Fue entonces cuando tuve la oportunidad de conocerlos personalmente y cantar con ellos, con Pablo canté “Canción para Carito” y con Silvio “Solo el amor”. Después por supuesto tengo una lista de músicos cubanos con los que he tocado, nosotros allá escuchamos mucha música cubana, cuando van grupos cubanos a tocar a Argentina llenan estadios, teatros, los adoramos, el público argentino adora la música cubana, como los cubanos adoran el tango y a los también.

¿Está al tanto de la más reciente creación de la música cubana?

Más o menos, porque no se edita mucha música allá. Hace 6 años que no venía así que estoy acá para llevarme todo el último material que alguien se encargará de mostrarme cuál es para que yo me lo lleve.

¿Por qué decía que aquellos conciertos de Silvio y Pablo habían sido una especie de desquite?

Porque que en el 83 comenzara la democracia y enseguida se llenaran tanto los conciertos de Silvio y Pablo fue retroceder a cuando me pasaba los casetes envueltos y dije, yo tenía razón, la juventud argentina tenía razón, teníamos que escuchar estos tipos, porque si no, no hubiesen llenado tantos conciertos. De todos modos la canción se toma su revancha siempre porque los militares son tan estúpidos que se creen que pueden prohibir la canción, los militares pueden matar la juventud, pueden cortarle las alas, pero la juventud siempre va a estar peleando por las cosas nuevas, y la canción siempre va a estar con las cosas nuevas, porque la canción es como agarrar la arena con las manos. Pasó con “Solo le pido a Dios”, cuando la guerra de Malvinas en el 82, los militares la declararon como la canción de la guerra, a mí me dio un asco que paré de cantarla porque la habían decretado de interés nacional, en el año 83 quise ir a tocar en el festival Víctor Jara que se hace en Londres y la embajada no me dio la visa porque yo era el creador de “Solo le pido a Dios”, el año pasado un grupo dinamarqués la grabó y estuvo cuatro semanas de primero en el ranking de Londres, o sea que la canción se tomó su revancha.

En el año 92 se conmemoraba el 5to. centenario del descubrimiento en América, que yo acostumbro a festejar el 11 como último día de libertad en América con los indígenas, el año anterior compuse la canción “Cinco siglos igual”, y ese año me invitan al festejo en España del 5to. centenario. Yo les dije: ¿ustedes están locos o con quién se creen que están tratando? Por supuesto, en ese momento estábamos con el gobierno de Menem, que era un rotundo neoliberal y el más corrupto presidente de la historia argentina, a él lo que le importaba precisamente era ir a festejar eso con los españoles para que Telefónica comprara toda la telefonía. Yo no podía creer que me invitaran a mí y a Mercedes Sosa, que era una indígena, ¿le íbamos a ir a cantar? Los capitalistas son brutos, no tienen conciencia de nada, son unos ignorantes, el fascismo también, eso es una ignorancia total.

Este año se cumplen 50 años del triunfo de la Revolución Cubana, ¿cree que esta sigue siendo un centro de resistencia para América Latina y el mundo?

Sí, de resistencia y de admiración. Que estemos mirando todo el tiempo en las pantallas las imágenes del Che Guevara, los cortos de Oliver Stone me parece increíble, me parece que la cosa no ha fallado. Cuba es en estos momentos para los que pensamos como pensamos nosotros, la República mimada, es parte de nuestro pensamiento, este es un país que nosotros adoramos y lo vamos a defender.

¿Qué lo sigue inspirando para componer?

Todo puede ser fuente de inspiración para componer, la inspiración está en todos lados, lo que hace falta es tener ganas, leer mucho, escuchar nuevas músicas, ampliarte todos los horizontes, es lo que hice toda mi carrera, por eso tengo una carrera que nunca abandoné y que tampoco me abandonó. Cuando actúas histéricamente y lo haces por algo en especial es muy probable que te pegues un golpe de éxito impresionante pero luego el golpe de la caída también es impresionante, en cambio si actúas coherentemente, tomas las cosas con calma siempre tu carrera va a ser tuya y va a estar ahí permanentemente.

Cuando comenzó en los años 70 usted defendía su estilo diciendo que era “entender el destino de los pueblos, el por qué de las injusticias”, más de 30 años después, ¿cómo definiría León Gieco su estilo?

El mismo. Yo levanto la bandera de los sin tierra, de los indígenas, de Latinoamérica india. Sigue siendo exactamente el mismo, yo hablo de los pueblos, estoy con el pueblo, lo único que ha cambiado es la fisonomía, después de 30 años se le han agregado a esta carrera muchos discos, tengo acá el disco número 45, soy creador de 300 canciones, he compartido el escenario con artistas maravillosos que he respetado toda mi vida como Chico Buarque, Iván Lins, Milton Nascimento, Tania Libertad, Mercedes Sosa, Charly García, con los artistas cubanos que contaba, con Joan Manuel Serrat, Víctor Manuel, Ana Belén, con Luis Eduardo Aute, con gente que es próxima también a los artistas cubanos, me parece que sigo defendiendo exactamente lo mismo.

La música para mí es ser solidario, hacer este tipo de trabajos, yo no sirvo para hacer canciones y meter plata en un banco de Miami, nunca lo hice, no lo sé hacer, antes de hacer eso me voy a sembrar papas en el campo, es más digno, yo voy detrás de la dignidad, por eso las canciones mías siempre hablan de dignidad, hablan de justicia, hablan de paz, de amor, de educación, de cultura, de revolución.

Evo Morales propone realizar referendo sobre bases militares

14 Diciembre 2009

El presidente de Bolivia, Evo Morales, denunció hoy que las bases militares en Colombia, bajo control de Estados Unidos, constituyen una invasión a Suramérica y abogó por realizar un referendo continental sobre este tema.

Al intervenir en la clausura de la VIII Cumbre de la Alianza Bolivariana de los Pueblos de Nuestra América (ALBA), expresó Morales su seguridad de que los pueblos de la región se unirán para defender a cualquier país ante una agresión norteamericana.

Así como Bolívar defendió a otros pueblos, todos los países latinoamericanos defenderemos la dignidad de cualquier nación latinoamericana, dijo.

Advirtió el presidente boliviano que el imperialismo estadounidense sufriría su segundo Vietnam, si intenta invadir a cualquier país latinoamericano. El presidente condenó las amenazas de la administración norteamericana contra algunos gobiernos que mantienen relaciones con Irán y aseguró que Bolivia mantendrá relaciones con todo el mundo.

Si Estados Unidos quiere tener buenas relaciones que deje esa actitud verticalista y paternalista. No habrá patrones que impongan políticas con quienes podemos relacionarnos nosotros, dijo.

En sus declaraciones en la cumbre del ALBA, el primer mandatario agradeció la solidaridad de Cuba con su pueblo y con los demás países del mundo, en particular en la formación profesional de jóvenes de otras naciones.

A nombre de mi pueblo agradezco al gobierno y al pueblo cubanos por esta gran solidaridad, dijo.

Evo informó que durante su visita a La Habana para la reunión del mecanismo integracionista mantuvo un encuentro con el líder de la Revolución cubana Fidel Castro, a quien calificó como un hombre histórico con mucha sabiduría.
Cuba es semillero de la Revolución en América Latina, Cuba representa la dignidad, la soberanía de los pueblos, Cuba es ejemplo de solidaridad, dijo el mandatario boliviano.

El ALBA ha permitido enfrentar la crisis mundial

Baldwin Spencer, primer ministro de Antigua y Barbuda, afirmó hoy que la existencia de la Alianza Bolivariana para los Pueblos de Nuestra América ha permitido a sus países miembros enfrentar los efectos de la crisis económica mundial.

Spencer fue el primer orador de la sesión final de la VIII Cumbre del ALBA, que se celebra en el Palacio de Convenciones de La Habana, en presencia del Presidente cubano Raúl Castro y demás mandatarios o jefes de delegaciones asistentes a esta cita, la cual coincide con el quinto aniversario de ese mecanismo integracionista.

Subrayó cómo en momentos en que el mundo sufre una enorme recesión, las naciones miembros del ALBA, bajo el principio de la solidaridad, la igualdad y la complementariedad de sus economías, impulsa programas y proyectos de beneficio social, dirigidos a elevar la calidad de vida de sus pueblos y reducir la pobreza.

El Primer Ministro de Antigua y Barbuda puso como ejemplo las becas otorgadas a cientos de estudiantes de su país y los subsidios alimentarios a discapacitados, inversiones para el mejoramiento del aeropuerto de ese país.

Expresó que, en sus cinco años, la Alianza Bolivariana para los Pueblos de Nuestra América y Tratado de Comercio de los Pueblos (ALBA-TPC) ha logrado sustanciales avances, pero también tiene el reto de luchar por buscar soluciones al cambio climático, máxime cuando las islas del Caribe son vulnerables a sus efectos.

Además de los jefes de Estado y de Gobierno de Venezuela, Bolivia, Nicaragua, San Vicente y las Granadinas y Cuba, están presentes en el Palacio de Convenciones de La Habana jefes de delegaciones de los restantes países miembros de ese mecanismo.

Se encuentran, además, cientos de estudiantes de la región que se forman en Cuba, quienes -con vítores y expresiones de alegría- saludaron a cada mandatario o jefe de delegación, y en particular a Raúl y al jefe de la Revolución Bolivariana, Hugo Chávez, al recordarse que hoy se cumple el aniversario 15 de su primera visita a Cuba y su encuentro con el Comandante en Jefe Fidel Castro Ruz.

(Con información de Prensa Latina y la AIN)

Al ALBA solo se le puede acusar de ser solidaria, dijo Daniel Ortega

14 Diciembre 2009

El presidente nicaragüense, Daniel Ortega, dijo hoy aquí que la existencia del ALBA ha marcado una nueva alternativa, no sólo para América Latina y el Caribe sino para todos los pueblos del mundo.

Al hablar aquí en la clausura de la VIII Cumbre de la Alianza Bolivariana para los Pueblos de Nuestra América, Ortega explicó que ninguno de los países integrantes apuesta a mantener la explotación y empobrecimiento de los pueblos ni a desarrollar políticas de guerra.

Sí se puede acusar a ALBA de ser solidaria y ahí entramos a lo que es esa contradicción presente a lo largo de la historia entre individualismo y solidaridad, así como de amar al pueblo como un principio practicado por Cuba a lo largo de su historia, subrayó.

El mandatario planteó que eso explica, a la vez, la reacción de los adversarios del ALBA pues son quienes apuestan a mantener la forma de dominación impuesta por la tiranía del capitalismo global encabezada por el imperio norteamericano.

Afirmó que en esta Cumbre no se discutió plan de muerte contra pueblo alguno, ni de agresión, sino como enfrentar los efectos devastadores del neoliberalimo y del capitalismo salvaje.

El Jefe de Estado explicó que quienes acusan de terroristas a los gobiernos del ALBA se han caracterizado precisamente por desestabilizadores y terroristas con invasiones contra Granada y Panamá, la guerra sucia contra Nicaragua y el bloqueo a Cuba.

La cabeza del terrorismo está en el Norte, no en el Sur, también manifestado en el golpe de Estado en Honduras y los bombardeos brutales en Iraq y Afganistán donde se asesinan todos los días centenares de víctimas inocentes, agregó.

Criticó al sistema que pone en riesgo la sobrevivencia de la especie humana incumpliendo el protocolo de Kyoto y anticipó que las naciones del ALBA lucharán contra eso en la próxima Conferencia de Copenhague sobre el cambio climático.

Ortega planteó que las amenazas más recientes de los gobernantes de Estados Unidos tratan de someter a los pueblos latinoamericanos que se han levantado y están buscando su transformación y el cambio para su propio modelo de justicia y solidaridad.

Están conspirando todos los días contra nuestros pueblos y procesos y por eso, estamos en la obligación de unirnos, subrayó el presidente.

(Con información de Prensa Latina)

Momento especial con Omara y Chucho en la Cumbre del ALBA

14 Diciembre 2009

Un momento especial de la clausura de la VIII Cumbre del ALBA resultó la actuación del afamado pianista Chucho Valdés y de Omara Portuondo, ganadores del Grammy Latino 2009, a quienes los Presidentes Raúl, Evo y Chávez saludaron personalmente. Interpretaron “Veinte años”, de Piloto y Vera, y “La Bayamesa”, de Sindo Garay.

El presidente cubano Raúl Castro Ruz, besa la mano de la cantante cubana Omara Portuondo, durante el acto de clausura de la Cumbre de la Alianza Bolivariana para los Pueblos de Nuestra América (ALBA), en el Palacio de Convenciones, en La Habana, Cuba, el 14 de diciembre de 2009. AIN FOTO/Omara Garcia Mederos

Hugo Rafael Chávez Frías, Presidente de la República Bolivariana de Venezuela junto a la cantante cubana Omara Portuondo, en el acto de clausura de la Cumbre de la Alianza Bolivariana para los Pueblos de Nuestra América (ALBA), en el Palacio de Convenciones, en La Habana, Cuba, el 14 de diciembre de 2009. AIN FOTO/Omara Garcia Mederos

Comunicado sobre Cambio Climático de la VIII Cumbre del ALBA

14 Diciembre 2009

COMUNICADO ESPECIAL SOBRE CAMBIO CLIMÁTICO DE LA VIII CUMBRE DEL ALBA - TCP CON MIRAS A LA XV CONFERENCIA DE LAS PARTES EN COPENHAGUE

1)Los Jefes de Estado y de Gobierno de los países miembros de la Alianza Bolivariana para los pueblos de nuestra América-Tratado de Comercio de los Pueblos, reunidos en su VIII Cumbre, celebrada en La Habana, Cuba, del 13 al 14 de diciembre de 2009, convinieron reafirmar la Declaración Especial sobre Cambio Climático adoptada en la VII Cumbre del ALBA-TCP, efectuada en Cochabamba, Bolivia, el 17 de octubre de 2009.

2) Observaron con profunda preocupación que el estado de las negociaciones previas a la XV Conferencia de las Partes demuestra que los países desarrollados, principales responsables del cambio climático y de sus impactos adversos, no tienen la intención de alcanzar resultados justos y balanceados en Copenhague, tras casi tres años de negociaciones para la adopción del segundo periodo de compromisos de reducción de gases de efecto invernadero de los países desarrollados, bajo el marco del Protocolo de Kyoto, y tras dos años de negociación en el grupo de trabajo sobre cooperación a largo alcance para un acuerdo de la conferencia de las partes que permita una aplicación plena, efectiva y sostenible de la Convención, en total conformidad con sus principios y compromisos.

3) Deploraron que los países desarrollados hayan encaminado sus esfuerzos a alterar y quebrantar los principios y compromisos del régimen legal vigente, con el objetivo de perpetuar sus patrones de producción y consumo insostenibles, y la dependencia y marginación de los países en desarrollo, al intentar desplazar la carga que representan la mitigación y la adaptación a dichos países.

4) Reafirmaron, en ese contexto, que la intención por parte de los países desarrollados de imponer un acuerdo político que condene al 80 por ciento de la población mundial a vivir en el subdesarrollo y la pobreza, resulta inaceptable, no pueden ser una opción política y ha constituido un serio obstáculo para alcanzar un resultado justo y equitativo en Copenhague.

5) Ratificaron que la Convención Marco de Naciones Unidas sobre Cambio Climático y su Protocolo de Kyoto representan el régimen jurídico vinculante vigente que norma la respuesta y la cooperación internacional para el enfrentamiento al calentamiento global, como resultado del consenso alcanzado por la comunidad internacional para encarar lo que representa uno de los problemas más graves que amenazan a la humanidad y a la propia vida y existencia de algunas naciones en vías de desarrollo.

6) Rechazaron categóricamente los intentos de hacer fenecer esto instrumentos, anularlos o sustituirlos por nuevos acuerdos que erosionen o alteren las obligaciones jurídicamente vinculantes que en ellos contrajeron.

7) Constataron, un vez más, que la crisis ambiental resultante del incremento de las temperaturas en la atmósfera es consecuencia del sistema capitalista, del prolongado e insostenible patrón de producción y de consumo de los países desarrollados, de la aplicación e imposición al resto del mundo de un modelo de desarrollo absolutamente depredador, y de la falta de voluntad política para el cumplimiento pleno y efectivo de los compromisos y obligaciones previstas en la Convención y el Protocolo de Kyoto.

8) Subrayaron que los países desarrollados, que comprenden solamente el 20% de la población mundial, contrajeron una deuda climática con los países en desarrollo, las futuras generaciones y la Madre Tierra, al sobre consumir el espacio atmosférico y al haber generado aproximadamente tres cuartas partes de las emisiones históricas mundiales.

9) Reconocieron que para lograr el objetivo de estabilizar las concentraciones de gases de efecto invernadero (GEI) en la atmósfera a un nivel que prevenga una interferencia peligrosa en el sistema climático, los países Anexo 1 deben volver a las concentraciones de gases de efecto invernadero muy por debajo de 300 ppm de GEI, con el propósito de retornar a temperaturas lo más cercanas posibles a los niveles preindustriales.

10) Destacaron que esta deuda climática en el marco más amplio de la deuda ecológica comprende tanto una deuda de emisiones como una deuda de adaptación, que debe ser honrada por los países desarrollados a través de:

a) Compromisos vinculantes de reducciones domésticas sustanciales y reabsorción de emisiones de gases de efecto invernadero de tal forma que se garantice el derecho al desarrollo de los países en vías de desarrollo.

b) Cumplimiento de sus compromisos de transferencia efectiva de tecnología, asegurando que sea accesible, asequible, adaptable y eliminando todas las barreras relacionadas con los derechos de propiedad intelectual, para que los países del Sur puedan emprender un proceso de desarrollo que no siga los patrones de consumo y contaminación del Norte.

c) Cumplimiento y garantías en la provisión efectiva de recursos financieros públicos adicionales, adecuados, previsibles y sostenibles, enfatizando que los requerimientos para la adaptación de los países en desarrollo se han incrementado como consecuencia de la crisis climática. Para evitar una catástrofe climática mayor, los países desarrollados deben proveer del 6% por ciento de su GDP a favor de los países en desarrollo haciendo una contribución medible (notificable y verificable) hacia el pago total de su deuda climática.

11) Resaltaron que para lograr la aplicación efectiva de la Convención Marco de las Naciones Unidas sobre Cambio Climático y del Protocolo de Kyoto se deben los órganos competentes para la adaptación, transferencia de tecnología y desarrollo de capacidades, así como mecanismos financieros mejorados.

12) Rechazaron categóricamente los intentos de traspasar responsabilidades de mitigación a los países en desarrollo, así como el establecimiento de condicionalidades para la transferencia de recursos financieros y tecnológicos para combatir el cambio climático, y exigieron que se respete el derecho al desarrollo sostenible de estos países, en un ambiente sano, ecológicamente equilibrado, y con el espacio atmosférico requerido.

13) Destacaron que los países desarrollados intentan desconocer esta deuda climática, que es la expresión concreta de su responsabilidad histórica en la Convención Marco de las Naciones Unidas sobre Cambio Climático y del Protocolo de Kyoto y que, por ello, están promoviendo un nuevo acuerdo donde su culpabilidad no quede en evidencia.

14) Enfatizaron la necesidad de cambiar los patrones de consumo y estilos de vida en los países desarrollados y de reformar el sistema económico, comercial y financiero internacional.

15) Rechazaron las soluciones de mercado y la venta de bonos de carbono para resolver los problemas del cambio climático, porque ellas se inscriben en la misma lógica que provocó el estallido de la más grave crisis económica y financiera global después de la Gran Depresión, que generó millones de desempleados y agravó la pobreza y la crisis alimentaria de los países en desarrollo. Asimismo, destacaron que los mercados de carbono permiten a aquellos que causaron el cambio climático seguir contaminando, mientras que la carga de la reducción de las emisiones se traspasa a los países en desarrollo.

16) Manifestaron que la necesidad de proveer a los países en desarrollo con recursos financieros adecuados para atender la totalidad de los gastos adicionales generados por los impactos del cambio climático, no es un asunto de mercado, sino una obligación legal y moral, derivada de los compromisos asumidos por los países desarrollados bajo la Convención.

17) Alertaron que los intentos de los países desarrollados de impulsar la adopción de un acuerdo que viola los principios de responsabilidad histórica, de equidad y responsabilidades comunes pero diferenciadas, atenta contra el derecho al desarrollo de los países en vías de desarrollo y representa una grave afectación de los derechos de la Madre Tierra.

18) Ratificaron su voluntad de trabajar desde posiciones cohesionadas para participar y contribuir de manera constructiva a las deliberaciones de Copenhague y cualquier proceso ulterior, con el fin de llegar a un resultado justo, balanceado y equitativo que permita alcanzar el objetivo primero de la Convención en plena concordancia con sus principios y compromisos.

19) Demandaron enfáticamente a los países desarrollados para que, de manera efectiva y convincente, demuestren su voluntad política de cumplir plenamente sus obligaciones actuales y futuras, mediante compromisos serios, ambiciosos y comparables bajo la Convención Marco de las Naciones Unidas sobre Cambio Climático y del Protocolo de Kyoto.

20) Reconocieron que las medidas voluntarias orientadas a la mitigación, alternativas a las tradicionales de mercado, adoptadas por algunos de los países miembros de la ALBA, deben ser reconocidas, compensadas financieramente y promovidas a nivel mundial. Particularmente, reconocieron y apoyaron la iniciativa del Ecuador denominada Yasuní-ITT, como innovadora y vanguardista en el enfrentamiento del problema del cambio climático.

21) Reafirmaron que la posición de los países de la ALBA sobre cambio climático, refleja una concepción del desarrollo no basada en la mercantilización de la naturaleza, sino guiada por el paradigma del Buen Vivir, que supone relaciones de armonía y respeto con la naturaleza y con los demás.

FILE NOT FOUND: La resignación como método de sobrevivencia

Margarita Schultz (Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

Para quienes tenemos el hábito de navegar por Internet, internautas de un medio no acuoso, encontrarse con un mensaje como el que encabeza el título de este texto -FILE NOT FOUND- es una experiencia cotidiana.

Algo ya no está más… puede ser un ‘sitio’, un enlace, una obra del net-art… información en resumidas cuentas; sencillamente, ARCHIVO NO ENCONTRADO.

Propongo que comparemos dos experiencias similares/dispares. Buscar un libro impreso en papel en nuestra biblioteca; buscar un libro o un sitio que contiene información variada (también algún libro) en Internet.

El no hallazgo de un libro en nuestra biblioteca nos deja en un estado de insatisfacción que puede durar días, en los cuales revisamos los lomos de los libros una y otra vez, sobre todo si tenemos claridad acerca del lugar exacto donde el libro debería estar. Comenzamos a cavilar acerca de préstamos no devueltos, cambios de lugar del objeto-libro inadvertidos por nosotros mismos, y por ello nos invaden inquietudes acerca de nuestro grado de conciencia y lucidez…

Sin embargo, a raíz del concepto de inestabilidad, clave de bóveda del universo digital, nuestra actitud frente a un archivo que no ha sido encontrado difiere notoriamente.

La inestabilidad de los objetos informáticos tiene diversas fisonomías. Una de ellas está representada en el fenómeno de la fragilidad tecnológica de ese mundo peculiar que constituye el ciberespacio, a la cual se suman incompatibilidades de nuestras máquinas (hardware) o la carencia de programas (software) en nuestros computadores.

También se activa la inestabilidad a raíz del carácter ‘interactivo’ de gran parte de los objetos referidos. Por ejemplo: artículos que se construyen con el aporte intelectual de los usuarios y van modificándose (Wikipedia), foros donde diferentes personas opinan, critican, refrendan lo que otras personas proponen, obras de intención artística creadas para la intervención concreta de quienes acceden a ellas (modificar una imagen, añadir una línea a un poema, seleccionar el final de un relato y modos más complejos…). Frente a la estabilidad de un cuadro, una escultura, un libro impreso, esos objetos digitales de intención artística se caracterizan por una singular labilidad.

¿Qué se genera a partir de la experiencia de ‘no encontrar’, tan frecuente en el mundo del ciberespacio?

La práctica de navegar por Internet nos ha habituado a recibir las pérdidas con espíritu deportivo. Se trata de un desprendimiento que minimiza la importancia de ese ‘no estar’, nuestro ánimo se adapta a ello apelando a su plasticidad. En principio, porque sabemos que ello forma parte del sistema. Las cosas están, duran un tiempo variable y después dejan de estar, porque ya no se las continúa o por otros motivos de orden tecnológico: FILE NOT FOUND.

Además, la multitud de informaciones análogas o equivalentes generan otro ‘espíritu’ (pertenece a la misma familia del desprendimiento): el espíritu de ‘reemplazo’. Saber que se cuenta con un acervo suculento de información vinculada a lo que se busca nos da esa sensación del ‘no importa’. Si lo que buscamos no se encuentra en el sitio seleccionado estará en otro artículo, en otro sitio, en otra base de datos…

Sin embargo, esa tranquilidad con que resolvemos la falta de lo que buscamos en Internet tiene consecuencias que tal vez no advertimos en el momento. Porque, de paso en paso, nos encaminamos hacia el debilitamiento de la importancia de las cosas, a la desaparición de la trascendencia de ciertas cosas. En ese mundo comenzamos a sentir que no hay ‘irreemplazables’.

¿Esos sentimientos rebasan los límites de la experiencia con el ciberespacio?¿Es eso positivo? ¿Implica, en cambio, una contaminación, por anestesia, respecto del apego a los fenómenos en general?

La tranquilidad mentada puede ser evaluada como frivolidad ante la pérdida, y puede ir generando un letargo relativo a otros núcleos del vivir: las personas de las cuales nos separamos, los lugares que dejamos de visitar, nuestras plantas, nuestras mascotas que se mueren o se extravían…

La resignación ante la pérdida puede ser, igualmente, un método de sobrevivencia frente a la inquietud de lo que se pierde continuamente. Una reducción de la angustia que conduce, empero, a una neutralidad valórica. Porque así como se forman los valores en el andar de la experiencia, en ese andar se forma también la indiferencia valórica. No por decisión sino por acumulación.

Pero no estamos ante una fatalidad. No somos criaturas sometidas, súbditos de los vaivenes externos. La indiferencia ante un ARCHIVO NO ENCONTRADO no debería conducir a una indiferencia valórica si acaso mantenemos un alerta, aguzamos la capacidad de diferenciar situaciones, algo que puede caracterizarse como la energía del espíritu crítico.

Margarita Schultz es argentina residente en Chile

Carlos Emilio, el guitarrista de Irakere

13 Diciembre 2009

Carlos Emilio Morales (izquierda), Jorge Reyes y Chucho Valdés (derecha), integrantes de Irakere, en la Casa del Jazz. (Foto: Archivo)

Para algunos, sería suficiente decir Carlos Emilio, el guitarrista; para otros, bastaría con mencionar su nombre, sonoro como cualquiera de las secuencias que él imagina y lanza desde su guitarra dándonos la buena nueva acerca de las bondades que promete un tema a partir de su introducción, o bien despidiéndolo con cariño para que vuelva siempre a la memoria desde la coda, larga o breve, que el compositor o el arreglista saben bien que estarán, literalmente, en buenas manos cuando este pasaje tan definitorio se haya confiado a la guitarra o, mejor dicho, a su guitarra.

Hablamos de Carlos Emilio, el músico a quien -todavía veinteañero- le fueron asignados importantísimos solos en los arreglos del inmenso Armando Romeu para la Orquesta de Música Moderna, asumidos por él con un alto nivel de improvisación y maestría en la ejecución. Algunos de ellos -para la buena suerte de nuestra historia musical- se grabaron en vivo durante el concierto que ofreciera dicha agrupación en ocasión de su debut, que tuvo lugar en el Teatro Amadeo Roldán, en 1967. Un buen ejemplo puede resultar Pastilla de menta, uno de los temas de mayor incidencia en la popularidad que alcanzara la mencionada orquesta.

Único en su papel solista e imprescindible como músico de atril sobre cuya ejecución descansa buena parte de la estabilidad y firmeza requeridas en el trabajo de conjunto, Carlos Emilio Morales ha descrito una trayectoria que lo define como alguien acerca de quien podría editarse un libro lleno de testimonios aleccionadores y sabrosas anécdotas, en cuyas páginas quedaría muy claro hasta qué punto un artista totalmente ajeno al delirio de protagonismo, es capaz de poner de acuerdo a los más diversos gustos, criterios y posiciones, para verse considerado como dueño de un absoluto e incuestionable primer plano entre los grandes músicos cubanos del siglo XX.

Acerca de su hermosa y fecunda coincidencia con Chucho Valdés desde los primeros tiempos, podría hablarse largo y tendido. Según me cuenta Carlos, la primera vez que trabajaron juntos fue a comienzos de la década de los sesenta en la orquesta del Teatro Musical de La Habana. De aquellos tiempos en que Chucho, con el concurso de algunos músicos afines decide formar su primer grupo, datan las grabaciones que por iniciativa del compositor Giraldo Piloto, entonces al frente de una modesta productora discográfica orientada hacia el mercado exterior, estuvieron dedicadas a mostrar el arte de un joven cantante y percusionista: Amado Borcelá (Guapachá). El video que podemos apreciar aquí, tiene que ver con el trabajo recogido en ese disco y es un fragmento del material documental que la inolvidable cineasta Sara Gómez titulara Y tenemos sabor. En él -único testimonio en imágenes y sonido que nos ha quedado de Guapachá, debido a su fallecimiento súbito, ocurrido pocos días después de la filmación-el cantante despliega su arte en diálogo con los excelentes músicos encabezados, desde el piano, por Chucho, su director, con Carlos Emilio en la guitarra, Orlando López (Cachaíto) en el contrabajo, Vento en la flauta, Manolo Cala en el bongó y -según me afirma el propio Carlos- Roberto Concepción en la batería, todos procedentes de la mencionada orquesta del Musical. Acerca de las excelencias de esta muestra, prefiero no anticipar noticia alguna que pueda restar una pizca de asombro a quien haga su entrada, desde aquí, a ese breve episodio anticipador de lo que, a partir de 1973, comenzaríamos a conocer y admirar como Irakere.

Siempre amigo, siempre fiel al pensamiento de Chucho, el nombre y la historia de Carlos Emilio se han mantenido estrechamente asociados al nombre y a la historia de ese grupo, longevo como pocos y dueño de un sello sobradamente reconocido a escala nacional e internacional, en la medida en que alcanzó a ver convertidos en realidad los ideales de algunos músicos jóvenes que a finales de los cincuenta, desde el Club cubano de jazz, soñaban con un “jazz cubano”. El tema que aparece aquí como ejemplo del arte de Carlos Emilio en función de Irakere, forma parte de un disco titulado Tierra en trance, que reúne varias obras de la autoría de Chucho Valdés. Hallamos en él un muestrario de las exploraciones en que se aventuraba el compositor a partir del excelente elenco de instrumentistas que, con tan buen juicio, había sabido seleccionar, así como un anticipo de todo lo que, tanto él como la agrupación, irradiarían en todas direcciones, siempre a partir de la noción de un arte musical donde lo cubano es, a un tiempo, atmósfera y esencia.

Palia, la obra que figura en el corte número dos del disco, puede calificarse como un retrato en vivo del músico a quien nos estamos acercando este domingo. La guitarra, a partir de todas sus posibilidades, se convierte en la columna vertebral del tema, desde el impresionante comienzo hasta la coda. Prácticamente a lo largo de todo el discurso musical, el formato de teclado, bajo y percusión, sirven como base a las ocurrencias del guitarrista que se suceden, desde una primera atmósfera de quietud, creciendo hacia el logradísimo y nunca aparatoso clímax, para luego dejarse arropar por los instrumentos de viento en un momento de sabiduría orquestal donde se reafirma la maestría de un Chucho que nunca fue principiante y de un Carlos Emilio que, en eso -no cabe duda- más que pisarle los talones o seguirle los pasos, decidió caminar siempre a su lado.

En una ocasión le pedí que me regalara alguna fórmula para mejorar mi ejecución en la guitarra. Su respuesta fue: -”tienes que conocer absolutamente todos los sonidos que pueden originarse a lo largo del brazo, al extremo de que, cada vez que te venga a la mente un pasaje musical, vayas, con los ojos cerrados, al sitio exacto donde los dedos de tu mano izquierda conseguirán encontrarlo y hacerlo sonar”-. Sí, pero ¿cómo puede alguien llegar a ese grado de dominio?-le pregunté-. Su respuesta dejó bien claros los trazos de un retrato en vivo: -”Bueno, es que yo, desde que me levanto, agarro el atril, pongo la guitarra en el medio de la sala y, cada vez que ando cerca, le paso la mano!” Eso lo explica todo, a partir del instante en que tratamos de aproximarnos a su arte, prestando atención o -como dice el dicho- poniendo oído a Palia: un momento estelar en la historia musical cubana del siglo XX.

Agradecimientos a la coleccionista Rosa Marquetti por haber gestionado y facilitado para esta columna, acceso e información relacionados con los documentos audiovisuales que en ella aparecen. Aplausos y felicitaciones para el músico modesto, callado y ocurrente, cuyo legado ocupa el centro de nuestra atención este domingo, como una manera de sumarnos a las congratulaciones que ha estado recibiendo por haberse decidido, hace poco, a cumplir los setenta.

Guapachá con el Quinteto de Chucho Valdés. Carlos Emilio en la guitarra (1967)

Argentina: Gabo Sequeira en IMPA 11/12/09

El Viernes 11 de diciembre a las 18:00hs en La Fabrica Recuperada IMPA

El trovador Gabo Sequeira cerrará con sus canciones la charla sobre Derechos Humanos ayer y hoy que contará con la presencia de:

Nora Cortíñas, Madres de Plaza de Mayo Línea Fundadora
Margaria Cruz, grupo de Investiagación de Faimallá
Victor de Genaro, sec. de CTA Nacional
Carlos Mamud, Cooperativa UST

Coordina Vicente Zito Lema

Querandíes 4290, Ciudad Autonoma de Buenos Aires.
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http://www.myspace.com/gabosequeiratrovador

http://dokoentertainment.com/dokomusica/Gabo_Sequeira
http://gabosequeiratrovador.blogspot.com/

FRANCISCO VILLA EN CONCIERTO DE FIN DE AÑO

LUNES 7 DE DICIEMBRE A LAS 22:00 EN LA BARCAZA

Luego de su exitosa presentación en la austral ciudad de Valdivia y próximo a su nueva gira internacional, esta vez a las Islas Canarias, Francisco Villa, se presentará en este clásico local de Providencia, en lo que será el último concierto del año en Santiago

Especial énfasis le dará a su reciente producción “El alma del alma mía” y por supuesto que se paseará por los grandes éxitos de su prolífica producción discográfica, de 5 discos anteriores.

Hablar de Villa, puede que esté demás… sin lugar a dudas que es el trovador chileno actual, de mayor proyección, tanto nacional como internacional, que durante 25 años se ha mantenido fiel a sus principios, con un discurso coherente y consecuente con sus derechos que le dan sus sueños por una sociedad más justa y humana.

En su trova, no queda exenta la humanidad que da el amor y ese romanticismo necesario que nos invita a construir junto a la compañera, un amor perenne para avanzar por el enripiado camino que nos legó nuestra historia.

Este concierto, promete una noche cargada de emociones y sensaciones, que no nos dejará indiferentes… una noche donde podremos darnos un abrazo de cordillera, con la convicción de que la patota, una vez mas está reunida, con la ternura y valentía de estar en lo correcto, al momento de recibir, los buenos acordes y lírica interesante, que nos hará sentirnos diferentes a los que solo buscan lo mediático.

(HERNÁN ZÚÑIGA- Radio Universidad de Chile)

ADHESION: $3.000

LOS ESPERAMOS… CORRAN LA VOZ… NOS VEMOS

“RECUERDEN QUE EL MARTES ES FERIADO...”

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Como el chulla no existe otro igual

En el apogeo de las fiestas quiteñas, el Grupo EL COMERCIO hace un acercamiento a los rasgos que identifican al habitante de la capital.

Redacción Quito

Tal vez si escucha la frase: ‘Verásff, asomaraste. A ver si nos vamos al fútbol’. No dudará en que la pronunció un quiteño o una quiteña.

La palabra verásff, en Quito, puede ser desde un simple llamado de atención, una amenaza de amigos: verásff harazme jugar o te pego un güañucta (trompón o quiño) o un anuncio que jamás se cumplirá: verás, hermanito, asomarasteff, para hacer algo.

Estas frases provocan risas en el librero Édgar Freire: “El quiteño es plantilla y dice esa frase cuando ni siquiera piensa que volverá a ver a ese ‘hermanito”.

Pero no solo es plantilla, Freire recalca ese lenguaje cálido que usa la gente que vive en Quito. Es muy común en la capital (y en gran parte de la Sierra) el uso del verbo dar más otro verbo en gerundio, como si fuera un ‘verbo compuesto’ para pedir un favor.

Dar trayendo, dar comprando, dar haciendo, dar pidiendo, etc., implica, según Marco Chiriboga Villaquirán, quien tiene el espacio radial ‘Quiero hablarles de una ciudad llamada Quito’, la injustificable combinación de dos verbos, uno en infinitivo (dar) y el otro en gerundio (trayendo, escribiendo, cogiendo, arreglando) para formar un pseudo-imperativo, que no es precisamente una orden, y sí, casi una súplica.

Para Freire esa mezcla del verbo dar y un gerundio es la muestra de que el quiteño es cálido, que teme a dar una orden. Y eso -el ser querendón- es uno de los rasgos que muestra una encuesta realizada por el Grupo EL COMERCIO para este especial.

La intención es mostrar algunos aspectos que forman al ‘ser quiteño’, que muchas veces no solo es aquel que nació en Quito sino a la persona que asimiló sus costumbres, su lenguaje, su forma de vida, su forma de vestir.

De hecho, la pinta del ‘ser quiteño’ es medio casual, medio elegante y medio a la moda. Esto también tiene una explicación para Chiriboga Villaquirán: “El quiteño jamás llega a hablar en términos enteros. Siempre busca el 50%”. Y por eso, sigue, en Quito no existen los tontos, sino los medio tontos, nadie está atrasado, sino medio atrasado, nadie es vago, sino medio vago y, por supuesto, nadie es mañoso, sino, medio manilargo; y, para colmo de los colmos, “las chicas confiesan a su mamá, que está medio encinta”.

Esta manera de hablar suele provocar risas entre quienes no han afinado el oído con el lenguaje quiteño, quienes no saben que aquí se dice no seas malito llamarasleff a la Carrmencita, con algunos sonidos de fff al final de las palabras y arrastrando la r.

Tal vez escuchando el español del quiteño se pueda entender su idiosincrasia. El Diario EL COMERCIO presenta en este especial un acercamiento a los rasgos del ‘ser quiteño’ que se consultaron a otros quiteños, quienes pudieron calificar, en un cuestionario, todos los rasgos que ellos pensaban que formaban parte del quiteño y de la quiteña.
En la comunidad

Menos solidario y descuidado

La falta de apoyo a las mingas barriales y el poco respeto hacia los espacios públicos caracterizan a la nueva generación de los quiteños. Los vecinos del norte y sur de la urbe comentan sobre los problemas que enfrenta la ciudad en los temas ciudadanos como el manejo de la basura y el mal uso de los parques y áreas de recreación. Los moradores afirman que la solidaridad y la colaboración son valores que ya no se practican cotidianamente en la capital.

En el deporte

Futbolero y voleibolista

Unidos a un balón por amor. Desde las gradas o desde una cancha, el fútbol y el ecuavoley desatan pasiones. En la urbe hay la Federación, la Asociación y la Unión de Ligas Barriales, que agrupan a 200 000 deportistas. Este año han ingresado a los tres estadios 376 262 hinchas en la mitad del Campeonato.

En la política

Protestón y poco involucrado

En los últimos 10 años, los quiteños han participado activamente en el derrocamiento de tres presidentes de la República. Sin embargo, la mayoría no se inmiscuye en asociaciones barriales ni comités para planificar políticamente mejoras para el Distrito.

En sus relaciones

Amiguero y reservado

El ‘brother’, pana o ñaño está siempre presente en la vida del quiteño. Crear lazos de amistad es importante para él. Tiene pocos amigos verdaderos y comparte tiempo de calidad con ellos. No le gusta intimar con personas que no conoce pero disfruta de los momentos que comparte. Frecuenta cafeterías, restaurantes, cines y hasta centros comerciales con tal de ver a sus verdaderos amigos y charlar con ellos. Pero se reserva ciertos temas.

En lo intelectual

Lector de periódicos y libros

El best seller, el entretenimiento y la necesidad definen el interés por la lectura de los quiteños. La información actualizada también influye en la lectura de periódicos. La producción de literatura infantil desarrolla buenos hábitos de lectura. Sin embargo, hace falta apoyo para la producción local.

En la movilidad

Muy viajero y aventurero

Cambiar de clima, salir, conocer... son algunas cualidades de los capitalinos. No hay cifras oficiales de cuántos son los viajeros y adónde van, pero los operadores turísticos dicen que el flujo que sale es alto. Las playas preferidas son Atacames y Tonsupa. La Cámara de Turismo de Esmeraldas calcula que ingresan 150 000 turistas quiteños anualmente. En períodos de descanso cortos prefieren Baños y Puyo; en el extranjero Cartagena y Rep.Dominicana.

En el amor y la familia

Tradicionalistas y románticos

Las familias quiteñas son unidas, les gusta compartir tiempo juntas y reunirse, sobre todo en las festividades. Para algunos es muy difícil separarse de sus familiares y optan por vivir en la casa de sus padres. Los nacidos en la capital también conservan el romanticismo y los detalles del enamoramiento. Las parejas aún se citan en los parques y son querendonas.

En la vida social

Farrero y bailador

Los bares, restaurantes y discotecas se llenan desde las 16:00. El reggaetón, la salsa y el merengue son los ritmos más bailados, pero la tecnocumbia es la más pedida en las radios y puestos de venta de CD. Durante los fines de semana los parques se llenan para pasear y ejercitarse.

En el trabajo

Madrugador y obrero

Los quiteños trabajan, algunos lo hacen por pasión, otros porque les toca y otros son burocráticos. Pero los expertos dicen que no hay un perfil único del trabajador quiteño, ya que la capital se ha convertido en una gran metrópoli a donde llegan trabajadores de todo el Ecuador e incluso de otras nacionalidades.

En la pinta

Clásico y casual al vestir

En las calles, discotecas, cines, teatros y otros espacios de encuentro, los estilos clásicos y casual, con colores oscuros, caracterizan la pinta del quiteño. La moda foránea, el clima y hasta el estado de ánimo también influyen en la pinta. Las tribus urbanas también imponen su moda.

bolivia va!!!

La memoria del pueblo chileno pudo por fin honrar a Víctor Jara

Miles de chilenos y chilenas rinden su homenaje y se despiden se despiden de su amado trovador en un funeral popular de tres días.

www.kaosenlared.net/noticia/memoria-pueblo-chileno-pudo-fin-honrar-victor-jara

Víctor Jara fue asesinado hace 36 años por la dictadura de Augusto Pinochet y enterrado en secreto por su esposa y dos amigos el 18 de septiembre de 1973.

El día del golpe, 11 de septiembre, las fuerzas represivas, detuvieron a Víctor, quien fue terriblemente torturado para asesinarlo después. Ese crimen aún permanece impune, ya que los responsables de su asesinato no han sido juzgados.

Miles de personas se han presentado para darle e homenaje que merece, entre quienes se cuentan políticxs, periodistas, artistas y personalidades de la cultura.

Mañana sábado, Jara será enterrado en el Cementerio General.

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Empiezan a dar el último adiós a Víctor Jara

Aporrea. Centenares de personas empezaron hoy a dar el último adiós al cantautor Víctor Jara, asesinado en 1973 por militares, en el inicio del velatorio de sus restos, que se extenderá durante tres días para que sus compatriotas le ofrezcan el homenaje que no pudo recibir al momento de su muerte.

La británica Joan Turner, viuda del cantautor, custodió el féretro donde reposan los restos de su esposo, el mismo en el que fue sepultado en septiembre de 1973 cuando, acompañada solo por dos personas, lo depositó en un humilde nicho del Cementerio General.

"Está en el mismo ataúd con que fue sepultado casi en la clandestinidad por Joan Jara el 18 de septiembre de 1973. Su hija Manuela lo ha preparado", explicó la actriz Gloria König, presidenta de la Fundación Víctor Jara.

A la Fundación Víctor Jara, en el centro de Santiago, lugar elegido para velar al artista chileno, acudieron también representantes políticos, del mundo del arte y la cultura y de asociaciones de derechos humanos.

La primera guardia de honor fue encabezada por Joan Jara junto a sus hijas Amanda y Manuela.

Las siguientes fueron realizadas por los trabajadores de la Fundación Víctor Jara, la plana mayor del Partido Comunista de Chile, los máximos dirigentes de las juventudes comunistas y la Agrupación de Familiares de Detenidos Desaparecidos.

Entre las personas que acudieron al velatorio figuran la ministra de Cultura, Paulina Urrutia; el músico chileno Ángel Parra, hijo de Violeta Parra, el director de cine Andrés Wood y el candidato presidencial de la izquierda extraparlamentaria, Jorge Arrate.

El entierro del autor de canciones como "Te recuerdo Amanda" y "¡Ay, canto, que mal me sales!" tendrá lugar el sábado 5 de diciembre a las 10.00 horas (13.00 GMT) cuando, desde la sede de la Fundación saldrá un cortejo que recorrerá las calles hasta el Cementerio General.

El cantautor y director de teatro fue asesinado en el Estadio Chile, un recinto deportivo utilizado como centro de reclusión y tortura, días después del golpe de Estado que el 11 de septiembre de 1973 terminó con el mandato del presidente Salvador Allende (1970-1973).

Según determinó la investigación judicial, fue brutalmente golpeado y torturado, sus manos sufrieron golpes de culatas de fusiles y después recibió 44 disparos en todo el cuerpo.

Largas colas para rendir homenaje al cantante comunista Victor Jara
InSurGente.- Esta semana llegó el momento que se postergó por más de tres décadas: el homenaje y funeral como la gente que merecía Víctor Jara, símbolo del arte popular. El jueves comenzó el velatorio, que culminará con una despedida en el Cementerio General el día sábado, previo recorrido por Santiago. La afluencia de personas es incesante.

Así se anunció en el velatorio que se está realizando en el Galpón que lleva su nombre. El recorrido del sábado comienza a las 10:00 horas en calle Huérfanos. La idea es que pase por calles Brasil, Compañía, San Martín, San Pablo, Morandé y General Mackenna. Pasará también por la Estación Mapocho y será homenajeado por las pergoleras de avenida La Paz.

No será el único: la Brigada Ramona Parra hará el suyo en La Paz con Olivos. Luego Santos Dumont y Recoleta, hasta el Cementerio. Allá será llevado hasta el mismo lugar en que lo sepultó Joan Jara en 1973, con sólo 3 asistentes y bajo fuerte vigilancia militar, que prohibió hacer una despedida masiva.

La actividad lleva varias semanas de planificación y fue autorizada por Intendencia, considerada como muy importante para el Gobierno.

Para que se realice sin inconvenientes, Carabineros coordinó un plan especial para el perímetro del Galpón, con el apoyo de 700 voluntarios civiles.

El jueves y viernes está cortado el tránsito en Huérfanos, entre Cumming y Brasil. Compañía, Agustinas y Brasil siguen con libre circulación. Frente al Galpón, en la Plaza Brasil, se montó un escenario donde diversos artistas tributarán a Jara, incluyendo algunos de gran renombre como Inti Illimani y el Bafochi.

García Márquez inmerso en el general Bolívar

sábado 5 de diciembre de 2009

Luis Eduardo Saavedra Salazar (Desde Bogotá, Colombia. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

Aun hoy, experimentamos el asombro del horror. Cuando se pensaba que era imposible encontrar otro límite a la infamia, una nueva atrocidad irrumpía ampliando al infinito ese límite del terror, en medio de otro estupor y otro escándalo. La patria anegada en sangre y lágrimas, camino de la paz. Es como si fuera un requisito ineluctable de la historia: recorrer el camino que conduce a la felicidad a sangre y fuego. Otros ya lo hicieron y alcanzaron, por lo menos, una relativa estabilidad, luego de desencadenar en el siglo pasado las mayores matanzas de la historia. Hoy, son nuestros mayores, se abisman de esta barbarie y nos miran con cierta compasión. “Con el infantilismo de los abuelos que olvidaron las locuras fructíferas de su juventud”, olvidando que “la búsqueda de la identidad propia es tan ardua y sangrienta para nosotros como lo fue para ellos”, decía García Márquez en su discurso de Estocolmo.

En El General en su laberinto, el Nobel retoma esta vieja controversia con los europeos, esa incapacidad de interpretarnos que los define, y frente a la cual la buena fe de sus consejos y esfuerzos solidarios se diluyen en un mar de palabrería vacua y actos de tal torpeza e inocuidad que sólo dejan un sabor de resentimiento en tanto latinoamericano que, lejos de su tierra, y por esta misma razón, padecen con mayor rigor su impotencia ante la incertidumbre de la patria.

En boca de Bolívar y Diocles Atlantique (personaje de El General en su laberinto), García Márquez recrea una de las tantas disputas que debió sostener en Europa sobre el destino de América Latina. Al francés lo caracteriza por su enciclopedismo farragoso y la insoportable propiedad con que plantea que todo lo bueno para los europeos es bueno para el resto del mundo. El aspecto central de su discusión de Estocolmo, no sólo lo inserta sino que lo amplía.

Había dicho García Márquez en Estocolmo que “tal vez la Europa venerable sería más comprensiva si tratara de vernos en su propio pasado. Si recordara que Londres necesitó 300 años para construirse su propia muralla y otros 300 para tener un Obispo, que Roma se debatía en las tinieblas de la incertidumbre durante 20 siglos antes de que un rey etrusco la implantara en la historia, y que aun en el siglo XVI los pacíficos suizos de hoy, que nos deleitan con sus quesos mansos y sus relojes impávidos, ensangrentaron a Europa como soldados de fortuna. Aun en el apogeo del renacimiento, doce mil ladquenets a sueldo de los ejércitos imperiales saquearon y devastaron a Roma, y pasaron a cuchillo a ocho mil de sus habitantes”.

Ahora, Bolívar le espeta a Atlantique: “Si una historia está anegada de sangre, de indignidades, de injusticias, esa es la historia de Europa (...) La noche de san Bartolomé, el número de muertos pasó de dos mil en diez horas. En el esplendor del Renacimiento doce mil mercenarios a sueldo de los ejércitos imperiales saquearon y devastaron a Roma y pasaron a cuchillo a ocho mil de sus habitantes (...) Así que no nos hagan el favor de decirnos lo que debemos hacer. No traten de enseñarnos cómo debemos ser, no traten de que seamos iguales a ustedes, no pretendan que hagamos bien en veinte años lo que ustedes han hecho tan mal en dos mil.”

Y eso que García Márquez no podía poner en boca del General lo que aconteció en el siglo XX: dos conflagraciones mundiales desatadas por la Europa venerable. El genocidio atroz de Hiroshima y Nagasaki: la liquidación en masa de centenares de miles de hombres, mujeres y niños con los primeros rudimentos de la energía nuclear para entronizar un nuevo rey del mundo en un continente que se había autodestruido en pleno siglo XX, no sin antes contaminar con los peores vicios del fascismo a estas tierras vírgenes, cuya barbarie era edénica, si de confrontaciones se trata, y que nos costaron otros centenares de miles de vidas en muy pocos años a través de crímenes que se siguen repitiendo con una similitud siniestra.

Decía Cortázar que los escritores, si lo son verdaderamente, son como los caracoles que llevan la casita a cuestas. Esto le sirvió para que en su obra hasta los franceses hablaran en argentino. Y es difícil encontrar otro argentino que amara tanto a su país y, a su vez, haya dado tanto testimonio de ello. Sino que le pasó lo de Bolívar: por ampliar hasta la desmesura las fronteras de su patria se quedó desarraigado, como un fantasma trashumante por entre los confines de su América Latina, rumiando una nostalgia pavorosa.

Se puede estar anclado en París, pero no más. Se termina siendo un ciudadano de América Latina que añora los baños de cariaquito morado, que ceba el mate en las oficinas de la Unesco o que se tortura evocando la fragancia de la guayaba podrida para sustraer de la memoria el olor de su tierra. No es sino ver al Bolívar/García Márquez: “Se apoyó de espaldas al muro, sorprendido por el olor de las guayabas expuestas en una totuma sobre el alféizar de la ventana, y cuya fragancia viciosa saturaba por completo el ámbito del dormitorio. Permaneció así, con los ojos cerrados, aspirando el zahumerio de vivencias antiguas que le desgarraban el alma, hasta que se le acabó el aliento”.

Pero no bastaba olerlas, era preciso engullirlas, asimilarlas al torrente sanguíneo, poseerlas en un acto lento, sacramental: “Cedió a la tentación de coger una guayaba de las muchas que estaban en la totuma. Se embriagó un instante con el olor, le dio un mordisco ávido, masticó la pulpa con un deleite infantil, la saboreó por todos los lados y se la tragó poco a poco con un largo suspiro de la memoria”. No es un párrafo para tomarlo a la ligera, es una imagen desgarradora, de una sensualidad dolorosa: una alegoría de amor desesperado por la patria. Si la nostalgia toma esos ribetes, es comprensible lo que García Márquez le atribuye al sobrino de Bolívar: “El destino le deparó la inmensa fortuna de perder la memoria”. Así, no tendría que estar ansiando a nadie ni a nada, ni a su Caribe entrañable ni a su páramo remoto, con el que sostuvo una pugna pueril, ni tendría que sentirse muerto por ser un forastero en todas partes, cuando sabe que su patria es la misma de El Libertador: el corazón de cada colombiano.

Uno quisiera, finalmente, que el acento parisino de la rue Vivienne, que el autor le asigna a Bolívar, fuese una velada alusión a Cortázar, a la Galerie Vivienne de su cuento “El otro cielo”, el mejor acabado, según el mismo García Márquez. En los alrededores de la Galerie Vivienne vivía Lautréamont (“El otro cielo” entraña una especie de paralelo o, mejor, de reflejo especular de Lautréamont y Cortázar. Cortázar nació en Bruselas de padres diplomáticos argentinos, Lautréamont nació en Montevideo de padres diplomáticos franceses, etc.). Ya, en Cien años de soledad, había introducido a Rocamadour (personaje entrañable de Rayuela). Y no era gratuito. Cuando Cortázar murió, el Nobel escribió: “Me resisto a participar en los lamentos y elegías por Julio Cortázar. Prefiero seguir pensando en él como sin duda él lo quería, con el júbilo inmenso de que haya existido, con la alegría entrañable de haberlo conocido y la gratitud de que nos haya dejado una obra tal vez inconclusa, pero tan bella e indestructible como su recuerdo”.

El 16 de Agosto de 1.970, desde Saignon, Cortázar, a modo de presentación, le escribía a Fernández Retamar: “García Márquez me dijo ayer, espontáneamente, y sin la menor referencia de mi parte, que a partir de fin de año nada le gustaría más que visitar a Cuba. Su problema es de orden personal, de carácter; Gabo tiene horror a las conferencias, las reuniones multitudinarias (...) pienso que la Casa (de las Américas) debería ayudarlo un poco a vencer esa timidez enfermiza (...) Gabo no tiene problemas de tiempo, y si ustedes lo quisieran podría quedarse tres meses”. (!)

Cuatro frases que hacen crecer la nariz de Pinocho

Eduardo Galeano
LibreRed

“Somos todos culpables de la ruina del planeta”

La salud del mundo está hecha un asco. ‘Somos todos responsables’, claman las voces de la alarma universal, y la generalización absuelve: si somos todos responsables, nadie lo es.

Como conejos se reproducen los nuevos tecnócratas del medio ambiente. Es la tasa de natalidad más alta del mundo: los expertos generan expertos y más expertos que se ocupan de envolver el tema en el papel celofán de la ambigüedad. Ellos fabrican el brumoso lenguaje de las exhortaciones al ’sacrificio de todos’ en las declaraciones de los gobiernos y en los solemnes acuerdos internacionales que nadie cumple.

Estas cataratas de palabras -inundación que amenaza convertirse en una catástrofe ecológica comparable al agujero del ozono- no se desencadenan gratuitamente. El lenguaje oficial ahoga la realidad para otorgar impunidad a la sociedad de consumo, a quienes la imponen por modelo en nombre del desarrollo y a las grandes empresas que le sacan el jugo.

Pero las estadísticas confiesan. Los datos ocultos bajo el palabrerío revelan que el 20 por ciento de la humanidad comete el 80 por ciento de las agresiones contra la naturaleza, crimen que los asesinos llaman suicidio y es la humanidad entera quien paga las consecuencias de la degradación de la tierra, la intoxicación del aire, el envenenamiento del agua, el enloquecimiento del clima y la dilapidación de los recursos naturales no renovables.

La señora Harlem Bruntland, quien encabeza el gobierno de Noruega, comprobó recientemente que si los 7 mil millones de pobladores del planeta consumieran lo mismo que los países desarrollados de Occidente, “harían falta 10 planetas como el nuestro para satisfacer todas sus necesidades”. Una experiencia imposible.

Pero los gobernantes de los países del Sur que prometen el ingreso al Primer Mundo, mágico pasaporte que nos hará a todos ricos y felices, no sólo deberían ser procesados por estafa. No sólo nos están tomando el pelo, no: además, esos gobernantes están cometiendo el delito de apología del crimen. Porque este sistema de vida que se ofrece como paraíso, fundado en la explotación del prójimo y en la aniquilación de la naturaleza, es el que nos está enfermando el cuerpo, nos está envenenando el alma y nos está dejando sin mundo.

“Es verde lo que se pinta de verde”

Ahora, los gigantes de la industria química hace su publicidad en color verde, y el Banco Mundial lava su imagen repitiendo la palabra ecología en cada página de sus informes y tiñendo de verde sus préstamos. “En las condiciones de nuestros préstamos hay normas ambientales estrictas”, aclara el presidente de la suprema banquería del mundo. Somos todos ecologistas, hasta que alguna medida concreta limita la libertad de contaminación.

Cuando se aprobó en el Parlamento del Uruguay una tímida ley de defensa del medio ambiente, las empresas que echan veneno al aire y pudren las aguas se sacaron súbitamente la recién comprada careta verde y gritaron su verdad en términos que podrían ser resumidos así: “los defensores de la naturaleza son abogados de la pobreza, dedicados a sabotear el desarrollo económico y a espantar la inversión extranjera”.

El Banco Mundial, en cambio, es el principal promotor de la riqueza, el desarrollo y la inversión extranjera. Quizás por reunir tantas virtudes, el Banco manejará, junto a la ONU, el recién creado Fondo para el Medio Ambiente Mundial.

Este impuesto a la mala conciencia dispondrá de poco dinero, 100 veces menos de lo que habían pedido los ecologistas, para financiar proyectos que no destruyan la naturaleza. Intención irreprochable, conclusión inevitable: si esos proyectos requieren un fondo especial, el Banco Mundial está admitiendo, de hecho, que todos sus demás proyectos hacen un flaco favor al medio ambiente.

El Banco se llama Mundial, como el Fondo Monetario se llama Internacional, pero estos hermanos gemelos viven, cobran y deciden en Washington. Quien paga, manda, y la numerosa tecnocracia jamás escupe el plato donde come. Siendo, como es, el principal acreedor del llamado Tercer Mundo, el Banco Mundial gobierna a nuestros países cautivos que por servicio de deuda pagan a sus acreedores externos 250 mil dólares por minuto, y les impone su política económica en función del dinero que concede o promete.

La divinización del mercado, que compra cada vez menos y paga cada vez peor, permite atiborrar de mágicas chucherías a las grandes ciudades del sur del mundo, drogadas por la religión del consumo, mientras los campos se agotan, se pudren las aguas que los alimentan y una costra seca cubre los desiertos que antes fueron bosques.

“Entre el capital y el trabajo, la ecología es neutral”

Se podrá decir cualquier cosa de Al Capone, pero él era un caballero: el bueno de Al siempre enviaba flores a los velorios de sus víctimas… Las empresas gigantes de la industria química, petrolera y automovilística pagaron buena parte de los gastos de la Eco 92.

La conferencia internacional que en Río de Janeiro se ocupó de la agonía del planeta. Y esa conferencia, llamada Cumbre de la Tierra, no condenó a las transnacionales que producen contaminación y viven de ella, y ni siquiera pronunció una palabra contra la ilimitada libertad de comercio que hace posible la venta de veneno.

En el gran baile de máscaras del fin de milenio, hasta la industria química se viste de verde. La angustia ecológica perturba el sueño de los mayores laboratorios del mundo, que para ayudar a la naturaleza están inventando nuevos cultivos biotecnológicos.

Pero estos desvelos científicos no se proponen encontrar plantas más resistentes a las plagas sin ayuda química, sino que buscan nuevas plantas capaces de resistir los plaguicidas y herbicidas que esos mismos laboratorios producen. De las 10 empresas productoras de semillas más grandes del mundo, seis fabrican pesticidas (Sandoz, Ciba-Geigy, Dekalb, Pfiezer, Upjohn, Shell, ICI).

La industria química no tiene tendencias masoquistas. La recuperación del planeta o lo que nos quede de él implica la denuncia de la impunidad del dinero y la libertad humana. La ecología neutral, que más bien se parece a la jardinería, se hace cómplice de la injusticia de un mundo donde la comida sana, el agua limpia, el aire puro y el silencio no son derechos de todos sino privilegios de los pocos que pueden pagarlos.

Chico Mendes, obrero del caucho, cayó asesinado a fines del 1988, en la Amazonía brasileña, por creer lo que creía: que la militancia ecológica no puede divorciarse de la lucha social. Chico creía que la floresta amazónica no será salvada mientras no se haga la reforma agraria en Brasil.

Cinco años después del crimen, los obispos brasileños denunciaron que más de 100 trabajadores rurales mueren asesinados cada año en la lucha por la tierra, y calcularon que cuatro millones de campesinos sin trabajo van a las ciudades desde las plantaciones del interior. Adaptando las cifras de cada país, la declaración de los obispos retrata a toda América Latina. Las grandes ciudades latinoamericanas, hinchadas a reventar por la incesante invasión de exiliados del campo, son una catástrofe ecológica: una catástrofe que no se puede entender ni cambiar dentro de los límites de la ecología, sorda ante el clamor social y ciega ante el compromiso político.

“La naturaleza está fuera de nosotros”

En sus 10 mandamientos, Dios olvidó mencionar a la naturaleza. Entre las órdenes que nos envió desde el monte Sinaí, el Señor hubiera podido agregar, pongamos por caso: “Honrarás a la naturaleza de la que formas parte”. Pero no se le ocurrió. Hace cinco siglos, cuando América fue apresada por el mercado mundial, la civilización invasora confundió a la ecología con la idolatría. La comunión con la naturaleza era pecado. Y merecía castigo.

Según las crónicas de la Conquista., los indios nómadas que usaban cortezas para vestirse jamás desollaban el tronco entero, para no aniquilar el árbol, y los indios sedentarios plantaban cultivos diversos y con períodos de descanso, para no cansar a la tierra. La civilización que venía a imponer los devastadores monocultivos de exportación no podía entender a las culturas integradas a la naturaleza, y las confundió con la vocación demoniaca o la ignorancia.

Para la civilización que dice ser occidental y cristiana, la naturaleza era una bestia feroz que había que domar y castigar para que funcionara como una máquina, puesta a nuestro servicio desde siempre y para siempre. La naturaleza, que era eterna, nos debía esclavitud.
Muy recientemente nos hemos enterado de que la naturaleza se cansa, como nosotros, sus hijos, y hemos sabido que, como nosotros, puede morir asesinada. Ya no se habla de someter a la naturaleza, ahora hasta sus verdugos dicen que hay que protegerla. Pero en uno u otro caso, naturaleza sometida y naturaleza protegida, ella está fuera de nosotros.

La civilización que confunde a los relojes con el tiempo, al crecimiento con el desarrollo y a lo grandote con la grandeza, también confunde a la naturaleza con el paisaje, mientras el mundo, laberinto sin centro, se dedica a romper su propio cielo.

Un León elevado por un Mundo alas

Cobertura especial La Jiribilla • La Habana

León Gieco está de vuelta en Cuba. El músico argentino no vino a dar un concierto, sino a participar en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano. Es codirector, junto con Fernando Molinar y Sebastián Schindel, de la cinta Mundo alas, un road movie que relata una gira por el interior de Argentina y que agrupa a un elenco de “músicos, cantantes, bailarines y pintores, todos ellos grandes artistas con distintas discapacidades que expresan y comunican su mirada del mundo: aquello que les preocupa, que los anima, que los inspira, en un show que combina música, danza y pintura. Un show donde se destacan el rock, el folclor y el tango junto a grandes éxitos de León Gieco”, dice la web (http://www.mundoalas.com.ar) de la película.

La Jiribilla encontró al autor de “Solo le pido a Dios”, “Mensajes del alma” y “En el país de la libertad”, entre otros muchos himnos de la cancionística iberoamericana, en el lobby del teatro Karl Marx, minutos antes de comenzar la ceremonia de inauguración del certamen que, desde hace 31 años, se realiza cada diciembre en Ciudad de La Habana.

¿Es Mundo alas su nuevo mensaje del alma?

La vida me sigue sorprendiendo. Esta experiencia de Mundo alas fue una sorpresa que se dio gracias a la fuerza y la voluntad de todos esos chicos. Es una película muy bien realizada que toca temas medulares y demuestra que ante el arte somos todos diferentes. Sobre el show se ha hecho un libro, un DVD, 12 capítulos para el canal estatal de argentina, nos han invitado a tocar en España, en Toronto… ¡Y estamos en el Festival de La Habana! Estoy muy feliz.

¿Y qué dicen los chicos que protagonizan el material?

Ellos están viviendo un pedazo de vida ideal. Han visto la posibilidad de realizarse y de triunfar en lo que hacen. Si la película ha tenido tanto éxito, es porque ellos son artistas increíbles.

León de vuelta a Cuba y, por primera vez, en el Festival de Cine…

Este país es tremendamente especial para mí. Cuando joven, a escondidas, me pasaban por debajo de la mesa casetes con las canciones de Silvio y Pablo. Fue una época muy dura en Argentina porque había represión y ellos estaban prohibidos. Luego en 1984, con la vuelta a la democracia, Silvio y Pablo hicieron un concierto histórico en el Estadio Obras Sanitarias. Tuve la oportunidad de estar con ellos y cantar con Pablo “Canción para Carito”. Fue grandioso para mí. Era como un desquite total a aquellos años que teníamos que pasarnos esas canciones en silencio.

La última vez que te vimos aquí en público fue precisamente junto a Silvio, en un concierto en Casa de las Américas.

Esa no fue la última vez que estuve en Cuba. Luego vine a conocer más a fondo otras provincias de la Isla. Fue una experiencia divina. Además, coincidió que se estrenaba el documental sobre Fidel de Oliver Stone, y fue increíble verlo entre los cubanos.

Ahora estoy de regreso, y por primera vez en un Festival de cine. Habitualmente estoy en los festivales de rock donde ves a todos los grupos en un mismo escenario. Aquí encuentras que hay 25 escenarios todos los días. Es sorprendente, y me satisface mucho más estar porque traigo la experiencia de Mundo alas.

Carlos Varela pide que músicos en EEUU y Cuba tiendan puentes

05 de Diciembre de 2009, 03:00pm ET
María Peña

Washington, 4 dic (EFE).- El cantante cubano Carlos Varela, de vuelta en EE.UU. tras una ausencia de once años, opinó hoy que los músicos pueden ayudar a "tender puentes" entre ambos países.

"Mientras los estadounidenses no puedan viajar a Cuba, si al menos lo pudieran hacer los músicos, eso ayudaría mucho", dijo Varela en una entrevista con Efe en Washington, donde se encuentra como parte de una gira que también le llevará a Nueva York y Los Ángeles.

Según este cantante, cuya canción "Guillermo Tell" tuvo mucha repercusión en los años 80, "hay mucho entusiasmo de que las cosas avancen en relación con Cuba, aunque no es fácil".

Varela, de 46 años, visitó Estados Unidos en 1998 e intentó hacerlo en 2004, cuando tenía prevista una presentación en Miami, pero se le negó la visa.

Ahora, con el Gobierno de Barack Obama, que ha iniciado una política de acercamiento hacia Cuba, sí ha obtenido autorización para visitar el país, al que si todo va bien Varela piensa regresar con su banda en mayo de 2010.

La gira de Varela, organizada por el Centro para la Democracia en las Américas, busca propagar el mensaje de que los intercambios culturales pueden fomentar el entendimiento entre los pueblos.

Así lo ha dicho en sus reuniones con un funcionario de alto rango de la Casa Blanca, que prefirió no nombrar para no desviar la atención de la gira, con los legisladores Jan Schakowsky y John Tierney, y en un evento cultural en la American University.

El artista participará el lunes y martes próximos en Nueva York en foros de fundaciones interesadas en intercambios culturales.

El artista participará el lunes y martes próximos en Nueva York en foros de fundaciones interesadas en intercambios culturales.

Varela, que está por terminar su octavo álbum, visitará en Los Ángeles al cantante estadounidense Jackson Browne, y a otros artistas, del 8 al 15 de diciembre.

Del 16 al 21, en la última, regresará a Washington para participar en paneles del Smithsonian, la Fundación Nueva América, de corte progresista, y más reuniones con líderes del Congreso.

Con 30 años de carrera artística, Varela señaló que, pese a las limitaciones, "Cuba ha logrado crear escuelas de arte que han formado a buenos artistas".

En Cuba -dice- "levantas una piedra y salen músicos... los artistas no andamos en limusinas, ni gastamos millones en spots televisivos", pero es igual de eficaz el paso de información "de mano en mano".

Por otra parte subrayó que nadie le ha prohibido cantar en Cuba, si bien reconoció que, por motivos de "criterio de selección", no todas las estaciones tocan todas sus canciones.

"Soy músico, no represento ningún Gobierno, partido o religión", afirmó Varela, cuyo objetivo en este viaje es recabar historias que alimenten nuevos trabajos e incluso plantear la idea de colaboraciones.

Varela dijo tener "absoluta fe en la juventud" porque los jóvenes, a su juicio, son clave para "abrir puertas".

En abril pasado, el presidente de EE.UU., Barack Obama, levantó las restricciones de viajes y remesas a los cubano-estadounidenses que tienen familiares en Cuba y además ha reanudado las negociaciones sobre temas de inmigración con el Gobierno cubano que fueron suspendidas por George W. Bush en 2003.

El Congreso estudia un proyecto de ley que, en aras de propiciar la transición democrática en Cuba, pide eliminar la prohibición de viajes a todos los estadounidenses.

Pero la medida, como otros años, afronta la oposición de quienes creen que EE.UU. no debe modificar su política hacia Cuba ni mucho menos "premiar" al régimen cubano con ese tipo de flexibilizaciones. EFE

mp/pgp/ar

Víctor Jara, el cantautor inmortal marcha desde hoy por "un ancho camino"

Nelson Sandoval Díaz

Víctor Jara, el cantautor chileno asesinado cruentamente en 1973 por militares y que ha ganado la inmortalidad a través de su música, marcha desde hoy por un "ancho camino" abierto por sus compatriotas, que al fin han podido ofrecerle un entierro multitudinario.

"Vamos por ancho camino", festejaba una de las canciones de este artista, nacido en 1932 en la sureña provincia de Ñuble, que no tuvo una formación musical académica, que estudió en un seminario y que fue además un destacado director de Teatro, ganador del Premio de la Crítica en 1965.

Familiares y miembros de la Fundación Víctor Jara quisieron ofrecerle ahora un verdadero funeral, como el homenaje que no pudo recibir cuando fue enterrado en condiciones penosas y semiclandestinas el 18 de septiembre de 1973 (cinco días después del golpe militar de Chile), pero también lamentan, como dijo su viuda, la británica Joan Turner, que su crimen continúe impune.

Izquierdista militante, Víctor Jara impregnó su música con un contenido social de inequívoco significado, con apologías al revolucionario argentino-cubano Che Guevara (El Aparecido), indignación ante la injusticia ("Preguntas por Puerto Montt") o de una épica de los trabajadores ("El Arado") o reflexiones sobre la pobreza ("Luchín").

Pero, también, según dijo a EFE el musicólogo Rodrigo Suárez, su música, y especialmente sus letras, contienen valores universales que no pierden vigencia, como la solidaridad o la amistad, así como un apego a su tierra, tradiciones y personajes ("Angelita Huenumán").

También el amor que, a juicio del experto, es un aspecto poco estudiado en la obra de Jara, considerado casi exclusivamente un cantante de protesta, pero cuyas composiciones incluyen temas románticos "de impresionante belleza", como "Deja la vida volar", "Cuando voy al trabajo" o "Te recuerdo Amanda", uno de sus temas más universales.

La trayectoria musical de Jara se inició a comienzos de la década de los 50, cuando también comenzó sus estudios de actuación y dirección teatral en la Universidad de Chile, donde dirigió en 1959 su primera obra.

Se trataba de "Parecido a la Felicidad", de Alejandro Sieveking, con la que recorrió Argentina, Uruguay, Venezuela y Cuba, en el inicio de una trayectoria que incluyó desde clásicos del teatro chileno, como "Los Invasores" de Egon Wolf (1963), hasta curiosidades como "Dúo", de Raúl Ruiz, ese mismo año.

Obras del teatro universal, como "El Círculo de Tiza Caucasiano", de Bertold Brecht (1963) o "Marat Sade", de Peter Weiss (1966), lo tuvieron también como ayudante de dirección.

Mientras crecía en su actividad artística, Víctor Jara se comprometía de forma creciente con los procesos sociales de Chile en esos años y muchas de sus canciones fueron verdaderos himnos de batalla de los sectores populares que, en 1970, llevaron a la Presidencia a Salvador Allende.

Víctor Jara fue un agitador cultural del gobierno de Allende (1970-1973) y para muchos uno de sus símbolos, lo que pagó de una manera bárbara cuando el golpe militar de 1973 instauró un régimen militar bajo las órdenes del dictador Augusto Pinochet, fallecido en 2006, que quiso exterminar a sus detractores, quemó libros en las calles, prohibió la libre expresión artística y encarceló, exilió o asesinó a los creadores culturales.

El 11 de septiembre de 1973, Víctor Jara acudió a la Universidad Técnica del Estado (UTE), cuyos estudiantes y profesores ocuparon el establecimiento en una ingenua acción de resistencia al golpe.

Todos fueron detenidos al día siguiente y encerrados en el "Estadio Chile", convertido en prisión, donde el cantante fue reconocido por los militares.
Según testimonios de los supervivientes, los uniformados se ensañaron con el cantante: "Estaba torcido, tenía las manos quebradas y muchos impactos de bala", dijo en su libro "Un Canto Truncado", su viuda Joan, recordando el momento en que reconoció su cadáver, el 16 de septiembre de 1973, en el Servicio Médico Legal.

"Fue torturado por funcionarios del Ejército y ejecutado por sus captores el día 15 de septiembre", señala el "Informe Rettig", que en 1991 certificó las violaciones a los derechos humanos, mientras el informe de autopsia consignaba que el cadáver tenía 44 balazos.

Joan fue obligada a sepultarlo el mismo día, lo que hizo de forma anónima, junto a un amigo que caminó con ella tras el féretro hasta un humilde nicho del Cementerio General de Santiago de Chile.

Todos los datos sobre las torturas, la cantidad de balazos y las manos machacadas de Víctor Jara han sido confirmadas ahora, después de que en junio pasado el cuerpo del artista fuera exhumado por orden judicial, a fin de comprobar la veracidad de nuevos datos respecto de su asesinato.

Un ex recluta había confesado ser el autor material del crimen, pero su testimonio fue posteriormente desvirtuado, mientras el único procesado, el coronel retirado Mario Manríquez, murió en agosto pasado y sigue la incógnita de la identidad del "Príncipe".

Ex prisioneros han señalado a éste como un oficial de rasgos germánicos que torturó personalmente a Víctor Jara y le descerrajó un balazo en el cráneo jugando a la ruleta rusa.

Mientras, las canciones de Víctor Jara se escuchan en todo el mundo, tanto en sus propias grabaciones como en las voces de artistas como el catalán (nordeste español) Joan Manuel Serrat, la argentina Mercedes Sosa, la estadounidense Joan Baez y el cubano Silvio Rodríguez.

Asimismo, por grupos como el chileno Inti Illimani, los argentinos Los Fabulosos Cadillac, los españoles Presuntos Implicados o los chilenos Illapu.

entrevsta a daniel viglietti

“Cuando el pobrísimo tome las cúpulas y los famélicos tomen las Áfricas
y los indígenas tierra amazónica
y los mecánicos tomen las fábricas
y los utópicos salgan del prólogo
y los daltónicos pinten lo nítido
y los chuequísimos bailen de júbilo
ya lo terrícola será libérrimo
cual ritmo cíclico de un canto esdrújulo.
”D. V.

Por Andrés Figueroa
El viernes 27 de noviembre, a las 20:30 h., en el Teatro Oriente de Santiago de Chile, el legendario artista popular Daniel Viglietti ofreció un concierto a un precio ridículo para ese escenario y la talla del cantautor (3.000 pesos, menos de 6 dólares).

El creador de “A desalambrar”, “Soledad Barret”, “Daltónico” y un sensible cancionero que ha recorrido y recorre las luchas de los pueblos latinoamericanos ya se ha presentado en universidades, haciendo vibrar como siempre, esta vez, a las generaciones nuevas de chilenos que, pese a la mala distribución de su obra, maravilla y estremece. Cálido, pleno de convicciones, con proyectos infinitos, memoria intacta y esa voz honda que enreda de ternura al que tiene cerca, Daniel Viglietti se sienta en una mesa sencilla colmada de discos, mientras le cuento que me he pasado la vida cantando El Chueco Maciel (a mi modo gritón y malogrado) y que, absurdamente, parece que lo conozco de siempre.

¿Cómo se forjó tu vínculo con Chile?

Mi relación con Chile es de un gran cariño y de un sentimiento solidario de ida y de vuelta. Cuando conocí Chile en 1965 me enteré de que los hijos de la cantora formidable Violeta Parra –que ya conocía por su trabajo-, Isabel y Ángel, habían presentado “Canción para mi América” (“Dale tu mano al indio / dale que te hará bien”) en un programa televisivo por lo cual tuvieron algunas dificultades. Entonces, cuando yo vine por primera vez al país, a la ciudad de Valparaíso, integrando un coro como suplente de un bajo al festival de coro de Viña del Mar, lo primero que hice, luego del evento, fue partir a Santiago, a calle Carmen 340, donde funcionaba la Peña de Los Parra. Ahí estaba Violeta tomándose una sopa.

¿Así te “emparraste”?

Así comenzó la amistad con Isabel y Ángel. En ese primer viaje me quedé en casa de Patricio Manns (“Arriba en la Cordillera”, “El cautivo de Til Til”). Él estaba de gira por el norte del país filmando y me dejó su apartamento de la calle Berlín. Sucesivamente derivé a la casa de los Parra, en calle Los Leones 1278.

Carmen 340 fue la “fábrica” de la Nueva Canción Chilena…

En esa peña conocí a Víctor Jara; hice amistad con Rolando Alarcón (“Los Pueblos Americanos”) que aún vivía; con Payo Grondona, que quedó como uno de mis mejores amigos aquí. También con el “Gitano” Rodríguez (“Ha llegado aquel famoso tiempo de vivir”) que se nos fue hace un tiempo. Todo esto hizo una relación entrañable con Chile. Entonces canté en la feria de Los Cerrillos (Santiago), donde también cantó Violeta junto a esa tan prolífica familia de Los Parra. En otro viaje me trajo a tu país René Largo Farías (muerto en extrañas circunstancias hace algunos años), al Festival Chile Ríe y Canta en el Teatro Caupolicán. René era un hombre tremendamente solidario que después encontré en el exilio.

Tú eres hijo de músicos y parece que estuvieras desde siempre…

Canto hace 51 años, así es que en mis visitas a Chile vi el nacimiento de grupos como Inti-Illimani (“Sambalandó”, “Venceremos”) y Quilapayún (“El Pueblo Unido”).

EL EXILIO

Todo eso fue en los 60 y principio de los 70… luego fue el horror de la dictadura…

Así también me ata a Chile todo lo que ocurrió durante la Unidad Popular, Salvador Allende, Miguel Enríquez. En ese tiempo, por cierto, no salieron discos míos, lo cual pierde toda importancia después de todo lo que pasó.

¿Cómo te enteraste del golpe?

Yo estaba en París, escuchando un concierto del cubano Carlos Puebla (“Hasta Siempre, Comandante”), y cuando empezábamos a abrir unas botella de ron, llegó uno de ellos con el rostro demudado, diciendo “golpe en Chile”. Inmediatamente dejamos las botellas a un lado y nos fuimos cada uno a nuestras casas. Entonces comenzó otra vida para mí. Porque, aun siendo uruguayo, me transformé de pronto en chileno, y más adelante, con el golpe de Estado de Videla, me transformaría en argentino.

Tú fuiste exiliado también…

En el exilio me encontré con Joan Jara (viuda de Víctor Jara), en Berlín, en la entonces RDA, donde ella me narró lo concerniente a la muerte de Víctor. Yo siempre he trabajado en radio y televisión, así es que tengo una gran cantidad de entrevistas en mis archivos de varios de esos encuentros.”

¿Cuándo viajaste a Chile otra vez?

Tuve la oportunidad de entrar a Chile durante la dictadura de Pinochet, a finales de los 80, en una gran iniciativa que se llamó Chile Crea. Allí me reencontré con Isabel Parra, con Payo, y abracé a la extraordinaria folclorista Margot Loyola.

“NO ME ARREPIENTO DE NINGUNA DE MIS CANCIONES”

En 1990 terminó el régimen militar…

En el período después de la dictadura he venido muchas veces. Y así voy descubriendo gente nueva de Chile que canta, como Pancho Villa (“Yo soy de una generación”), y ayer en un concierto me acompañó el grupo musical Manka Saya y Vanessa Luna. De manera que sigue fluyendo esta memoriosa relación con Chile.

Muchas de tus canciones son eminentemente libertarias. Hay algunos artistas que ya han desalojado de su repertorio sus “encendidas” obras de juventud…

Yo no me arrepiento de ninguna canción; las contextualizo en sus etapas y las sigo cantando. Mis dos últimos discos son “Devenir” y “Trabajo de Hormiga”, y ya estoy preparando un disco nuevo.

LÚDICO EL CHUEQUÍSIMO

Juegas mucho con las palabras acentuadas en la antepenúltima sílaba; las famosísimas esdrújulas, como lo hizo Violeta en “Mazúrquica Modérnica”…

El esdrujulismo es un género que nos desborda a Violeta y a muchos, y que viene de muy lejos. El mismo Chico Buarque lo emplea en “Construcción”. Violeta Parra apocopó los esdrújulos, volviéndolos diferentes, hizo neologismos. Yo sólo agregué una perla al collar con la canción “Esdrújulo”.

Al usar ese tipo de palabras me vi obligado a pensar mucho. A veces una situación de límites obliga a realizar esfuerzos de imaginación importantes. Y esto no quiere decir que las censuras resulten beneficiosas, pero las censuras que ocurrieron aquí y allá, cuando todos tuvieron que arreglárselas para disparar metáforas y eludir los cercos, produjeron buenos ejercicios.

¿Y de dónde salió “Esdrújulo”?

Ésa surgió en un paseo al campo, jugando con los gurises (niños) de amigos con palabras esdrújulas. Allí partió el trabajo de ingeniería.

Ya te dije que mi caballito de batalla en la universidad y las fiestas ha sido tu “Chueco Maciel”. ¿Cuál es su historia?

El Chueco Maciel nació en los cantegriles de Montevideo en 1970. Cantegril era una zona de mucho lujo en Punta del Este, entonces el pueblo con ese humor crítico que caracteriza a los nuestros, le aplicó a los lugares más pobres el término cantegril. Y allí creció un muchacho que venía del interior del Uruguay, en el proceso de migración campo-ciudad, que se llamaba Nelson Maciel y le decían “chueco”, porque allá nombran así a los que caminan con los pies un poco hacia adentro. Entonces este muchacho comenzó a hacer algunos asaltos para acercar comida a los miembros del cantegril. Asaltó camiones de comestibles y bancos para conseguir dinero para ayudar a los pobladores del cantegril. De este modo, se convirtió en un símbolo creciente. Se le defendió mucho en el cantegril, hasta que un día fue capturado y asesinado dentro de una camioneta. Esto despertó una enorme cantidad de sentimientos. Así yo hice la canción. Tuve la oportunidad de cantarla incluso delante de la madre del propio Chueco Maciel.

En la década de los 80, secretamente y en cintas mal copiadas, los jóvenes chilenos antidictatoriales oíamos tu canción “Por todo Chile” que siempre pensamos que era un tema dedicado al Frente Patriótico Manuel Rodríguez…

Nació en enero de 1973 (varios meses antes del golpe militar), y la escribí tal cual es. Después la grabaron Los Parra. Tomo a Manuel Rodríguez como símbolo. Era un momento muy particular en Chile, estaba la huelga de los camioneros contra el gobierno de Allende, se gestaba un avance de la derecha, y mi canción plantea la decisión de muchos sectores de prepararse para la lucha. Y sigo cantando esa canción, respetando su origen.

También empleas casi como un paradigma la palabra “chueco”…

Ensancho la palabra “chueco”, como algo imperfecto, frágil, humano, pero que no nos exime de seguir luchando, siempre creando, siempre liberando.

URUGUAY HOY

La segunda vuelta electoral en Uruguay está más que cercana…

Yo espero que haya continuidad para el gobierno progresista en Uruguay, pero desde un apoyo crítico. Yo apoyo, voto, pero quiero plantear cosas que no se cumplieron en la primera etapa.

¿Cuál es tu evaluación del trágico resultado plebiscitario respecto de la llamada Ley de Caducidad que beneficia transitoriamente a quienes cometieron crímenes espantosos durante la dictadura en Uruguay?

Se perdió porque hubo, entre otras cosas, falta de decisión del gobierno de apoyar esa campaña. Ahora el gobierno debería estar obligado a buscar otros caminos para anular esta infamia y que los responsables de violar los derechos humanos, pasen ante la justicia. Probablemente muchos de ellos, porque son terriblemente cobardes y mentirosos, no van a querer hablar, pero ahora es importante individualizarlos a través del testimonio de mucha gente que fue torturada por ellos. No con sentimientos de venganza porque nuestra ética como pueblos es muy otra que la de los represores. Pero sí hay que obligarlos a que expongan sus cargos ante la justicia.

Jorge Cafrune - Tope puestero (1962)

05 de Noviembre de 2009
Jorge Cafrune / tomado de perreac

Segundo disco en solitario de Jorge Cafrune para el sello H. y R., editado en Argentina y Uruguay. El archivo de descarga contiene las imágenes de portada y contraportada de ambas ediciones, así como las de una reedición en vinilo que salió con posterioridad en Argentina.

DE LA CONTRAPORTADA DE LA PRIMERA EDICIÓN ARGENTINA:

Tope... Tope... Tope.
Tópemelo al aguacero.
Todas las penas sin dueño

siempre las topa el puestero...

Detrás del grito viril y criollo del arreo, viene un gaucho cantor. En estampa y acento. En juventud pujante, enhorquetada en alazán "de trote corto y aliento largo"...

Con su agraciado rostro, cerrado por el retinto ondulado de cabellera y barba nazarena, Jorge Cafrune puede encarnar a Martín Fierro en su total argentinidad, sin latitudes, desde el bailecito del alto Norte, con piropeo quichua:

Vidítay, señoray, tan churita;
chunquitay, amancay, cunumicita;
te'i de dar si querís la yapita,
no llorís linda flor quebradeñita...

hasta la estrofa que baja y sube todos los rumbos porque es canción del regreso y anuncia florecimientos de llegada:

Primaveral... te sentiré,
aunque sea invierno tu piel.

Jorge Cafrune tiene expresivas credenciales para el futuro: sus veinticinco años mozos. Nació el 8 de agostó de 1937 en Perico del Carmen, Jujuy. Hace cinco años (1957), cuando apuntaba en él un elegido para las justas cancioneras, viajó a Salta con el conjunto Las Voces del Huayra.

Posteriormente lo haría también con Los Cantores del Alba. Gustó entonces esos halagos iniciales que cuesta cristalizar, porque nacen y mueren con el momento eufórico. Que son flores de un día, abiertas y marchitas en el transcurso del aplauso. Jorge Cafrune comprendió que había que pagar el noviciado... y como no es de los que se achican, echó camino adelante. Y caminando, caminando, se encontró de pronto con que le había quedado chica para el andar la tierra propia. En 1961 alargó el pie a la vecina, que por ser tierra hermana no le opuso guijas a la pisada. Jorge cruzó el Uruguay y llegó al Brasil. De camino, palpó la gesta oscura de los pobrecitos contrabandistas de vituallas chicas, en la sierra fronteriza de Aceguá, donde hace añares vivió Aparicio Saravia su otra gesta gloriosa de las revoluciones.

Y el zorzal jujeño, conmovido, cantó el reclamo social del poeta oriental Osiris:

Gurisitos piernas flacas,
barrigudas de melón:
donde hay tantas vacas gordas
no hay ni charqui para vos...

El camino lo retempló del todo. Y ya en la patria, en enero del corriente año 1962, se acercó como "turista" a Cosquín. en las sierras chicas de Córdoba, donde se realizaría el gran Festival Folklórico de principalísima gravitación nacional. Jorge estaba allí para ver y oír..., pero llevaba guitarra al brazo, garganta entonada y ganas de sobra, y se dio el caso de que cantara por placer en la rueda cordial de una confitería. La chacarera brotó de sus labios con punzante veracidad:

Deja de coquear tus años,
no adobes más el acuse,
deja descansar la noche,
deja de andar ginebreando...

La rueda se engrosó a términos insospechados. Los organizadores del Festival Folklórico, que habían figurado entre sus oyentes ocasionales, decidieron incluirlo en el mismo. ¡ Por cierto que los dejó bien! Fue el suyo un triunfo consagratorio, refirmado después en otros Festivales: el de Mar del Plata; el del Luna Park, de Buenos Aires; el de Río Hondo...

Un ansia de flores nuevas
forman tu nombre y el mío,
por ser mujer sos la tierra
y yo por hombre soy río.

En poco tiempo el canto de Jorge Cafrune ha ido anocheciendo zambas y despertando auroras. La capital de la República lo ha presentado como exponente dilecto del arte nativo durante dos meses en Radio Belgrano y tres meses en la televisión ("La Pulpería de Mandinga”, en canal 9, y "Escala Musical", en canal 13). Igualmente ha incursionado en la radiofonía y la televisión montevideanas. Sus actuaciones en Mar del Plata, Salta y Tucumán aun prolongan elogiosos ecos.

El sello fonográfico H y R mantiene presente, en todos los ámbitos, su lema de "emoción, canto y guitarra". Jorge Cafrune ha grabado para estos surcos, en el correr del actual año 1962, la extraordinaria cantidad de 32 obras. Basta citar la cifra para demostrar la resonancia pública del artista. Pero agreguemos que, siendo el arte de Jorge Cafrune una conjunción de fuego interior, sinceridad pura y viva elocuencia, no habrá cifras que resistan. Sus nuevos triunfos se encargarán de ir dejándolas atrás.

Pedro del Abra

A escondidas escuchaba a Silvio y a Pablo, dice León Gieco en La Habana

5 Diciembre 2009

Invitado al Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, León Gieco está en La Habana para presentar la película “Mundo Alas”, que codirige junto a los argentinos Sebastián Schindel y Fernando Molnar.

En estrevista concedida a La Jiribilla, el artista argentino aseguró que Cuba es “tremendamente especial para mí. Cuando joven, a escondidas, me pasaban por debajo de la mesa casetes con las canciones de Silvio y Pablo.

Fue una época muy dura en Argentina porque había represión y ellos estaban prohibidos. Luego en 1984, con la vuelta a la democracia, Silvio y Pablo hicieron un concierto histórico en el Estadio Obras Sanitarias. Tuve la oportunidad de estar con ellos y cantar con Pablo ‘Canción para Carito’. Fue grandioso para mí. Era como un desquite total a aquellos años que teníamos que pasarnos esas canciones en silencio.”

Cubadebate quisiera corresponderle a Gieco, que es tan especial para los cubanos, recardando una de sus más extraordinarias canciones, “La memoria”, dedicada a los “jóvenes que ya no están”, víctimas de las dictaduras que han asolado a América Latina. Incluida la Argentina que costó la muerte a más de 20 000 personas y inauguró la práctica siniestra del secuestro de los hijos de sus víctimas.

La Memoria
Letra y música: León Gieco

Los viejos amores que no están,
la ilusión de los que perdieron,
todas las promesas que se van,
y los que en cualquier guerra se cayeron.
Todo está guardado en la memoria,
sueño de la vida y de la historia.
El engaño y la complicidad
de los genocidas que están sueltos,
el indulto y el punto final
a las bestias de aquel infierno.
Todo está guardado en la memoria,
sueño de la vida y de la historia.
La memoria despierta para herir
a los pueblos dormidos
que no la dejan vivir
libre como el viento.
Los desaparecidos que se buscan
con el color de sus nacimientos,
el hambre y la abundancia que se juntan,
el mal trato con su mal recuerdo.
Todo está clavado en la memoria,
espina de la vida y de la historia.
Dos mil comerían por un año
con lo que cuesta un minuto militar
Cuántos dejarían de ser esclavos
por el precio de una bomba al mar.
Todo está clavado en la memoria,
espina de la vida y de la historia.
La memoria pincha hasta sangrar,
a los pueblos que la amarran
y no la dejan andar
libre como el viento.
Todos los muertos de la A.M.I.A.
y los de la Embajada de Israel,
el poder secreto de las armas,
la justicia que mira y no ve.
Todo está escondido en la memoria,
refugio de la vida y de la historia.
Fue cuando se callaron las iglesias,
fue cuando el fútbol se lo comió todo,
que los padres palotinos y Angelelli
dejaron su sangre en el lodo.
Todo está escondido en la memoria,
refugio de la vida y de la historia.
La memoria estalla hasta vencer
a los pueblos que la aplastan
y que no la dejan ser
libre como el viento.
La bala a Chico Méndez en Brasil,
150.000 guatemaltecos,
los mineros que enfrentan al fusil,
represión estudiantil en México.
Todo está cargado en la memoria,
arma de la vida y de la historia.
América con almas destruidas,
los chicos que mata el escuadrón,
suplicio de Mugica por las villas,
dignidad de Rodolfo Walsh.
Todo está cargado en la memoria,
arma de la vida y de la historia.
La memoria apunta hasta matar
a los pueblos que la callan
y no la dejan volar
libre como el viento.

Teresita Fernández, premio mayor

A mí no me tocó cantar sus canciones. Envidio a toda la gama de cubanas y cubanos, desde los cuarentones hasta los niños de hoy, que alegraron sus horas de juego cantándole al gatico Vinagrito o a cualquiera de los ejemplares del zoológico particular de esta artista cubana que se define a sí misma como “una maestra que canta”. Quienes fueron naciendo en nuestros pueblos y ciudades a partir de la década de los sesenta, entraban al mundo con un cancionero privilegiado, una especie de canastilla espiritual hecha a mano con esmero, animada por bichos comunes, animales y bejucos a los que ni siquiera miramos al pasar y que no merecen -eso aprendemos de Teresita- nuestra indiferencia.

Teresita Fernández nació en Santa Clara el 20 de diciembre de 1930. Sus primeras canciones datan de los años cincuenta. Había cursado los estudios de piano pero, muy pronto, se sintió inclinada hacia la canción y ese poder comunicativo que la acompaña cuando brota y se trasmite desde la guitarra porque, como ella dice con mucha razón, este instrumento tiene su propia caja de resonancia y, como va pegada al cuerpo, que es la caja de resonancia de las personas, lo que nace de ella es capaz de llegar directo a grandes y pequeños, a todos los seres humanos, desde los más ilustrados hasta quienes sólo caminan por la vida alumbrados por sus propias luces y, en especial, a los niños.

Había decidido abrirse camino como trovadora. Entró a la vida musical cubana de la mano del dúo de las Hermanas Martí, voceras generosas de su arte. ¿Cómo no poner atención cuando Bertha o Cuca nos hablaban de la muchacha de Santa Clara que tiene unas canciones? Ellas le ofrecieron un hogar en La Habana y, en poco tiempo, la Sala Arlequín, uno de los sitios pequeños de La Rampa, donde se presentaban muestras del teatro más exigente del momento, abrió sus puertas para el debut de la trovadora. Según cuenta ella misma tuvo, sentados en primera fila, a Sindo Garay y a Bola de Nieve. No era necesario acudir a un adivino que descifrara el vuelo de las aves para formular los augurios que se desprendían de semejante conjunción al comienzo de un camino. Transcurría el año de 1965.

"Teresita y sus canciones", disco de los años 60 en 45 rpm, que incluía: "Muñeca de trapo", "Dame la mano y danzaremos" (con letra de Gabriela Mistral), "No puede haber soledad" y "Más que triste".

Semejante entrada a escena, con aquellos dos grandes surtidores del mejor arte musical de Cuba formados en atención a la manera de un par de sencillos reclutas o, más bien, como dos buenos, disciplinados alumnos decididos a no perderse un solo gesto, una palabra de la maestra, anticipaba una historia donde se justifica esa frase hecha que califica a alguien como “grande entre los grandes”. Meses después de ese primer recital, Bola de Nieve reclamó la presencia de Teresita en las noches del restaurante Monsigneur, caracterizado como chez Bola. Nuevamente, una conjunción que atraía a los más diversos gustos. Allí me la presentó una noche su anfitrión, anunciándome un próximo recital de la trovadora, que tendría lugar muy pronto, en la salita del Museo de Bellas Artes. Fue cuando, de veras, me enfrenté a su voz, su guitarra y sus canciones, que contrastaban con la sonoridad predominante en el ámbito de la canción popular más gustada en aquellos años: el más puro feeling, enarbolado por sus creadores e intérpretes más representativos, con Elena Burke, Doris de la Torre, César Portillo de la Luz y José Antonio Méndez, a la cabeza.

Luego de una temporada repleta de episodios insólitos, alternando con Bola, Teresita comienza a tener un espacio propio en el medio de La Rampa, en El coctel, un sitio cuyo nombre permanecería asociado para siempre al suyo, aún después que ella tomara por otro rumbo. Allí acudían los jóvenes que, aprendices de persona mayor, alcanzaban el regalo de un cancionero infantil donde no todo es fantasía, que les permitiría, para siempre, sentirse un poco niños, ingrediente que caracteriza a esta zona de la obra de quien afirma con verdadera conciencia: “yo siempre he vivido como el pararrayos: en las alturas pero con el hilo a tierra, para que las cosas descarguen por donde tienen que descargar, que es en la realidad”. Ella tendió la mano, desde allí, a un joven desconocido todavía, que se recuerda a sí mismo la mirar hacia aquellos años como “un trovador trashumante” rodando de aquí para allá sin un sitio fijo para entregar sus canciones. Era Silvio Rodríguez, justo al comienzo de una nueva era en la canción cubana, así como de una amistad que ha perdurado y que ofreció frutos muy bellos en las múltiples ocasiones en que la vida les dio la oportunidad de coincidir y echar a andar juntos, sembrando historia y encendiendo lucecitas por toda la Isla.

La entrega de Teresita ha sido capaz de borrar diferencias entre las generaciones. Así, la hemos visto iniciarse desde el aplauso de los grandes, tender la mano al joven que comienza, encajar perfectamente, en una larga gira, en la que se vio hermanada con Portillo de la Luz y José Antonio Méndez, lo mismo entre los obreros de una mina que en el campo abierto, encaramada sobre una plataforma, en una casita de Cultura o bien en un incesante entra y sale armada de su guitarra y su voz semejando, en su recorrido, a esas cadenetas que hacen crecer, aguja en mano, las viejas tejedoras de crochet. “¿Estilos? Sólo conozco uno: el de la sinceridad cuando se crea o se interpreta” -declara ella-. Por eso mismo, un buen día comenzamos a encontrarla sentada, junto con un grupo de sus amigos más afines, bajo las yagrumas del Parque Lenin, con la ilusión de dar un sentido muy especial a las mañanas de domingo, desde lo que ellos dieron a conocer como La peña de los juglares y muchos llamaban “la peña de Teresita”.

Pocas iniciativas han logrado el nivel de convocatoria que Teresita y sus amigos alcanzaron entre la gente que, desde cualquier punto de Cuba o del resto del mundo, acudía a su llamado. El fin de siglo la vio levantar el vuelo hacia la tierra de sus padres o hacia diversas latitudes en el continente americano: “lo más bonito que tiene mi vida no es la canción que canto, sino la historia que me ha acompañado para poder cantarla” -dijo una vez.
La obra de nuestra cantora mayor abarca, a partir de una misma excelencia en el texto y mediante un lenguaje musical signado por la transparencia, además de esa vertiente que conocemos como canción infantil (y que yo preferiría acuñar como canción para infantes de cualquier edad) una frondosa obra que se inspira en la patria, en la naturaleza, en el amor, en la grandeza y la virtud que han alcanzado algunos mortales. Pero es preciso hacer énfasis en dos empeños que figuran como sólidos pilares en el conjunto de su obra: los trabajos de musicalización de las Rondas de Gabriela Mistral asi como del Ismaelillo, de José Martí. Acerca de este último, la compositora, pedagoga y musicóloga Gisela Hernández, afirmó: “Al emprender la hazaña de la puesta en música de los versos martianos -prólogo y quince poemas- hazaña que no intentó antes que ella, ni creo probable que lo intente después, ningún compositor culto ni popular, ella ha dado muestras de una riqueza creadora tan amplia de estilo, de calidad y originalidad que creemos realmente insuperable por su magnitud”.

Una excelente discografía recoge, en su voz y en las de los más altos cultores de la canción cubana, gran parte de su catálogo. Episodios de su vida contados por ella misma, así como casi todas las citas que hemos incorporado a este escrito, pueden hallarse en el libro donde Alicia Elizundia Ramírez, bajo el título Yo soy una maestra que canta, merecedor del Premio UNEAC de Testimonio 2000 y publicado por Ediciones Unión en 2001, concentra una información de primera mano que no sólo nos ayuda a acercarnos a la historia de Teresita, sino que nos permite contagiarnos con sus nobles y bellamente expresadas enseñanzas.

Teresita Fernández acaba de ser proclamada, este 4 de diciembre como Premio Nacional de Música 2009. Antes de mandarle por escrito un gran abrazo, me acojo a una última cita, tomada de sus propias palabras cuando dijo, hace muchos años: “Mi experiencia personal con la guitarra en la mano es que cuando la gente se empata con esas canciones con las que crecieron, tiene que sonreír. Ese es mi mayor premio”. Ahora sí, un gran abrazo.

Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano rinde homenaje al ICAIC

Un emotivo encuentro entre fundadores del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) y la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano (FNCL), se desarrolló hoy, en esta capital.

Con la presencia de miembros del Consejo Superior de la FNCL, presentes en el 31 Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, la institución festejó los cincuenta años de la fundación del ICAIC.

El panameño Pedro Rivera, a nombre de la FNCL, reconoció todos estos años de ayuda, de colaboración y de desinterés por parte de la institución cultural cubana, en la formación de los nuevos cineastas latinoamericanos.
En exclusiva con la AIN, Alquimia Peña, Directora General de la FNCL, reconoció que hacer este homenaje era un deber, y que se hizo desde el cariño, desde la solidaridad, porque el ICAIC ha tenido que ver con todo el desarrollo y la integración de los cineastas de América Latina.

Los cineastas cubanos subrayó- están presentes en la cinematografía continental, desde que se erigió como movimiento a finales de la década de los años 50.

Omar González, Presidente del ICAIC, agradeció el gesto de la FNCL y señaló que si la industria cubana del cine, en estos 50 años ha reciprocado esa ayuda de América Latina, y ha propiciado todo ese saber latinoamericano, es algo muy coherente con los principios de la Revolución.
Aquí de lo que estamos hablando es de la Revolución, que fue quien propició el ICAIC, y favoreció con la Campaña de Alfabetización la educación del pueblo, y con esto, la descolonización del espectador en condiciones de discernir y al mismo, la creación de una industria de cine.

Durante el acto, celebrado en la sede de la FNCL, se exhibió el documental
50 Sueños.

(Con información de la AIN)

Silvio, la Osa Mayor, la cábala egipcia y este domingo entero

29 Noviembre 2009

Hoy domingo veintinueve del mes once, a las predicciones amparadas por la cábala egipcia deberá sumarse una clarinada de alegrías grandes, menos grandes, pequeñas y diminutas, porque el cantor de los ángeles, las constelaciones, los unicornios y los héroes, amaneció de cumpleaños.

Este espacio -Palabras- estaba planteándose, entre otras muchas, la tarea de sacar a relucir, con cierta frecuencia, los valores de una canción y su autor. Todo ha coincidido a favor de que iniciemos dicha práctica en la fecha natal de Silvio Rodríguez y a partir de una de sus canciones más especiales: En estos días.

Más allá de apreciar su texto y de escucharla aquí en la forma original elegida por su autor, según aparece en el disco Mujeres, grabado en 1978 y remasterizado en los Estudios Ojalá con vista a su digitalización, En estos días puede encontrarse, por supuesto, en las páginas del Cancionero recién publicado, que los lectores hallarán en librerías del país. A reservas de que algún domingo de estos nos detengamos a comentar tan precioso libro concebido, cuidado e ilustrado por el propio Silvio, vale la pena resaltar, ahora, un detalle que es de agradecer, y es ese acceso que el libro ofrece, mediante la fuente más confiable, al conocimiento de datos como la fecha de composición de la pieza -en este caso 1977-y al disfrute -tal como lo ha dispuesto el autor, frase por frase, palabra por palabra- de su texto deslumbrante:

En estos días

En estos días
todo el viento del mundo sopla en tu dirección.
La Osa Mayor corrige la punta de su cola
y te corona
con la estrella que guía,
la mía.

Los mares se han torcido
con no poco dolor hacia tus costas.
La lluvia dibuja en tu cabeza
la sed de millones de árboles.
Las flores te maldicen sonriendo,
celosas.

En estos días
no sale el sol,
sino tu rostro.
Y en el silencio
sordo del tiempo
gritan mis ojos.

Ay de estos días terribles,
ay de lo indescriptible.

En estos días
no hay absolución posible para el hombre,
para el feroz, la fiera
que ruge y canta ciega:
ese animal remoto
que devora y devora
primaveras.

En estos días
no sale el sol,
sino tu rostro.
Y en el silencio
sordo del tiempo
gritan mis ojos.

Ay de estos días terribles,
ay del nombre que lleven.
Ay de cuanto se marche,
ay de cuanto se quede.

Ay de todas las cosas
que hinchan este segundo.
Ay de estos días terribles,
asesinos del mundo.

Las canciones no se explican: se cantan, se tararean. Suele ocurrir que, de tanto escucharlas en una versión que nos satisface a plenitud, ellas nos vienen luego a la memoria una y otra vez sin pedir permiso. Una canción, como cualquier obra de arte donde interviene la música, pide a gritos -por encima de todo- que se le escuche con atención. Con frecuencia, nos tropezamos con canciones estructuradas a partir del uso y abuso de elementos repetitivos. Muchos las prefieren así, que es como “se pegan” al oído con mayor facilidad. Yo también las disfruto, pero confieso que me hace más feliz dejarme seducir por una canción como ésta de Silvio que les estoy invitando a compartir hoy domingo.

Con esa pinta de sabio que le acompaña desde que diera sus primeros pasos en la composición, Silvio sabe arreglárselas para ir situando en la armazón melódica de una canción como ésta, algunos puntos de referencia muy precisos que nos conducen a apreciarla como un paradigma de eso que llaman ritmo interno. Cada vez que la escucho, me vienen a la mente esas estrellitas que están colocadas en las puntas del “carrito de la Osa” como velando para que no se zafe la figura, y es que no he visto manera más desprendida de sacarse una canción de entre los escondites que ellas suelen agenciarse antes de dejarse descubrir, que ésta enarbolada por Silvio cuando desglosa acordes de guitarra y los hace progresar, en algunos pasajes, a la par de la palabra; luego, al unísono con la voz; más tarde, cerrando en seco para dejarnos pensando y preguntándonos qué fue lo que, en realidad, quiso decir. Verdadero alarde del buen hacer, resulta ese contraste entre lo irregular de las frases cantadas y el diseño sostenido, estable, que van delineando los dedos sobre la guitarra. Una frase no se parece a la otra; no sabemos si estamos delante de un teorema o de un acertijo; dos o tres enigmas quedan colgando como banderolas que nos invitan a que siempre tengamos algo que preguntarnos. Vale mucho la pena abrazarnos a esta canción sin precedentes, hoy que “todo el viento del mundo” sopla en dirección al autor de sus días. Feliz cumpleaños, Silvio querido.

Silvio canta “En estos días” (Youtube 4:46”)

quito no es taurino...

Amaury Pérez: “Puedo escapar de todo menos de mí mismo” (+ Audio y Video)

23 Noviembre 2009 3

Después de un año de intensas giras por varios países, del megaconcierto “Paz sin fronteras” en la Plaza de la Revolución, donde fue uno de los principales organizadores, y recién llegado de Miami, el cantautor cubano Amaury Pérez nos sorprende todavía con un nuevo disco, Bardo, que está saliendo al mercado discográfico y del cual ya se escuchan algunas canciones en la radio.

Ha tenido la gentileza de adelantar a Cubadebate uno de los temas del nuevo CD -elegimos “Cuando uno ama una ciudad que no es la suya”- y el documental realizado por Ángel Alderete que recrea momentos de la grabación del álbum en los estudios Abdala. Por supuesto, también conversamos de todo un poco mientras va cerrándose la tarde en este domingo habanero de aliento otoñal, con Petí, cariñosa, animando las palabras.

-¿Con qué criterio armaste Bardo?
-Bardo es el disco número 26 de mi extensa discografía. Es el final de una trilogía que comenzó en 2003 con Trovador, continuó con Juglar en el año 2005 y ve su final con éste de 2009. Los tres están armados con canciones que escribí durante todos estos años de galopantes y movedizas vivencias, de amores y desamores, de caminos andados y vueltos a recorrer e intransigencias pasajeras o permanentes. Es un disco como los que hacía o pretendía hacer en los setentas y los ochentas, indiscutiblemente mis décadas más creativas y luminosas y con las canciones que me debía o que creía que me debía.

-Sé que has estado de gira últimamente. ¿Dónde hiciste presentaciones? ¿Cómo han sido recibidas las nuevas canciones?

-Ha sido un año intenso de giras: España, Francia, Venezuela, Centroamérica, y como cada año, México. Siempre intercalo en mis conciertos las nuevas canciones con las viejas y eso me da la oportunidad de medir el impacto que entre el público merece el más reciente material, debo reconocer sin pudor que fueron recibidas con entusiasmo.
-¿Qué hilvanó en un mismo proyecto musical una canción de amor a la ciudad de Nueva York y otra de desamor, como “De aquello no se habla”?

-El vivir, de eso se trata componer canciones o cualquier otro acto creativo si es sincero. Uno no está o no debería estar conforme con lo que es y siempre hacerse preguntas, aunque muchas veces esas preguntas no encuentren eco o respuestas. Pueden convivir en un disco la censura, y lo que es peor, los censores, como en el caso de “De Aquello no se habla”, y el amor a una ciudad como Nueva York donde he sentido la sensación de libertad más plena, allí, en sus calles y entre sus gentes he sido feliz por instantes y esos instantes han marcado y sellado mi comportamiento para transitar después otros caminos y llevarme de ida y de vuelta al mío: La Habana adorada y presentida.

-”Yo quería cantar ‘La Canción de la Trova’/ y se me adelantó Aladino en la aurora”. Háblame de Aladino y de lo que querías hacer en la música y no pudiste.

-Aladino es Silvio, mi entrañable y admirado amigo, Bardo está dedicado a él por su sabiduría,creatividad sin límites, y el hecho de que sin su presencia, mi vida hubiera sido otra, no digo que mejor o peor, sencillamente otra, si no lo hubiera escuchado en mi temprana adolescencia, quién sabe por donde andaría, quizás sería un recolector de migajas. Después de tanto tiempo me conforma haber sido influido por sus canciones, y además por su comportamiento ético y ciudadano. Con respecto a que quería hacer en la música y no pude te diré que pretendí “vivir en ella” y a lo sumo logré “vivir de ella”, me sosiega asumir que fue suficiente.

-Háblame ahora de lo que puedes decir con tranquilidad de espíritu: “esto salió bien”. ¿Qué perdurará de la obra musical de Amaury Pérez?

-No me interesa la posteridad, el presente necesita de mí como yo de él y no espero nada más del porvenir que no sea el que los cercanos valoren que no me traicioné a mí mismo, que fui un loco valiente, lenguaraz, exótico, y extravagante, que nunca renegué de mis ideas y preceptos por más incomprendidos que estos fueran, ni de mi amistad con Fidel.Con eso pudiera sentirme tranquilo.Me gustaría que mi epitafio dijera: Amaury vivió más allá del tiempo que le correspondió, a velocidad ultrasónica y no se arrepintió, fue un atrevido, lo hizo a su aire y descansa en paz.
- ¿Quién es Amaury y quién Amaurito?

-Amaury es el tipo que algunos quieren o creen conocer. Amaurito es el hijo de mis padres, el mayor de los hermanos de Ariana, el cariñoso muchacho de mis mayores. También cuando alguien pierde la paciencia conmigo o es paternalista, dice entre dientes,Amaurito y yo comprendo que he caído en un agujero o que estoy siendo admitido sin remedio. Amaury es el pensador, el polémico, el aguafiestas, el que se sale del libreto, Amaurito, al que se le perdonan deslices, malas notas y comportamientos reprobables.

-”A veces se torna excesivo/ el hedor dentro del desacuerdo”, son versos de tu canción “Tal vez deba”. ¿Alguna vez pensaste convertirte en emigrado?
-Si alguna vez pensé emigrar (la vida fue en ocasiones dura conmigo, sobre todo en los ochentas) pronto comprendí que podía escapar de todo menos de mí mismo y que si mi lugar estaba entre los míos y en las cosas por las que merecía la pena dar la vida (aunque también algunos de los míos estaban lejos), aguardar su regreso o el reencuentro era un deber cuando no una obligación.

Recientemente estuve en Miami en visita privada, me divirtió la desaforada atención mediática que recibí, cada día un nuevo invento, una nueva patraña, una nueva amenaza radial, una nueva artimaña periodística y gocé a mandíbula batiente (si mides el tamaño de mi quijada sabrás de la intensidad de mis carcajadas) las cosas absurdas que se decían de mí. Claro, Miami, ni La Habana, pueden presumir de un pensamiento monolítico u homogéneo y allí, en el centro del alboroto, comprendí de una vez que Miami es una ciudad plural donde el amor patrio, el cariño a los que decidimos permanecer, el respeto a las ideas propias por muy encontradas que pudieran parecer, son un destino que bien merece ser conocido. Por un grupito de seres renegados, ignorantes y vengativos que encuentran cobijo en los mediosde comunicación no se puede enjuiciar a una sociedad en pleno, sean cuales sean las ideas que la animen. Fui y comprendí y aquilaté muchas cosas, volveré en otro momento porque allí también recibí amor y el amor será lo que nos salvará de la desidia, la maledicencia y el espanto.

-Cualquiera que examine la gran batalla mediática que antecedió el Concierto “Paz sin Fronteras” encontrará tu nombre en primera fila entre los que defendieron a capa y espada ese histórico encuentro en la Plaza de la Revolución. ¿Has conversado con Juanes recientemente? Desde la distancia de dos meses, ¿qué emociones perviven de este concierto?

-Me alivia pensar que no estuvimos equivocados, Juanes ni los que creímos en su noble y honesto proyecto. Vivimos, mi familia y yo, momentos difíciles por esos meses, las cosas que se llegaron a decir de nosotros, sobre todo en los blogs anticubanos nacidos en el seno de nuestra propia nación, porque hay que decir que fueron los más agresivos, todavía me estremecen, pero siempre, cuando estuve a punto de tirar la toalla pensé en Cuba, mi Cuba, nuestra Cuba y en los jóvenes de los que una vez fui parte, entonces me cargaba de energías y seguía adelante y si en otro momento se me presentara la oportunidad de hacer lo mismo, lo repetiría sin temor ni desgana. Haber visto a un millón de personas cantando, disfrutando y la imagen de mi país dándole la vuelta al mundo sanó cualquier lastimadura pasajera. Por supuesto que he hablado con Juanes y Olga (Tañón), aunque a decir verdad no nos hemos visto por cuestiones de agenda.

-Esta es una pregunta que siempre he querido hacerte: ¿Por qué “acuérdate de abril” y no “acuérdate de agosto”, por ejemplo?

-”Acuérdate de abril” es una canción de amor escrita para la madre de mis hijos, la conocí en abril de 1974. Miriam Ramos y Danny Rivera rescataron esta canción del olvido inminente, y no fue en agosto porque en agosto no fue, aunque después me enamoré definitivamente en enero, pero esa es otra canción o muchas.
-¿Qué es para ti ser libre?

-Te voy a contestar, ya que la libertad o la sensación de libertad guarda muchas aristas, con la letra de una canción que escribí en 1997 y que debí grabar en Bardo, ahora me arrepiento.

LA LIBERTAD
La libertad no es un cuento
ni se estira, ni se esconde como el viento
tiene un recodo de rutina contenido
o conveniado, para los muertos.
La libertad no es un cuento
del monopolio de los inventos
y no se alivia si te falta con ungüentos,
ni con versiones para el aliento.
La libertad no es un cuento
decapitado por el pan nuestro
la libertad no es un verbo,
ni una campana, ni un privilegio.
La libertad no es un cuento,
ni un sueño a salvo, mientras más lejos
la libertad es tenerlo
y enamorarlo y poseerlo.
AMAURY PÉREZ VIDAL / LA HABANA / enero / 1997

Cuando uno ama a una ciudad que no es la suya

Cuando uno ama una ciudad que no es la suya
se percibe el rumor del desparpajo
por arriba te asombra y por debajo
y el orgullo se azora y se patrulla.
Cuando uno ama una ciudad que no es la suya
y del norte te llegan sus hervores
las esquinas heladas y las flores, Nueva York,
cantan quedas un mágico aleluya.
Cuando uno ama una ciudad que no es la suya
no es que quieras con menos la que habitas
acaso el corazón con que palpitas
se siente sin lugar y se magulla.
Cuando uno ama una ciudad que no es la suya
queda un sabor como a deslealtades
a ambición embutida y falsedades, Nueva York,
a fiera que enamora y luego aúlla.
Cuando uno ama una ciudad que no es la suya
en la lúdica trampa del intruso
es su luz el más pérfido recluso
y no temes que grávida te engulla.
Cuando uno ama una ciudad que no es la suya
reclamando sus excentricidades
su lozana altivez, sus libertades, Nueva York,
la balada vital con que te arrulla.
Cuando uno ama una ciudad que no es la suya
con un cariño espeso y tan confuso
te convences usado o en desuso
de que puede ser hembra y hasta tuya.
AMAURY PÉREZ VIDAL / La Habana / 2002
Créditos del CD “Bardo”

CD. BARDO. AMAURY PÉREZ. 2009.

Dirección general y diseño artístico de la producción: Amaury Pérez
Productor,arreglista, orquestador y director musical: Juan Manuel Ceruto
Grabación y mezclas: Ing. Orestes Águila
Productor ejecutivo para Fontanar Producciones: Alan Pérez
Productor ejecutivo para Colibrí: Marisel Viera
Supervisión vocal de Amaury Pérez: Andy Montes
Asistente de grabación: Rebeca Alderete
Asistente personal de Amaury Pérez: María Teresa González (Petí)
Masterización: Víctor Cicard
Afinador de piano Steinway & Sons: Armando Nieves
Estilista: Tommy
Fotos: Alderete
Diseño: Moltó
Músicos:
Piano: Rolando Luna.
Bajo y Contrabajo: Yandy Martínez.
Drums y Percusión: Rodney Barreto.
Guitarras acústicas y eléctricas: Raúl Verdecia y Amaury Pérez.
Teclados: Esteban Puebla.
Saxo tenor: Juan Manuel Ceruto.
Trompeta y Fugelhorn: Alexander Abreu.
Trombón: Amaury P. Rodríguez.
Violines: Ariel Sarduy (concertino) Desirée Justo, Iresi García, Augusto Diago, Verónica Reyes, Carlos Suárez, Dania Gutiérrez y Jessie de Armas.
Violas: Marta Salgado y Raiza Valdés.
Cellos: Felipa Moncada y Arelys Zaldívar.
Claps: Amaury Pérez, Andy Montes, Alan Pérez y Rebeca Alderete.
Músico Invitados:
Victor Pellegrini: Guitarra en “Bardo”
Niurka González: Flauta en “Bardo”
Amparo del Riego: Cello en “Bardo”
Yasek Manzano: Trompeta en mi bemol en “Ampárame Señor”
César López: Saxo Alto en “Y más” y “Cuando uno ama una ciudad que no es la suya”.
Todas las canciones: Letra y música de Amaury Pérez.
Música de “Bardo” Amaury Pérez.
Grabado, mezclado y masterizado en los Estudios 1, 2 y 3 de Abdala, La Habana, Cuba entre los meses de mayo y julio de 2009
Management
Alan Pérez
Fontanar Producciones
e-mail: alanixco@hotmail.com
perezvidal@yahoo.com
Web Site: www.amauryperez.com.mx
Bardo, el documental realizado por Ángel Alderete (Fragmento)

homenaje a john lennon

Quito a la expectativa por exposición de lujo de pintores cubanos dedicada a Guayasamín

23 Noviembre 2009
La exposición “Cuba pinta a Guayasamín”, con retratos del Pintor de Iberoamérica hechos por 26 destacados artistas plásticos cubanos y cuya inauguración aquí está prevista para el próximo domingo, levanta hoy expectativas en el mundo cultural quiteño.

La reconocida calidad de la muestra artística, donde se incluyen obras de Roberto Fabelo, Ernesto García Peña, Agustín Bejarano, Eduardo Roca (Choco), Nelson Domínguez y José Fuster, y la curaduría del cineasta cubano Roberto Chile, auguran su éxito.

Completan la exposición obras de Francis Fernández (Copola), Jesús Lara, Javier Guerra, José Antonio Hechavarría, Osvaldo García, Ángel Ramírez, Adrián Rumbaut, William Pérez, Dagoberto Jaquinet, Verónica Guerra, Marlys Fuego, y Kelvin López.

También estarán presentes con sus obras los pintores cubanos Vicente R. Bonachea, Lorenzo Linares, Enrique Báster, Luis E. Camejo, Ernesto Rancaño, Mabel Poblet, Dausell Valdés y Kamyl Bullaudy.

Chile es autor del cortometraje sobre Guayasamín, “Profeta de la esperanza”, donde el líder de la Revolución Cubana, Fidel Castro, expresa sus valoraciones sobre la trascendencia de la obra del llamado Pintor de Iberoamérica.

También es promotor de esta iniciativa junto al periodista Pedro Martínez Pírez, subdirector de Radio Habana Cuba, la cual será un extraordinario cierre del año del 90 aniversario del nacimiento del pintor, según el presidente de la Fundación, su hijo Pablo Guayasamín.

Decidimos hacer dos inauguraciones -puntualizó Pablo-, el domingo 29 de noviembre a las 11 de la mañana, se hará en la Capilla del Hombre la primera presentación de los retratos en caballetes, y una vez concluida, ese mismo día se procederá a su montaje definitivo.

El lunes 30 a las 19:00 horas se hará en el Museo de la Fundación José Bosmediano una segunda inauguración formal de las obras, las cuales se quedarán hasta el 28 de enero de 2010, en ocasión del aniversario del natalicio de José Martí y del asesinato de Eloy Alfaro.

(Con información de Prensa Latina)

Amaral y Bebe apoyan una muestra sobre violencia sexista en el Ateneo

Veinte grupos nacionales colaboran en esta exposición de autores colectiva incluida en el Outono fotográfico
Autor:
Javier Romero

Una causa que difumina los derechos de autor de manera altruista, cediendo los mismos formaciones como Amaral, Bebe, Los Suaves, Ismael Serrano, Pasión Vega o la Mala Rodríguez, entre otros. Un elenco formado por una veintena de grupos que colaboran con la exposición En clave de do y que a la vez está integrada en el conjunto de actividades que el Ateneo -sede que albergará la muestra a partir de mañana a las 20.30 horas- ha programado de manera conjunta con el Outono fotográfico en Ourense, teniendo otros destinos ya cerrados dentro de la península como Cáceres, Albacete y Valencia, siendo Madrid, Sevilla y Salamanca, otras posibles paradas todavía por cerrar.

Con motivo del Día mundial contra la violencia de género, que se celebra mañana, nace En clave de do, una muestra colectiva de 35 fotógrafos que ha sido idea original de Isabel Salgado, actual secretaria del Ateneo, y cuyo eje central es la condena a los malos tratos. Acompañando a cada imagen, existe un texto que es una frase o estrofa de una canción también relacionada con la violencia de género. En la exposición se incluye a mayores un texto del escritor Xosé Carlos Caneiro, que será leído durante la inauguración. Los autores que participan en esta exposición, son mayoritariamente de Ourense, incluyéndose firmas como Pablo Araújo, Jesús Regal, Eva Domínguez, Alba Rubín o Lolita Vázquez.

www.enclavededo.org

Entre los objetivos principales de la muestra se encuentra la promoción de la cultura como forma de concienciación social y como vehículo de resolución de conflictos sin violencia expresando públicamente su rechazo. Una intención que se pone de manifiesto en el portal web de la exposición. Lugar en el que se puede visitar con una alta calidad las imágenes que se incluyen en la muestra, escuchar las canciones que acompañan a cada una de las fotografías, revisar la agenda de la exposición, la trayectoria de los retratistas o dejar comentarios sobre su contenido.

Sobre la revista Casa de las Américas

Roberto Fernández Retamar • La Habana
Fotos: La Jiribilla

Desde hace tiempo, la revista Casa, como se la suele llamar, se presenta como “Órgano de la Casa de las Américas”, es decir, de la institución en su conjunto, cuyo nombre lleva. Pero ella coexiste con otras revistas centradas en áreas parciales. Así, en 1964 comenzó a publicarse Conjunto, revista de teatro latinoamericano y caribeño; en 1970 vio la luz el Boletín Música, que se interrumpió en momentos duros del “período especial en tiempo de paz” y reapareció en 1999; en 1981 inició su vida Anales del Caribe, y en 2003 lo hizo la revista electrónica Arteamérica (el intento anterior de una revista en papel sobre artes plásticas no pasó de un número).

Y a lo largo de no pocos años, la Casa coeditó, junto con la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, la excepcional Criterios. Revista Internacional de Teoría de la Literatura y las Artes, Estética y Culturología, cuyos materiales, como lo indica su título, suelen desbordar a la América Latina y el Caribe, y es la hechura del ensayista, editor y traductor Desiderio Navarro. En la actualidad, la revista es publicada por el Centro Teórico-Cultural Criterios, que dispone de sede propia.

Ciñéndome a Casa, cuando la dinámica compañera Yolanda Wood me invitó a escribir este trabajo, lo primero que se me ocurrió fue buscar lo que diversos estudiosos escribieron sobre la revista. A ella se le han consagrado tesis en Universidades de varios países de América y Europa, y ensayos penetrantes. No he recurrido a aquellas, pero sí a estos, especialmente a los de Luisa Campuzano y Ambrosio Fornet, que fueron dados a conocer, respectivamente, en 1996 y 1997, y serían editados juntos por el Centro Juan Marinello en 2001 con el título La revista Casa de las Américas: un proyecto continental. Aconsejo vivamente su consulta.

Al volver a leerlos, no buscaba datos que conozco bien, sino una objetividad que no puede esperarse de mí. Pues si la revista Casa de las Américas va a cumplir dentro de unos meses medio siglo (este Encuentro puede considerarse el inicio de la conmemoración), he pasado más de la mitad de mi larga vida dirigiéndola. Hablar de ella es para mí inevitablemente, al menos en parte, evocar experiencias propias.

Pasaré rápidamente por la mención de algunas revistas que me fueron importantes: Alba, de la que fui desde 1947 jefe de información y para la cual entrevisté a Ernest Hemingway en 1948; Orígenes, en la cual colaboré desde 1951, y en cuyo “taller renacentista”, al decir de José Lezama Lima, aprendí a hacer revistas; Nueva Revista Cubana, donde en 1959 sucedí a Cintio Vitier como director; Unión, que entre 1962 y 1964 codirigí con Nicolás Guillén, Alejo Carpentier y José Rodríguez Feo.

Y mencionaré también proyectos en que participé de editar una revista latinoamericana: primero con Édouard Glissant, en París, en 1960; luego con María Rosa Oliver, Ernesto Sábato, Abelardo Castillo y otros jóvenes de El Escarabajo de Oro, en Buenos Aires, en 1961; y por último, bajo la prevista dirección de Miguel Ángel Asturias, en un Congreso del Columbianum, de Génova, en enero de 1965. Ninguno de esos proyectos se hizo realidad. Por lo que se comprenderá mi alegría cuando en marzo de ese año 1965 la gran compañera Haydee Santamaría me ofreció dirigir Casa de las Américas.

A estas alturas, noviembre de 2009, la revista ha publicado ya 256 números, y al empezar a dirigirla yo, tenía 29 (algunos, dobles). En los primeros 16 números de la revista aparecía como directora la compañera Haydee, por serlo de la institución; luego, hasta el número 28-29, encabezó el consejo de redacción. Las labores editoriales las habían desempeñado los escritores Fausto Masó (quien abandonó el país en 1961), Pablo Armando Fernández y, sobre todo, Antón Arrufat.

Cuando Haydee decidió que yo asumiera la dirección, me propuse conservar, y si era posible aumentar, el buen nivel literario de la revista, de lo que fue ejemplo mayor el número 26 (octubre-noviembre de 1964), preparado o auspiciado por Ángel Rama, que incluyó su ensayo justamente famoso “Diez problemas para el novelista latinoamericano”, y textos de Carpentier, Cortázar, Onetti, Sábato, Fuentes, Vargas Llosa, Arguedas, Rulfo; es decir, ejemplos de la Nueva novela latinoamericana (así se llamó la entrega), que empezaba a ser reconocida mundialmente, y además comentarios sobre aquellos autores. Me propuse también subrayar más la presencia de nuestra América en la revista y su aspecto ideológico.

Casi todos los materiales del que sería el número 30 (mayo-junio de 1965) los habían compilado Manuel Galich y Jaime Sarusky, quienes me los hicieron llegar. Añadí a dichos materiales una nota que escribí sobre el Congreso del Columbianum, una declaración emanada de él y un editorial que concluía así:

Coincide este número con la presencia de una nueva directiva en la revista. Esperamos en entregas posteriores, de acuerdo con sus principios y con la valiosa tarea ya cumplida por la Casa de las Américas, seguir incrementando los nexos con nuestras Américas, las que del río Bravo a la Patagonia son una, decía Martí, “en el origen, en la esperanza y en el peligro”: los países que ahora llaman subdesarrollados, llenos de conflictos y de porvenir, a los que estamos entrañablemente unidos, y de cuya comunidad de creación artística, intelectual, humana, como de sus problemas más reales no hay fuerza capaz de separarnos. Es tarea creciente de esta revista contribuir a ratificar esa identificación.

Además, sustituí el llamado consejo de redacción, al que Haydee no quiso seguir perteneciendo (lo formaban también Ezequiel Martínez Estrada, Manuel Galich, Julio Cortázar, Enmanuel Carballo, Ángel Rama y Sebastián Salazar Bondy), por un comité de colaboración similar al que había visto en la revista Sur, lo que se correspondía más con lo que se esperaba de sus miembros. Estos, además de los mentados, llegaron a incluir a Mario Benedetti, Roque Dalton, René Depestre, Mario Vargas Llosa, David Viñas, Jorge Zalamea y los cubanos Edmundo Desnoes, Ambrosio Fornet, Lisandro Otero y Graziella Pogolotti. Martínez Estrada, Salazar Bondy y Zalamea fallecieron siendo miembros.

En tres ocasiones, en 1967, en 1969 y en 1971 se reunió en La Habana el comité, y emitió declaraciones importantes. En cuanto al editorial, fue el primero de los numerosos que escribí en lo adelante, y para los cuales conté con la muy valiosa colaboración de Haydee y Galich.

Pero aunque yo aparecía como director en ese número 30, el primero que realmente preparé fue el 31 (julio-agosto de 1965). Allí se incluyeron, entre otros textos, un ensayo cuyo original en francés me había dado a conocer Régis Debray en París, en enero de 1965, e hice traducir al español: “América Latina: algunos problemas de estrategia revolucionaria”, una nota mía sobre la edición cubana de Los condenados de la Tierra, de Frantz Fanon, y un largo editorial sobre (contra) la invasión estadounidense a la República Dominicana. Eran muestras del sesgo ideológico que quise incrementar en la revista, pero que ya existía en ella, como lo prueban entregas como la dedicada a la invasión a Cuba de 1961 (número 6, mayo-junio de 1961) y una vibrante nota que encabezó al mencionado número 26.

En aquel número 31 aparecieron poemas que, a solicitud mía, me había enviado desde la India Octavio Paz. En la entrega comencé a anunciar revistas afines (primero solo del área, y luego también de otros países) e hice renacer una sección miscelánea titulada “Al pie de la letra”, que, hecha por Jorge Timossi y Lya de Cardoza, había aparecido en el número 27 (diciembre de 1964), y con el nombre “Avisos” existió antes en la Nueva Revista Cubana.

Aunque en el número 31 de Casa tal sección fue escrita solo por mí (sin firma, como los editoriales), más tarde la redactarían también, o sobre todo, quienes han compartido o comparten conmigo las tareas editoriales de la revista (entre ellos Orlando Alomá, Ramón López, Adolfo Cruz-Luis, Emmanuel Tornés, Fernando Butazzoni, Arturo Arango, Esther Pérez, Luis Toledo Sande, Aurelio Alonso) y además compañeros como Roque Dalton, Guillermo Rodríguez Rivera y Jorge Timossi. Allí se da cuenta de novedades en la vida cultural de la región, incluyéndose saludos a otras revistas, premios, obituarios, polémicas, temas candentes.

Por último, a partir de ese número 31 los textos aparecieron dentro de secciones con los títulos “Hechos/Ideas”, “Ficción” (que luego se llamó “Letras”), “Notas”, “Libros”, “Al pie de la letra”, “Colaboradores/Temas”. Se trataba de algo que, con variantes, Cintio había empleado en la Nueva Revista Cubana, y era habitual en otras revistas, como Cuadernos Americanos.

Con el tiempo, fueron apareciendo en Casa otras secciones. Habiendo usado ya la denominación “Páginas salvadas” en la Nueva Revista Cubana, la trasladé a Casa. El propósito era (es) acoger en ella textos inéditos o poco divulgados. (A su equivalente en el Anuario del Centro de Estudios Martianos la llamaría después “Vigencias”.) Por razones obvias se crearon secciones como “Entrevistas”, “Cartas”, “Otros libros” “Artes plásticas”, “Testimonio”. Habiendo recibido el trabajo de Lezama “La pintura y la poesía en Cuba (siglos XVIII y XIX)”, que yo vacilaba entre incluir en “Hechos/Ideas” o en “Letras”, creé otra sección, que solo duró un número, con el nombre “Paralelos”. Evidentemente, la solución satisfizo a Lezama, pues en su libro La cantidad hechizada, de 1970, incluyó el texto con el nuevo título de “Paralelos. La poesía y la pintura en Cuba (siglos XVIII y XIX)”.

Una cuestión similar, referida esta vez a un texto de Coronel Urtecho, llevó a titular la nueva sección “Figuraciones”. Otra sección fue “Últimas de la Casa”, que terminó llamándose, más cuerdamente, “Recientes y próximas de la Casa”. En ella se da cuenta del múltiple quehacer de la institución. De vez en cuando aparecen secciones como “Nueva actualidad”, con páginas de ayer que han vuelto a echar chispas; “Flechas”, con ensayos discutidores; “Con ojos de esta América”, para visiones nuestras de países lejanos; “Documentos”, textos que lo sean.

En el notable número 36 (enero-febrero de 1968), dedicado al Che tras su asesinato, y de nuevo en el homenaje que se rindió a Benedetti en el reciente número 256, aparecen secciones con los títulos “Mensajes” y “Recuerdos”. Debido a circunstancias evidentes, hubo secciones llamadas “V Centenario”, “Para los siglos de José Martí”, “Hacia el 98”, “Che siempre”. No es posible agotar, pues es inagotable, el número de las secciones habidas y por haber.

He hablado de la arquitectura de la revista y es necesario que mencione, menos metafóricamente, su aspecto formal, que, después de intentos varios, le dio, durante 20 años, Umberto Peña. Él había comenzado a diseñar la revista inmediatamente antes de que yo empezara a dirigirla, pero su gran desarrollo ocurrió en esos 20 años en que trabajamos juntos. Recuerdo cómo entusiasmaba a Haydee y a Cortázar la imaginación feliz de Umberto. Al dejarnos él, después de algún tiempo de desvaríos o logros menores, hace años la diseña con eficacia Ricardo Rafael Villares.

Y del continente pasemos al contenido. Mirando la revista en conjunto, creo poder decir que, en los momentos más afortunados, ella se hizo y se hace con la perspectiva ideológica propia de la Revolución Cubana, la cual, desde el comienzo hasta hoy, ha reconocido, por boca de Fidel, la autoría intelectual de José Martí, y en abril de 1961, la víspera de la invasión mercenaria, se proclamó, además, socialista. Aquella perspectiva, que encarnó inolvidablemente, al frente de la Casa, Haydee, se corresponde con lo que Cintio Vitier llamó “un marxismo martiano”, ajeno al dogmatismo que acabó por hacer estallar en Europa al mal llamado socialismo real; y ajeno también a una visión aldeana de la magna herencia del Apóstol. Por eso el énfasis se ha puesto y se pone en producciones y cuestiones de lo que Martí llamó nuestra América, y en algunas ocasiones más allá de ella, en aportes que tenemos el deber de difundir. Hablo de perspectiva editorial, no de los textos, con distintos horizontes.

Escogeré como ejemplos algunas entregas que dan fe de lo dicho. Así, las dedicadas a estudiar, a menudo más de una vez, a Bolívar, al propio Martí, a la presencia de África en América, al Quinto Centenario del Cubrimiento de América, al 98, a la lucha por la independencia de Puerto Rico, a los sucesos de Chile (primero a la victoria de la Unidad Popular, y luego, con el título Chile vencerá, a la tragedia del pinochetazo), al triunfo de la Revolución Sandinista en Nicaragua, al bicentenario de la independencia de Haití, a cultura y revolución en la América Latina, a la situación del intelectual latinoamericano, a la mujer, a la nueva poesía, a la nueva crítica literaria, al imperialismo y los medios masivos, a los chicanos, a la mayor parte de los países de nuestra América, incluyendo la zona del Caribe anglófono: este último, uno de nuestros mejores números, el cual, junto con el que recogió las intervenciones del coloquio sobre la cultura caribeña que se celebró en la Casa durante el tercer Carifesta, preludiaron las labores del Centro de Estudios del Caribe.

En algunos casos se ha rendido homenaje a figuras como Ezequiel Martínez Estrada, el Che, Fernando Ortiz, Jorge Zalamea, Juan Marinello, Haydee Santamaría, Efraín Huerta, Nicolás Guillén, Julio Cortázar, Manuel Galich, José Lezama Lima, Ángel Rama, Eliseo Diego, José Antonio Portuondo, Florestan Fernandes, Octavio Paz, Cintio Vitier, Darcy Ribeiro, Camila Henríquez Ureña, Roque Dalton, Paco Urondo, Fayad Jamís, Edgar Bayley, Luis Rogelio Nogueras, Raúl Hernández Novás, Roberto Matta o Mario Benedetti.

En otros números se conmemoraron los centenarios de Rubén Darío, Pedro Henríquez Ureña, Alfonso Reyes, Gabriela Mistral, César Vallejo, Pablo Neruda, Alejo Carpentier, Raúl Roa. Una decisión equivocada llevó a no incluir en la revista las conferencias que se ofrecieron en el encuentro con que la Casa conmemoró el siglo de José Carlos Mariátegui.

En ocasiones dedicamos números sobre estructuralismo, estética y semiótica en sus relaciones con el marxismo, y varios al tema del posmodernismo: en primer lugar, con el ensayo revelador de Fredric Jameson, y luego con colaboraciones de autores como Adolfo Sánchez Vázquez, Ticio Escobar o Nelly Richard.

Hemos salido fuera de las fronteras americanas para dedicar entregas al Primer Festival Panafricano de Cultura, a Lenin en su centenario, a Vietnam durante su guerra, a “cosas de españoles”, a textos canadienses. Y no solo hemos rendido homenaje a figuras consagradas, sino que hemos estado y estamos abiertos a nuevos valores: los Julio Cortázar, Ángel Rama y Roque Dalton de mañana —o de hoy. Casa ha vivido lo bastante como para ver renovarse las oleadas de creadores.

Quiero volver a recordar que la revista Casa es órgano de la Casa de las Américas. Es decir, no es la obra de una persona, ni de un grupo, ni de una generación. Lo es de una institución que fue creada a menos de cuatro meses del triunfo de la Revolución Cubana, y estuvo encabezada desde entonces hasta su trágica muerte en 1980 por una protagonista deslumbrante de esa Revolución, la compañera Haydee Santamaría. Quien fue hasta 1959 una figura de primer orden en el proceso que condujo al triunfo revolucionario de ese año, sería después, además, una formidable organizadora cultural.

Más de una vez he evocado cómo seres de la complejidad de Julio Cortázar o Roberto Matta la escuchaban como hechizados, como si oyeran a una sibila. Y, al menos en parte, me parece que eso fue ella. Su sabiduría no la había adquirido en centros académicos, sino en una existencia vivida con intensidad, apasionadamente, al borde de lo imposible. Ella constituyó, para quienes tuvimos el privilegio de trabajar bajo su conducción, un vínculo profundo con lo esencial de la Revolución Cubana.

En lo que toca a la revista, cuando ya no aparecía como su directora ni al frente de su consejo de redacción, su conducta fue, sin embargo, decisiva. No había cuestión que yo le consultara que no recibiese de ella un comentario agudo. A veces me llamaba para preguntarme por qué hacía tiempo que no le planteaban problemas sobre la revista: ¿es que me estaba adocenando? Y gracias a ella, como he dicho, nos llegaba directamente el pulso afiebrado de la Revolución, la cual no ha sido, no es un paseo por un jardín: más bien el trepidamiento de lo que brota en busca de la luz, así sea en algunos casos de modo imperfecto.

Me gusta recordar la sentencia de Tagore según la cual cuando se cierra la puerta a todos los errores, también la verdad se queda fuera. No sé si Haydee conocía esa sentencia, pero sé que le fue fiel. La audacia le era consustancial, al igual que el valor, la necesidad de justicia y la devoción por Fidel. Cuando tuvo lugar el desdichado “caso Padilla” y cuando se realizó en 1971 el no menos desdichado Congreso de Educación y Cultura, que nos empobrecieron, Haydee, en vez de darle la espalda a la Casa, se hizo presente en ella más que nunca antes. Estoy seguro, como he sostenido en otras ocasiones, de que gracias al prestigio revolucionario de Haydee la Casa, aunque padeció estrechamientos, sobrevivió con decoro a lo que Ambrosio Fornet llamaría después, desde las páginas de la propia revista Casa, “el Quinquenio gris”.

Como órgano de la Casa de las Américas, es natural que la revista Casa se haya hecho eco de las muchas tareas acometidas por la institución o realizadas en el país. Entre las primeras, menciono al pasar, sin mucho orden, los dos Encuentros de intelectuales por la soberanía de los pueblos de nuestra América; las reuniones realizadas durante las labores de los Premios (en primer lugar, el de literatura); Encuentros como el de la Canción Protesta, que daría lugar a la Nueva Trova, los de plástica latinoamericana y caribeña, el convocado por el Centro de Investigaciones Literarias sobre crítica, los dedicados a estudios sobre la mujer, los centrados en la Amazonia; encuestas como la realizada por Carlos Núñez sobre el papel de los intelectuales en los movimientos de liberación nacional; la mesa redonda que tuvo lugar en el estudio de Mariano con la presencia de Roque, Depestre, Edmundo, Ambrosio, Carlos María Gutiérrez y yo, y se publicó con el título “Diez años de Revolución: El intelectual y la sociedad”.

En cuanto a realizaciones en el país, son de destacar las páginas sobre reuniones políticas, el Congreso Cultural de La Habana (1968) o el XI Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes (1978); y también sobre el centenario de la primera guerra de independencia cubana, aniversarios cerrados del 26 de Julio y del triunfo de la Revolución, o, con más de una gota de humor, la experiencia de una escuela militar a que asistimos profesores y alumnos universitarios.

No puedo dejar de mencionar discusiones a las cuales la Casa y la revista que es su órgano se han visto envueltas. En una larga entrevista que me hizo Jaime Sarusky para el número 200 de Casa, recordé que algunas de tales discusiones no nacieron en la revista, pero no permanecimos ajenos a ellas. Y mencioné entonces tres de esas discusiones: las que tuvieron que ver con la revista Mundo Nuevo, con la carta abierta a Pablo Neruda en 1966 y con el “caso Padilla”.

En cuanto a lo primero, se trató de la impugnación de una revista editada en París por el anticomunista Congreso por la Libertad de la Cultura, que había sido creado por la CIA en medio de la Guerra Fría. Ángel Rama inició esa impugnación y lo acompañé en la faena. Pero las cartas cruzadas entre el director de Mundo Nuevo y yo, publicadas en muchos países, no lo fueron en Casa, donde sí apareció el ensayo de Fornet “New World en español”, mientras los incidentes de la polémica se mencionaron en la sección “Al pie de la letra”. Hoy se cuenta con un libro excelente de María Eugenia Mudrovcic sobre esa tortuosa revista.

La carta abierta a Neruda, de hace 43 años, apareció primero en Granma y fue republicada en Casa. En sus memorias, Llover sobre mojado, Lisandro Otero contó cómo fue una decisión de la dirigencia revolucionaria que nos dio a conocer el presidente Osvaldo Dorticós a varios escritores. Eran momentos de grandes tensiones en el seno de la izquierda, cuando Cuba, esperanzada en los movimientos guerrilleros, organizó la Conferencia Tricontinental en 1966, y en 1967, estando el Che en Bolivia, la reunión de la Organización Latinoamericana de Solidaridad (OLAS): esta última, presidida por Haydee. Los muchos años pasados no han borrado el malestar de algunos ante lo que fue, hay que reconocerlo, un error de nuestra parte, pues no debió haber sido una carta abierta a un escritor firmada por otros escritores lo que nació de una diferencia partidista: la cual, por añadidura, se disiparía con el tiempo.

En lo tocante a Padilla, también fue objeto de un tratamiento equivocado, aunque, lateralmente, diera ocasión a algunos planteos justos contra el llamado colonialismo cultural y separó, como comentó Cortázar, la paja del grano. Pero en general nos costó caro, y apartó de la Revolución no solo a oportunistas que se revelaron derechistas, sino, por un tiempo al menos, a amigos valiosos. Las dos cartas abiertas a Fidel que se publicaron entonces copiosamente por la prensa occidental, y en particular la postura de Mario Vargas Llosa, llevaron a la disolución del comité de colaboración de Casa. Ya en enero de 1971, dada la heterogeneidad de sus integrantes, la tercera declaración de dicho comité había planteado la necesidad de ampliarlo mucho. Meses después los hechos se precipitaron, y en vez de ampliación hubo disolución. Años más tarde, reapareció un consejo de redacción integrado por intelectuales que trabajan en la Casa.

La evocación de Haydee obliga a recordar que tras su muerte, en 1980, asumió la presidencia de la Casa el gran pintor Mariano Rodríguez; y que cuando este a su vez se retiró, en 1986, pasé a ocupar su lugar. Ambos habíamos sido vicepresidentes de Haydee. Nunca pensé que yo iba a presidir la Casa, pues Haydee, como todo lo que se ama mucho, me parecía inmortal. Y en un momento creí que, siendo yo presidente, debía dejar a otro la dirección de la revista Casa. La medida se reveló desacertada, y volví a ejercer la dirección.

Para entonces, el país había entrado en el “período especial en tiempo de paz”, que implicó escaseces de todo tipo. Ya mencioné que interrumpió la publicación del Boletín Música. En lo que toca a la revista Casa, por el momento (hasta hoy) dejó de aparecer cada dos meses para hacerlo cada tres, y disminuyó sensiblemente su tirada. Es meta nuestra retomar las condiciones previas a dicho período especial.

Así llegamos al presente. Más temprano que tarde tanto la dirección de la revista Casa como la presidencia de la institución pasarán a manos jóvenes, pues es obvio que los viejos no podemos ser la esperanza del mundo. Ya están aquí, y otros/otras no tardarán en llegar, quienes encenderán nuevos fuegos. Por mi parte, lo último que diré ahora es que confío en que serán dignos de trabajar donde lo hizo un ser como Haydee, y que espero que entre sus divisas pueda encontrarse la glosa del poema de Whitman según el cual quien toca a una revista verdadera toca a muchos hombres y muchas mujeres.

Palabras leídas por Roberto Fernández Retamar el 19 de noviembre de 2009 en la cuarta jornada del Encuentro de Revistas Caribeñas, realizada en la Casa de las Américas.

Las revistas culturales como espacio de reflexión

Basilio Belliard* • La Habana

Las revistas culturales sirven de puentes de acceso a los horizontes del presente y a las utopías del futuro. Su función reside en ser mecanismo de coexistencia cultural, circuitos de información y vehículos de intercambio real de producciones intelectuales y estéticas. En Iberoamérica, el papel alcanzado por las revistas culturales ha sido de crucial trascendencia en la construcción social de un espacio dialógico de expresiones culturales, en la necesaria creación de una comunicación intercultural y en la preservación de su unidad lingüística.

El rol y la trascendencia logrados por la Revista Hispánica Moderna, Revista de Occidente, Sur, Amauta, Revista Iberoamericana, Ínsula, La Torre, Quimera, Orígenes, Nexos, Proceso, El Caimán Barbudo, Cuadernos Hispanoamericanos, Cuadernos Americanos, Plural, Vuelta o Letras Libres, han permitido crear una cultura, una historia y una tradición iberoamericanas de inestimable proyección de nuestro acervo cultural y literario, al tiempo que la exaltación de nuestros hombres de letras y pensamiento.

La visión de intelectuales como Federico de Onís, Alfredo Rioggiano, José Ortega y Gasset, Silvina y Victoria Ocampo, Leopoldo Zea, Blas Matamoros, Lezama Lima y Rodríguez Feo, Octavio Paz y Enrique Krauze ha permitido que las revistas culturales hayan jugado el papel de vehículo editorial capaz de formar corrientes de opinión y generaciones de lectores. Y han servido, qué dudas cabe, de forjadoras de círculos académicos e intelectuales plurales y críticos, los cuales han contribuido a la formación de un pensamiento humanístico en América Latina. Ese ha sido el gran legado cultural dejado por la tradición de las grandes revistas en el siglo XX en el Nuevo Continente y el mundo peninsular.

Muchas de estas revistas corresponden a grupos intelectuales de elites o a circuitos académicos, no así a instituciones culturales que, como la Secretaría de Estado de Cultura de la República Dominicana, ha sentado precedentes con el auspicio material y el sostenimiento vertical dado a la revista País Cultural, con apertura estética e ideológica, pluralidad de criterios y tolerancia crítica.

Desde su fundación, esta revista ha ofrecido sus páginas a creadores, investigadores, intelectuales y artistas dominicanos y extranjeros, bajo la buena conciencia de posibilitar el diálogo crítico y horizontal, que nos ha permitido mantener esta oferta editorial con una calidad gráfica, compositiva y de contenido a la altura de los tiempos actuales, de la sociedad de la información y del mundo global.

Toda revista es un órgano intelectual que media entre el diario y el libro. De ahí que sirva como plataforma de equilibrio entre la información periodística, caracterizada por la liviandad informativa, y el texto de análisis y reflexión, caracterizado por la profundidad y la enjundia. Por la posibilidad de ilustrar sus páginas con textos visuales, la revista airea su contenido y ameniza su lectura, con lo que conquista diferentes lectores y espacios de recepción que no posee el libro ni el periódico. Y esa cualidad y condición hace de ella un instrumento de expresión de las ciencias y las artes, el pensamiento y la creación, de incuestionable valor estético, promoción de las ideas y circulación de las imágenes.

La experiencia de dirigir una revista cultural enriquece el espíritu y cultiva la pasión, al tiempo que crea la conciencia de la responsabilidad de transformar la cultura de una época y las costumbres de la vida cotidiana de una generación de lectores. Las revistas, pues, funcionan como plataforma para la difusión de los autores y los artistas, y son, a su vez: vehículos al servicio de la gestión cultural. Participan además como referentes culturales que permiten percibir el desarrollo y evolución de las ciencias, las artes, la cultura y la sociedad. Por otro lado, son testimonios de una época histórica y documento: reflejan la respiración de una etapa de la vida social y cultural de una nación o una patria lingüística.

Este evento es el mejor homenaje que le hacemos a la revista Orígenes que tuvo su inicio aquí en La Habana, y que, al decir de Octavio Paz, fue la revista más importante no solo de América Latina, sino del habla hispana. Así, este encuentro constituye una reivindicación justa y necesaria a esta revista y, con ella, a sus fundadores y animadores, Lezama Lima y Rodríguez Feo, a propósito de cumplirse el próximo año 2010 el centenario de nacimiento del autor de La expresión americana y Paradiso, dos monumentos literarios del ensayo y la novela del Caribe. Orígenes permitió el diálogo con los más importantes escritores europeos y de EE.UU., gracias a la labor y visión de Lezama y Feo. Por las páginas de esta revista desfilaron firmas de los más connotados y laureados escritores de su tiempo, lo que permitió que se valorara y promoviera su contenido, coleccionaran sus números y sirviera como instrumento de difusión de la literatura cubana y de otros países, cuyos frutos son hoy tangibles.

De igual modo, cabe destacar el rol jugado por la Revista de Occidente, en España, desde 1923 hasta 1936, fundada por José Ortega y Gasset y que, al decir de Roberto Fernández Retamar, "fue la más importante de nuestra lengua en la centuria".

Las revistas culturales son un "diálogo con el tiempo" (Fernández Retamar), y son, además, el espejo de una época. Mientras los libros son individuales, en cierto modo, la expresión narcisista de un autor o editor, que funda o confirma su vanidad, las revistas son colectivas; son el resultado de varias voluntades y la manifestación de una pasión altruista y un acto de generosidad, solidaridad y transformación. Es más que una antología de textos diversos y abiertos, aunque en ocasiones, haya números monográficos. Una revista puede marcar el destino de una generación literaria y, a menudo, forma y cohesiona su equipo de dirección, o desaparece por las contradicciones que generan los criterios de ese equipo al intentar, cosa difícil, homogeneizar sus ideas y su línea estética. Las revistas de vida larga experimentan la confluencia de varias generaciones que se reciclan, tales como ha ocurrido con los Cuadernos Americanos, la Revista de Occidente o los Cuadernos Hispanoamericanos.

Ha dicho Retamar, que “...resulta imposible escribir la historia cultural de un período sin tomar en cuenta los testimonios ofrecidos por las revistas culturales que en él vivieron, no importa lo contradictorios que puedan ser entre sí tales testimonios”. Estas palabras de Retamar, me parece a mí, son el retrato de la importancia que reviste la celebración de este significativo Encuentro de Revistas Caribeñas, y que habrá de darnos a conocer, establecer relaciones de colaboración y abrir el necesario diálogo para el intercambio de contenidos y de sus colaboradores. Es la mejor manera de saber lo que hacemos, pasar balance a nuestro quehacer y crear los mecanismos que habrán de servir como nuestros desafíos más perentorios en este fascinante mundo de las ediciones de revistas culturales.

El desafío de las revistas hoy en día reside en adecuarse a las nuevas tecnologías y soportes digitales para conquistar nuevos lectores virtuales. De ahí la necesidad de impulsar la valoración de las revistas culturales impresas como instrumentos de promoción cultural para crear espacios de reflexión e inclusión social. Otra idea consiste en hacer que ellas permitan el acercamiento de los lectores a las librerías y a las bibliotecas para hacer que estos mecanismos depositarios del conocimiento y medidores de lectura, no riñan con el libro, sino que funcionen como su vía de acceso. El futuro, pues, de las revistas culturales habrá de definirse en su capacidad y posibilidad de digitalización para complementar su publicación en papel y prolongar así su existencia, para alcanzar nuevos y modernos medios de difusión y recepción, con lo que no se desnaturalizaría su esencia primigenia y editorial, sino que sería una adecuación a los nuevos tiempos del imperio de la tecnología.

Entre los diarios y las revistas hay, desde luego, similitudes; pero también, sus especificidades. Ambas son publicaciones periódicas y viven atentas al accionar del presente, captan la respiración del cuerpo social, pero ambas jerarquizan su contenido y sus técnicas tipográficas y espaciales. Con el tiempo, las revistas se vuelven reliquias de colección, aunque su ideal consiste en ser consumidas en la lectura del momento de su aparición y a ser luego citadas en tesis, monografías e investigaciones, con lo cual ejercen una función documental de inestimable valor histórico, analítico y crítico. Un gran homenaje que pudiéramos hacerles a las revistas que han hecho historia en la cultura del Nuevo Mundo es reeditarlas en ediciones facsimilares, como se hizo con El hijo pródigo, en México, y en Santo Domingo, con los Cuadernos Dominicanos de Cultura ―y otras revistas que han tenido la misma suerte.

El auge de las revistas en América Latina se remonta a los albores del siglo XX y coincide con la eclosión de las vanguardias, la permanencia o resistencia de la modernidad y el afán de cosmopolitismo de las elites pensantes. Las mismas se convirtieron en instrumentos que catalizaron las primeras revoluciones estéticas y filosóficas del debate intelectual y la historia cultural del continente mestizo. Fundaron así la semilla de un pensamiento dinámico y de liberación de las sociedades americanas.

Para rastrear las ideas de una época es indispensable acudir a las revistas culturales que circularon en la misma, las cuales, en su momento histórico, constituyeron la tribuna o atalaya de los intelectuales, cuyo rol contribuyó a enriquecer el debate intelectual, a fundar una sociedad de lectores y a crear los futuros escritores e intelectuales en las metrópolis y en las provincias de América Latina, donde no llegaban (o llegan) grandes novedades editoriales.

Las revistas son, pues, la síntesis del libro y el análisis del suplemento cultural del periódico. Son expresiones discursivas dimanadas del periodismo, lo cual las hace mediadoras entre la literatura y el periódico. Son puntos de convergencias, de trayectorias colectivas, proyectos individuales y preocupaciones estéticas y culturales. De ahí que participen como testimonio de una época y, a la vez, de la historia de las ideas y de la cultura. Fundan una impronta histórica al crear, en cierta medida, la profesionalización del escritor ―por decirlo de algún modo― e inventan el oficio intelectual y la práctica de la lectura. Lo que se llama un "periodismo de ideas" tiene una gran deuda intelectual con las revistas culturales en las letras americanas y la vida cultural y cotidiana misma. En los umbrales del siglo XX las revistas estimularon una nueva visión de la cultura, con su papel protagónico, y posibilitaron la consolidación de la identidad cultural, la independencia cultural y política, con la confluencia de ideas heterogéneas como expresión de puntos de vista diversos, y aún contradictorios. De ahí entonces que, a la postre, juegan un papel determinante en la creación de un clima de tolerancia a las diferencias ideológicas y constituyen un poder autónomo en el marco de la producción y difusión de las ideas, las artes y las ciencias.

Felicito a los organizadores de este encuentro y gracias por esta magnífica invitación a participar del mismo, de la cual estoy altamente agradecido. Este evento habrá de servir como plataforma del diálogo caribeño, tan necesario en la etapa actual para la solidaridad, la coexistencia y la tolerancia.

* Director Revista País Cultural Secretaría de Estado de Cultura República Dominicana.

Premio es honor a los excluidos y marginados, afirmó Frei Betto

Alejandro Gómez • Brasilia

El brasileño Frei Betto afirmó hoy que el premio ALBA de las Letras 2009 por la obra de la vida es un honor a los excluidos y marginados, personajes de la mayoría de sus obras.

Al conocerse merecedor del galardón otorgado por la Fundación Cultural de la Alianza Bolivariana para los Pueblos de Nuestra América (ALBA), Betto dijo vía telefónica a Prensa Latina que en sus poco más de 50 libros se ha dedicado fundamentalmente a "dar voz, a aquellos que no tienen voz; y a dar vez, a aquellos que no tienen vez".

Tras expresar su alegría y felicidad por el reconocimiento, el teólogo y escritor brasileño subrayó que no lo considera un mérito personal, sino de los personajes de sus obras: los movimientos sociales, la teología de la liberación, los oprimidos, los explotados, los marginados y los perseguidos por la dictadura.

Es honor a ese mundo excluido, sentenció Betto, quien agregó que destinará el valor en metálico a proyectos para favorecer a la gente pobre, a los integrantes de movimientos sociales y a todos los olvidados.

Betto, uno de los máximos exponentes de la Teología de la Liberación, nació el 25 de agosto de 1944 en Belo Horizonte y es artífice de una obra le ha valido un vasto reconocimiento internacional.

Entre sus títulos figuran Fidel y la Religión (conversaciones con Fidel Castro), Mística y Espiritualidad (con Leonardo Boff), Bautismo de sangre, De las catacumbas (cartas personales) y El amor fecunda el universo. Ecología y espiritualidad (con Marcelo Barros).

Según las bases del Premio, éste se concede a creadores vivos que hayan consagrado su vida y obra a engrandecer el patrimonio cultural de América Latina y el Caribe con aportes originales en los géneros literarios y las manifestaciones artísticas.

Los primeros premios ALBA se entregaron en 2007, cuando lo recibieron Mario Benedetti (Uruguay) y Oscar Niemeyer (Brasil).

El año pasado lo merecieron Roberto Fernández Retamar (Cuba) y Jorge Sanjinés (Bolivia), y en éste, en el apartado de Artes, el argentino León Ferrari.

Fuente: Prensa Latina

SILVIO RODÍGUEZ: homenaje por su cumple 63!!

Organizador(a):Lalo Salazar (Music)
Tipo:Música/Arte - Concierto
Red:Global
Hora de inicio:El jueves, 03 de diciembre de 2009 a las 21:30
Hora de finalización:El Viernes, 04 de diciembre de 2009 a las 2:00
Lugar:SURCO PUEBLO PISCO BAR
Calle:Ayacucho 298 - Plaza de Armas de Surco
Ciudad/Pueblo:Santiago de Surco, Peru

Descripción
El 29 de Noviembre de 1946 nació Silvio Rodríguez en San Antonio de los Baños, Cuba. Y nosotros en Lima, por tercer año consecutivo celebraremos esta fecha en que la vida nos regaló a uno de los más grandes de la trova, la canción, el pensamiento y el espíritu latinoamericano. Esta vez junto a mi amigo y trovador Joaquín Yrivarren, haremos un recorrido por lo mejor de su vasta obra, pasando por canciones editadas, inéditas, las clásicas, las no tan clásicas, las conocidas y las desconocidas. Los esperamos para celebrar a nuestro gran querido Silvio!

La cita es el Jueves 3 de diciembre en
SURCO PUEBLO PISCO BAR
Calle Ayacucho 298
Plaza de Armas de Surco

Entrada general: S./ 10
Capacidad Limitada
Reservas al 980184728

Feria del Libro de Quito muestra más de tres mil títulos de Ecuador

Escrito por Pedro Rioseco
miércoles, 25 de noviembre de 2009

La Feria del Libro de Quito entra hoy en su segunda jornada en el Centro de Convenciones Eugenio Espejo, donde los pabellones de las editoriales participantes comparten la preferencia de visitantes con un apretado programa literario y artístico

Anabel Castillo, presidenta de la Cámara del Libro de Ecuador, informó que este año termina con tres mil 87 títulos nuevos publicados, ocho millones 158 mil ejemplares y un gran salto en la literatura infantil, muestra de lo cual se aprecia en esta Feria.

Entre los 40 escritores extranjeros invitados, acompañados de más de 60 de todas las provincias de este país y de los representantes del cuerpo diplomático acreditado, encontramos con la barba blanca de sus 80 años al prominente literato cubano, Pablo Armando Fernández.

Para Pablo Armando, fue extraordinario el comienzo de la Feria y las palabras de todas las personas que hablaron, a los cuales como a mucha gente aquí conoce desde hace años por los tres viajes anteriores en los cuales ha podido compartir con los ecuatorianos

"Este es un evento muy importante porque nos une, nos unifica, y porque estamos celebrando el bicentenario de la independencia de nuestra América, y eso hay que defenderlo ahora más que nunca", declaró el escritor a Prensa Latina.

La inauguración en el patio central del recinto ferial contó la víspera con la participación del ministro de Cultura, Ramiro Noriega; la ministra de la secretaría de Pueblos, Movimientos Sociales y Participación Ciudadana, Doris Soliz; y la ministra Coordinadora de Patrimonio Natural y Cultural, María Fernanda Espinoza.

El alcalde capitalino, Augusto Barrera, expresó su satisfacción por esta segunda edición de la Feria del Libro y llamó a convertir la misma en el inicio emblemático de las tradicionales Fiestas de Quito y a trabajar desde ahora por la tercera edición, el año próximo.

lma/prl

Prostitutas

Elvira Lindo

Prostitutas porque venden su mente, y hasta sus propios derechos, para que quienes les pagan puedan satisfacer sus pretensiones e intereses personales o empresariales. Un último ejemplo: Elvira Lindo.

www.kaosenlared.net/noticia/prostitutas-3

No, aunque resulte extraño por el título de este artículo, no voy a hablar de esas mujeres que, por diversas circunstancias, unas más trágicas que otras, se ven obligadas a vender su cuerpo a cambio de dinero. Por estas prostitutas tengo el mayor de los respetos, y en muchos casos hasta un fuerte aprecio. Pido perdón incluso por el uso que voy a hacer de este término con un afán claramente despectivo. Seguramente no lo merezcan. Pero hay ocasiones en que el lenguaje te dota de una libertad que la moralidad personal no te permitiría. Esto es, que use la palabra prostituta para atacar la indignidad de ciertas personas, no es más que un recurso lingüístico, nada que ver con el insulto a las verdaderas prostitutas, algo que jamás haría. Quede claro.

Con este artículo en realidad quiero atacar sin piedad a esa otra clases de prostitutas (las indignas y miserables de verdad) que nos invaden cotidianamente a través de los medios de comunicación, tanto en prensa, como en radio, como en televisión. A esos periodistas, reporteros, opinantes, articulistas, presentadores de informativos y demás fauna que se someten inescrupulosamente a los designios de las empresas que les pagan para promover el odio, el ataque ideológico, la mentira, la calumnia, la manipulación y la falsedad contra todo aquello que no es del gusto de sus jefes, según la línea marcada ya desde el mismo momento en que firman su contrato de trabajo. Esos personajes repugnantes que tanto daño hacen a la sociedad, prostituyendo su libertad de expresión a cambio de unas cuantas monedas, convirtiendo el derecho a la información del conjunto de la ciudadanía en un obsceno derecho a la manipulación del conjunto de la sociedad por parte de los amos de los grandes conglomerados mediático-empresariales. Aquellos que a cambio de un sueldo y algo de reputación profesional (también hay putas con buena fama por la excelencia de sus servicios), son capaces de transformar la información en un mero proceso continuado de creación de opinión, según lo que le ordenan sus amos, que a la vez son también sus proxenetas y los clientes que gozan de sus servicios.

Aquellos que siempre estarán dispuestos a levantar su voz contra todos aquellos que les manden quienes les pagan, esgrimiendo como pretexto para ello su derecho a la libertad de expresión e incluso sus convicciones ideológicas personales, pero que jamás, digo bien, jamás, se atreverán a levantarla en contra de esos que llenan cada fin de mes sus cuentas bancarias por más que sean éstos quienes estén perturbando su derecho a la libertad de expresión o atentando contra sus convicciones ideológicas. Aquellos que se someten y callan cuando saben que el decir lo que piensan puede costarles el puesto de trabajo. Aquellos que hacen de la auto-censura un medio de vida y de supervivencia laboral. Aquellos que se sienten como pez en el agua cuando saben que están escribiendo, hablando o transmitiendo algo; un artículo, una noticia, un reportaje, lo que sea; que de una misma vez hace felices a sus amos y les resulta satisfactorio a ellos mismos, por ir acorde a sus propias convicciones personales. Los que jamás dirán nada cuando despiden a un compañero por atreverse a traspasar el límite marcado por los proxenetas. Los que jamás tendrán el mínimo remordimiento al saber que con su trabajo están mintiendo, engañando, manipulando y sesgando el derecho a la información de millones y millones de ciudadanos.

Sí, son prostitutas, y de la malas. Prostitutas de la comunicación. Prostitutas porque aceptan someterse a la voluntad de otro a cambio de dinero. Prostitutas porque venden su mente, y hasta sus propios derechos, para que quienes les pagan puedan satisfacer sus pretensiones e intereses personales o empresariales. Personas que se prestan a poner el culo gustosamente para que sus amos puedan dominar la sociedad a su antojo. Eslabones oxidados y putrefactos de una cadena que ahoga el derecho a la información y no tiene otro fin que encarcelar el verdadero derecho a la libertad de expresión de las personas, que no es otro que aquel fundamentado en el conocimiento real, veraz y objetivo de lo que ocurre en el mundo. Individuos que inundan la opinión social de tópicos "anti-todo-aquello-que-les-ordenan-sus-amos", y que a posteriori usan esos mismos tópicos para atacar sin piedad a quienes se atreven a defender lo que sus amos les han ordenado que ellos critiquen.

Uno de los últimos ejemplos de la labor de estas prostitutas de la comunicación lo tenemos en el último artículo publicado en el diario El País por la señora Elvira Lindo: Comunistas. Sin pudor ninguno, en él la señora Lindo se atreve a juzgar y condenar a una persona que no conoce de nada, simplemente porque esa persona se ha atrevido a declararse claramente y sin ambigüedades “comunista”, y a partir de ahí a todas aquellas personas que, de una u otra manera, comulgan con las ideas de la atacada en el artículo. Eso sí, con respeto progresista.

Tirando de manual, la señora Lindo mueve uno a uno los principales tópicos anti-comunistas que cualquier adolescente sin consciencia política ninguna podría repetirte de memoria, según lo ha aprendido previamente por boca de estas mismas prostitutas de la comunicación. Los Gulag y los millones de muertos del comunismo, lo mucho que gustan los comunistas de ser asalariados de la política mientras predican sus proclamas igualitarias, la crueldad de la dictadura cubana, lo anticuadas y obsoletas que son las ideas comunistas, etc. Todo el repertorio anti-comunista que cualquier "ciudadano-de-bien" debe conocer de memoria. Me resulta increíble pensar que una persona que ha tenido gran éxito escribiendo literatura infantil, tenga que recurrir a semejantes argumentos para atacar el comunismo, más aún, para atacar a una persona que se dice comunista. Lo mínimo que se podría esperar es que al menos lo hiciese con imaginación e ingenio, con talento. Qué menos para una escritora de tanto prestigio.

Pero he ahí precisamente otro rasgo de estas prostitutas de la comunicación: someten incluso su propio talento para ponerlo al servicio de lo que la empresa espera de ellas. No importa cuán brillante pueda ser lo escrito o dicho, lo que importa es que haga felices a quienes le pagan y llenan su cuenta corriente cada mes. Lo importante es seguir haciendo méritos. Lo importante es dejar satisfecho al cliente, y contento al proxeneta, para que el uno repita y el otro no las castigue con cualquier barrabasada. Lo importante es que los padrinos estén agradecidos con su trabajo y no les retiren su protección. Todo lo demás es secundario.

No, está muy claro, a la señora Lindo no le ocurrirá como al también escritor Rafael Reig, recientemente fulminado como articulista de opinión en el diario Público precisamente por defender la condición comunista de Miguel Hernández. No, a ella no le pasará jamás esto. A ella no la dejarán nunca sin epacio para opinar por expresarse sin miedos ni tabús, por atreverse a ser fiel a sus convicciones y defenderlas, aun a riesgo de su propia estabilidad laboral.

Porque a la señora Lindo, a la cual se le presupone un cierto talante respetuoso y comprometido con las libertades y derechos ciudadanos, jamás la veremos escribiendo en El País acerca de la aberrante manipulación que continuamente tal diario hace sobre la realidad política de países como Venezuela, Bolivia, Ecuador, Nicaragua, la misma Cuba o Honduras, tan evidente y clara que cualquier ciudadano con un mínimo de consciencia política debería sentirse avergonzado, mucho más si eres parte directa de ese medio. Pero a la señora Lindo esto no le importa. Ni tampoco se atreverá a sacar algo, como sí hiciese el Roto, para cuestionar y criticar el chantaje de la empresa que le paga a sus trabajadores cuando hay ciertas negociaciones laborales de por medio. Igualmente, la señora Lindo ni se molestará porque El País brinde sus páginas para el ataque personal a quienes se atreven a cuestionar los dogmas establecidos en ciertas cuestiones por las multinacionales farmacéuticas, tal cual ha pasado recientemente con el caso de la monja Teresa Forcades, y si lo hace no la veremos escribir sobre ello: ella al fin de cuentas estará con El País... y con las multinacionales farmacéuticas. Tampoco escribirá algo, ella que va tan de progre y respetuosa con la libertad, para defender la dignidad de las personas que están a favor del libre intercambio de archivos p2p en la red, cuando alguno de sus compañeros de opinión en el diario, como ha ocurrido esta misma semana, se atreve a tratarlos poco menos que como a terroristas.

En fin, nada de esto le veremos jamás hacer a la demócrata empedernida de Elvira Lindo, la de las ideas modernas, la progresista, la que no está anticuada, la que le va tan bien, no como a los comunistas. Ella jamás morderá la mano del amo que le da de comer. Ella jamás se atreverá a criticar en público al medio que le paga o algunas de las continuas aberraciones periodísticas que desde este medio se vierten a diario en contra del verdadero derecho a la información de la ciudadanía.

Ella simplemente es una puta de la comunicación, no se puede esperar más.

www.pedrohonrubia.com

Pedro Antonio Honrubia Hurtado en Kaos en la Red

Silvio nos regala “Demasiado”

¿Cuándo una canción es “demasiada canción”? Quizás cuando la crea y la canta Silvio Rodríguez.
Arleen Rodríguez Derivet CUBADEBATE 18-11-2009

www.kaosenlared.net/noticia/silvio-nos-regala-demasiado

¿Cuándo una canción es “demasiada canción”? Quizás cuando la crea y la canta Silvio Rodríguez. Es lo que sentí cuando escuché, en un dulce adelanto de su nuevo disco, esta hermosa canción. Como yo sé poco o nada de canciones, le pregunté al propio Silvio si esto es filin (por la mezcla de sentimientos que me provocó) o si es jazz (por como suena).

Comparto su respuesta con ustedes y sugiero: leer mientras escuchan la canción. Y si, como yo, sienten “demasiada sed, para conformarnos con un breve sorbo, la única vez”, aguántense las ganas hasta que salga el disco. Esto es “Demasiado” y lo que de ella dice Silvio:

Mira, es un bolero (donde suele haber algo de filin, que es como decir algo de jazz), y por todo esto se lo dedico a César. Yo escribí unas noticas, una para cada canción, que deben salir en el disco. Te copio la que dediqué a Demasiado:

“A César Portillo de la Luz lo conocí hace cuatro décadas. Por entonces lo perseguía por los bares nocturnos en que él cantaba. En la secuencia lo vi construir canciones con los interludios que improvisaba entre tema y tema. Él fue parte de mi ritual de iniciación y me alumbró con secretos del oficio de trovador con poca voz. Saber que la inmortal ‘Contigo en la distancia’ la había compuesto el mismo año en que yo había nacido fue algo que siempre me impactó. Odilio Urfé -pianista, musicólogo y persona inolvidable- llamaba a Portillo ‘el filósofo del bolero’. Demasiado se la dedico a César con mucha deuda y admiración.”

DEMASIADO (2003)

A César Portillo de la Luz

Demasiado tiempo,
demasiada sed
para conformarnos
con un breve sorbo
la única vez.
Demasiada sombra,
demasiado sol
para encadenarnos
a una sola forma
y una sola voz.

Demasiadas bocas,
demasiada piel
para enamorarnos
de un mal gigantesco
y un ínfimo bien.
Demasiado espacio,
demasiado azul
para que lo inmenso
quepa en un destello
solo de la luz.

Demasiado polvo,
demasiada sal
para que la vida
no busque consuelo
en el más allá.
Demasiado nunca,
demasiado no
para tantas almas,
para tantos sueños,
para tanto amor.

Esta canción está incluida en el CD Segunda cita, la próxima entrega que ya esperamos los silviomaniacos con enorme expectativa. Del contenido de este disco ya adelantábamos este año una carta de Silvio escrita a finales de 2008 donde explica cómo se armó:

Hoy tuve que parar el trabajo. De nuevo hay líos con un micrófono y hasta enero no llegan los recambios (que antes de aterrizar en mi país y dar algunas vueltas de despiste). Pero no crean que estoy alicaído. He trabajado mucho últimamente. Al fin estoy grabando un disco con base de trío acústico, casi cuarteto, porque por ahí también cuelo alguna guitarrita. Al piano está Roberto Carcasés, al contrabajo Feliciano Arango y en la batería Oliver Valdés. Ocasionalmente aparecen algunos otros músicos jóvenes, invariablemente graduados o por graduar en las Escuelas de Arte. Graba la ingeniera Olimpia Calderón. Juan Mario y Enzo a mano, para lo necesario. La escuadra de Ojalá garantizando la retaguardia, como siempre.

Hay un tema que parece un cuento de Pushkin, dedicado a García Márquez. Él una vez me regaló un argumento parecido para una canción. Era sobre una novia abandonada. Nunca lo usé y años después lo vi infiltrado en una de sus novelas. La canción se llama San Petersburgo y tiene un bello contrapunto de clarinete que escribió Roberto para Niurka. Esta es una canción bastante rusa, pero en el resto del disco se asoma un poquito de rock, además de baladas, sones y danzones. Demasiado es un bolero que le dedico a César Portillo de la Luz, gran autor de todos los tiempos, a quien Odilio Urfé llamaba “el filósofo del bolero”. Hay un hermoso texto de Víctor Heredia que pude musicarle, llamado Lo cierto. Hay una Carta a Violeta Parra en la que le cuento algunas impresiones y les beso a sus hijos, que han sido mis amigos.

Casi todas las canciones fueron compuestas entre el año pasado y este 2008 que se está yendo. El trabajo creo que se llamará Segunda cita, que también es una canción, en este caso sobre el ángel postizo que a veces llevamos dentro.

Aquí les van algunas letras, a modo de anticipo.

Felices fiestas y, como dice un amigo parisino, que en todo les vaya antambalé.

Siempre queriéndoles,

aprendiz Silvio Rodríguez

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Revelan intimidad de Frida Kahlo en 200 fotografías inéditas

18 Noviembre 2009 Haga un comentario

Frida Khalo en la Casa Azul, de Coyoacán.
La intimidad, la herencia, sus amistades y las pasiones de Frida Kahlo serán reveladas en el Museo Frida Kahlo en 200 fotografías elegidas de las 6 500 que tenía el archivo abierto en 2007 tras estar resguardado desde el fallecimiento de la artista.

La dirección del museo indicó que la exposición “Frida, sus fotos” será inaugurada mañana y estará exhibiéndose hasta mayo próximo, con originales que luego serán guardados para evitar su desgaste por un largo período.

Sin embargo, se informó que los admiradores de la artista mexicana podrán acceder a las 200 fotografías exhibidas en “Frida, sus fotos” y otras 300, en un libro que se editará en enero próximo en varios idiomas.

Pablo Ortiz Monasterio, curador de la muestra, dijo que aunque el propósito no fue hacer una biografia con la exposición, finalmente las 200 fotografías muestran un perfil de la vida de la artista que permiten extraer algunas conclusiones nuevas sobre su obra.

Ortiz señala que la pasión por lo retratos de Frida “no la hurta sino que la hereda” porque esa misma pasión por el autorretrato la muestra su padre Guillermo Kahlo en decenas de fotografías expuestas en la primera sala.

También, afirma el curador, que la pasión de Frida por la ropa típica es claramente una influencia del vestir de Matilde Calderón, la madre oaxaqueña de Frida.

Cada una de las seis salas tiene un título y muestra una historia íntima de la artista: “Los padres de Frida” abarca la familia hasta el abuelo oaxaqueño también fotógrafo como su padre; “La Casa Azul” muestra su vida en ella; “El cuerpo Roto” hace referencia a su vida luego del accidente; “Los amores de Frida” permiten ingresar al mundo íntimo de las amistades y “El ojo de Diego” la obsesión de la fotógrafa, la mujer y un ojo del artista Diego Rivera que nos mira directo, serio.

Cinco de los salones fueron montados en una casa contigua a la Casa Azul, ubicada en el barrio Coyoacán de la Ciudad de México, y que es utilizada por primera vez.
Entre las fotografías que acompañaron a Kahlo además de las propias y las de su padre Guillermo Kahlo, se encuentran obras inéditas sobre la artista de destacados fotógrafos como Tina Modotti, Man Ray, Martin Munkacsi, Edward Weston, Pierre Verger y Manuel Alvarez Bravo.

Carlos Phillips Olmedo, director general de los Museos Frida Kahlo, Diego Rivera y Dolores Olmedo, subrayó que la importancia de la muestra es que permite introducirse en el mundo de Frida y al mismo tiempo revalorarla.

(Con información de DPA)

discursos y homilias de monseñor leonidas proaño...

Biografía de monseñor Leonidas Proaño /El obispo de los indios

Ecuador (EVARED) -“Soy hijo de familia pobre... Nací el 29 de enero de 1910, en San Antonio de Ibarra... Supe, como todos los pobres, lo que es padecer de necesidad y de hambre. ¡La pobreza!... es también un don”. Dice en su autobiografía monseñor Leonidas Eduardo Proaño Villalba.

Sus padres Agustín Proaño Recalde y Zoila Villalba Ponce, fueron campesinos pobres dedicados a tejer sombreros de paja para educar a su único hijo, ya que sus tres hermanos habían muerto tempranamente.

“Tendría 10 u 11 años de edad, empecé a ayudar a mi padre en el trabajo más duro y peligroso que era macetear los sombreros. Duro, porque se rompían las manos, mientras no se formaran callos”.

El 1 de octubre de 1930 ingresa al Seminario Mayor San José de Quito para estudiar Filosofía y Teología y el 4 de junio de 1936, es ordenado sacerdote.

Aprendió de sus padres el amor a los pobres. “Ese amor y respeto a los pobres, particularmente a los indígenas, llegó a formar parte de mi propia existencia. Por esto, he dicho más tarde que no he querido nunca ser traidor a los pobres, pues nací en un hogar pobre y aprendí en ese mismo hogar a amar a los pobres…”

El 26 de mayo de 1954 se consagró Obispo de la diócesis de Bolívar (provincia del Chimborazo y Bolívar), designación hecha por el Papa Pío XII.

Al llegar a Riobamba, avizoró los graves problemas de los campesinos chimborasenses; pues, Mons. Proaño, el Obispo del Indio, su hermano y amigo se entregó por entero a estudiar sus problemas y buscar soluciones adecuadas.

En 1956, siete años antes de que se promulgara la primera ley de Reforma Agraria, Monseñor Leonidas Proaño, al constatar, por un lado, que la Diócesis que dirigía era propietaria de extensas propiedades, y por otro, la situación en la que sobrevivían los indígenas por el despojo de sus tierras, proyecta la entrega de haciendas de la iglesia a los indígenas.

“No se trata de dar una cuadrita a cada individuo. Quiero que la parcelación se efectúe entre cooperativas para que sea de provecho”. De esta manera la iglesia de Riobamba se anticipó al Estado.

En esta diócesis trabajó incansablemente, con decisión y dinamismo, durante 31 años, separándose de la misma por límite de edad (75 años), luego de dejar en el corazón de los campesinos y sus hermanos que lo comprendieron y admiraron, huellas imborrables de una obra redentora, a luz del Evangelio.

“…cuanto he vivido y he aprendido no ha sido extraído de las aulas universitarias de mi país o de algún otro país del mundo, sino de la cantera del pueblo, porque mi Universidad ha sido el pueblo y mis mejores maestros han sido los pobres en general y particularmente los indígenas del Ecuador y de América Latina, considerados en Puebla como “los más pobres entre los pobres”.

Después de muchos años de silencio el indio volvió a hablar en Chimborazo. La Palabra de Dios ayudó al indio a hablar, a pronunciar su auténtica palabra... “Y el Verbo se hizo hombre” y el no-hombre, el estropajo vil y despreciable, se puso en pie y gritó sobre la alta montaña: aquí estoy, aquí existo, estoy vivo, soy hombre.., soy...

Leonidas E. Proaño, Obispo de los Indios, título que primero le fuera proferido como insulto, se convirtió en discípulo del indio, empezó descubriendo en sus andrajos la dignidad del hijo de Dios y puso sus oídos atentos al mínimo balbuceo de sus labios.

Reconoció que la Buena Nueva debe ser anunciada a los pobres y a esa tarea consagró sus esfuerzos.

Como discípulo del indio: observó con devoción sus ritos y costumbres, no condenó sus creencias; defendió tenazmente sus derechos; pacientemente descubrió la Semilla del Verbo en su forma de vida y la propuso como alternativa a nuestra sociedad capitalista, individualista, conflictiva.

La Conferencia Episcopal Ecuatoriana, en mérito al trabajo sacrificado en bien del indio y el marginado, lo designó en 1985, Presidente del Departamento de Pastoral Indígena del Ecuador.

"Me han dicho que soy un Obispo "Rojo", comunista. Yo me confieso cristiano. Un sacerdote, un obispo que se ha esforzado por ser cristiano. Y por lo tanto, no debo tener miedo a las calumnias, las amenazas, ni la muerte. Si trabajar cristianamente por la paz, la justicia y los derechos humanos de los más pobres es ser "rojo", ojalá que todos nos volviéramos siquiera "colorados", dijo durante un homenaje otorgado por el Obispo de la Diócesis de Ibarra, Mons. Luis Oswaldo Pérez Calderón.

“Se trata de buscar la verdad, para que brille, por encima de todo y de todos. Debemos decir la verdad. Debemos hacer la verdad. La verdad se dice con la palabra. La verdad se hace con la actitud. Nada de dobleces ni engaños, porque si aspiramos a ser libres debemos ser esclavos de la verdad…”

En 1962 funda las Escuelas Radiofónicas Populares del Ecuador –ERPE- encaminadas a realizar programas para la alfabetización, educación y evangelización de los pueblos indígenas. En 1985 el Papa Juan Pablo II por petición de los indígenas lo designa “Obispo de Indios”.

En 1967 Inicia la formación de las comunidades eclesiales de base.

"Jesucristo fue entrando en mi corazón y en mi vida desde que fui niño. Él ha sido para mí la manifestación contundente del amor del Padre. Sé por experiencia que me ama. También yo siento por Él un amor apasionado." (Creo en el Hombre y en la Comunidad).

Jesucristo para él no fue una teoría, un conocimiento abstracto... Jesucristo fue para él una persona, Alguien con quien llegó a establecer una relación de tú a Tú... Jesucristo fue su confidente, a la vez que fue su fortaleza... Estas confidencias las realizaba en el silencio profundo cuando se exponía ante el Señor en la Capilla de Santa Cruz, con una respiración acompasada, con los dedos de las manos entrecruzados y entreabiertos como dispuesto a acoger el mensaje y la voluntad de Aquel a quien amaba con "un amor apasionado"...

Como ser humano vive una búsqueda incesante. No se conforma con nada, no se estanca en lo conocido, se lanza a lo desconocido, mantiene un espíritu abierto a todo lo que ocurre en el mundo, en la Iglesia, es fiel a esa aventura de la fe que nos desinstala y no nos permite sentirnos nunca llegados a la meta. Este espíritu de búsqueda lo hace humilde, lo pone en situación de discípulo y no de maestro, en alguna ocasión dirá "soy aprendiz de cristiano".

La aventura de la búsqueda lo lleva a mirar con ojos siempre nuevos la Palabra de Dios, a descubrir la novedad de las enseñanzas de esa Palabra Viva, para llevarlas a la práctica. La fidelidad a la búsqueda es fidelidad a la realidad siempre cambiante, siempre interpelante.

“El método de ver, juzgar y actuar; se hizo carne, hueso y sangre en mi vida, ya no podía hacer de otra manera.", decía Monseñor Proaño. Fiel a su fe cristiana, había optado por "escuchar la Palabra de Dios y ponerla en práctica". Esto dio lugar a un método muy original de la Iglesia de Riobamba que obligaba a quienes trabajaban con él a ir a cualquier reunión desarmados, esto es, dispuestos a ver la realidad, en lo posible con los ojos de la gente que la vive y la sufre, colaborando en ampliar esta visión con una información teórica que ayude a entender las causas y las consecuencias de esa realidad. Luego, se pasaba a comparar esa realidad con lo que Dios esperaba de las personas humanas, esto era el juzgar, o el momento de reflexión más profunda. Y luego venía la "puesta en práctica" de lo que la Palabra nos había dicho, esto era el actuar, la acción de Paulo Freire que desencadenaba un nuevo ver, un nuevo juzgar y un nuevo actuar.

Al final de su libro "Creo en el Hombre y en la Comunidad" dice: "Toda mi vida ha estado llena de luchas y conflictos… Pienso de mí mismo soy un hombre intransigente, cuando se trata de defender valores trascendentales no ciertamente especulativos, sino encarnados en la existencia de los hombres." Amor a la verdad, "He sido intransigente en la defensa de la verdad, porque he querido que los hombres concretos seamos verdaderos". Amor a la justicia, "He sido intransigente en la defensa de la justicia, porque he querido que los hombres practiquemos la justicia." Amor a la libertad, "Lo que más agradezco a mis padres es su permanente educación en la libertad y para la libertad." Amor a la paz, que tiene como cimiento la justicia y el amor, esa paz que "no es un objetivo barato", la paz que se conquista con la lucha por eliminar toda forma de opresión, de explotación, de injusticia, de discriminación. "He sido intransigente en la defensa del Amor y de la Amistad, porque he querido una gran autenticidad en las relaciones humanas." Fidelidad a la denuncia del sistema de pecado y al anuncio del Reino de Dios.

Por petición del movimiento indígena es designado por el Papa Juan Pablo II Obispo de los Indios.

Al final de sus días dirá: estoy convencido de que Dios me ha escogido para cumplir esta misión de contribuir a la liberación del pueblo indígena desde mi puesto de sacerdote y obispo de la Iglesia Católica.

En 1986 recibe el Premio Rothko por la Paz (Houston-EEUU), y en 1988, el Premio Bruno Kreiski (Austria) por la defensa de los Derechos Humanos. Antes de su muerte crea la Fundación Pueblo Indio del Ecuador. Muere el 31 de agosto de 1988 en Quito.

Bibliografía:

Boletín Instituto Científico de Culturas Indígenas. ICCI Año 3, No. 29, agosto del 2001

Fundación Pueblo Indio del Ecuador

Autobiografía de mons. Leonidas Proaño

A propósito de «Patricio Manns sinfónico» Patricio Manns: Un viajero con el corazón abierto

Un pasajero en movimiento, un explorador sin mapas, un exiliado del sur. Ese es Patricio Manns (Nacimiento, 1947), creador multidimensional cuyo oficio y talento innato le han permitido incursionar con gran éxito en la literatura y la música, como intérprete y compositor sin olvidar sus trabajos como periodista, guionista de radio, televisión, teatro y cine, cronista e historiador.
21/11/2009

Su enorme popularidad nació gracias a la canción "Arriba en la cordillera", compuesta en 1965, y que este año fue elegida como la más popular de Chile en el Festival de Olmué, confirmando la vigencia y trascendencia de su legado artístico. Su condición de autor se inició en 1956 con “Bandido”, canción interpretada por el conjunto penquista Los Andinos, que dirigiera Eduardo Gajardo. Años después, esta canción interpretada por un conjunto trasandino, obtuvo el primer lugar en el Festival de Cosquín, Argentina. Estas germinaciones le permitieron al compositor participar activamente en el movimiento de la Nueva Canción Chilena que remeciera en los años sesenta con nuevas miradas que trascendieron lo costumbrista-paisajista hacia una musicalidad funcional al discurso y a una dimensión valórica centrada en los derechos humanos universales. Con este homenaje se completa un ciclo de rescate de música chilena que realiza la Corporación Cultural de la U. de Concepción y que comprendió también la obra de Violeta Parra, Víctor Jara y Luis Advis, pilares de ese movimiento artístico.

El trabajo de Patricio Manns contempla más de 200 títulos, cuerpo de canciones inscritas en formas folclóricas chilenas y latinoamericanas aunque de horizontes inéditos y mucho más amplios, algunas de ellas ennoblecidas por la extraordinaria labor de artesano y cultor de un oficio de conexiones con la poesía de arte mayor. Los acentuados rasgos dramático-líricos, las construcciones libres y de original factura armónica-melódica de esta obra, sólo tienen parangón con Silvio Rodríguez y Chico Buarque, con el magistral Leo Ferré, quizás su mayor influencia; y en el trabajo inicial de Kurt Weill y Bertolt Brecht. Este verdadero alquimista contemporáneo ha desplegado su maestría con una desbordante imaginación y con un hacer transitar personajes, lugares, situaciones, sentimientos, historias y oficios, muchos de ellos excluidos de la canción pop. De su primera época destacan “En Lota la noche es brava”, “El Cautivo de Til-Til”, “La guitarrera que toca” y “El exiliado del sur”.

Este tributo sinfónico-coral por primera vez incorpora a tres arregladores: Guillermo Rifo, Carlos Zamora y Mario Villalobos. El primero es un conocido maestro en estos cruces estéticos y en su vasta trayectoria ha legitimado la música popular; Zamora, en tanto, añade la mirada más contemporánea, con énfasis en los bronces y en el rol del coro. Es autor de los arreglos de “Víctor Jara Sinfónico”, mientras que Rifo hizo lo propio con “Violeta Parra Sinfónico”. En tanto, Villalobos, que viene del rock (fue integrante de Mecánica Popular), propone hallazgos en la inseparable relación de texto y música con un formato de cámara, cuya sencillez es profunda y cautivadora. Desde el año 2004 trabaja con Manns, relación artística materializada en dos originales proyectos.

En este concierto se consideran 15 canciones representativas que ratifican ese espíritu inquieto, renovador y de búsqueda. Claro, porque ya en 1966, y como un adelantado a su tiempo, Manns presentó "El sueño Americano", coralfolclórico de doce canciones que retratan la historia de América desde lo precolombino hasta hoy, calificada por Luis Advis como la primera cantata chilena y que dejó una marca en este tipo de trabajos en que se unen lo popular y lo culto. En 1971, consecuente con este espíritu dialógico, grabó un álbum homónimo que reunió a las orquestas Sinfónica y Filarmónica de Chile, y a los grupos Inti-Illimani y Blops bajo la dirección del maestro Advis. Su osadía creativa se refleja en canciones muy diversas y en una indagación instrumental, armónica y rítmica. Tal vez “Valdivia en la niebla” sea el punto más alto de esos afanes, cuya tristeza y letanía es conmovedora. Con la Sinfónica de Cuba grabó el álbum “Canción sin límites” (1973), trabajo tamizado por la nostalgia y la melancolía telúrica de “Cuando me acuerdo de mi país” y “Morimos solos”. Ya en Europa, Manns establecerá una complicidad creativa junto a Horacio Salinas, (director de Inti-Illimani Histórico), dando obras cumbres para la música chilena, como "Vuelvo" (1979), "El equipaje del destierro", "Palimpsesto”, “Llegó volando”, “El pacto roto” y “La araucana” (todas de 1981), “Cantiga de la memoria rota" (1985), “La muerte no va conmigo” (1986) y “Medianoche” (1996). Aquí, más allá de su irrenunciable vocación de arte político, Manns develó algunas claves permanentes de la existencia humana: el dolor, el amor, la libertad, el destierro y la batalla eterna por la vida.

En tanto, la cantata “La rosa de los vientos” (1999), para coro y orquesta, y la inédita “Cantares del mito americano” (2001) retoman este ámbito creativo que Manns y Salinas habían realizado por separado. En el álbum “La muerte no va conmigo” (1986), sorprende por su humor, ironía y erotismo con la “Balada de los amantes del camino de Taverney” y “Concierto de Trez-Vella”, canción que desde sonoridades advianas, propone un viaje de trece minutos hacia los territorios de la música contemporánea con ecos de Luigi Nono y Steve Reich. Finalmente, estas conexiones se reflejan en “Inti-Illimani Sinfónico”, (1999) donde “América novia mía” y el bolero “Medianoche”, con arreglos de Roberto de Simone y José Miguel Tobar, adquieren nuevas dimensiones, geografías sonoras y estéticas por donde habitaremos en este tributo.
Rodrigo Pincheira Albrecht
Licenciado en Comunicación Social

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La Casa de los encuentros

Los escritores Laura Antillano y Humberto Mata, de Venezuela, evocan su experiencia como jurados del Premio Casa de las Américas y su relación con la entidad cultural, en el contexto del homenaje que realiza la FILVEN a la institución.

“La Casa de las Américas es un proyecto cultural que pasó de la intención a las acciones, a los programas, al resguardo oportuno del patrimonio tangible e intangible que tenemos no solo en nuestra sede en Cuba, sino que compartimos a través del continente latinoamericano y del Caribe”, apuntó Roberto Zurbano, director del Fondo Editorial de la Casa, en un panel dedicado a celebrar los 50 años de la institución durante la séptima jornada de la V Feria Internacional del Libro de Venezuela.

Antes de presentar a los invitados venezolanos del panel —los escritores Laura Antillano y Humberto Mata—, Zurbano recordó a Haydee Santamaría, y apuntó que ella dejó una estela importante, pues a través de la Casa creó una red de relaciones en todo el continente, lo cual propició que muchas de las figuras más relevantes del arte y la literatura en la región pasaran por La Habana y se encontraran en el entorno de la institución cultural.

Subrayó que la Casa fue una de las primeras instituciones fundadas por la Revolución cubana, y una de las que ha acompañado durante estas décadas su obra cultural. “La obra de la Revolución es sobre todo una obra cultural, y el trabajo que han realizado entidades como la Casa ha sido proyectar ese ideario hacia el espacio natural en que se ha desenvuelto aquella, el Caribe y Latinoamérica”, enfatizó Zurbano.

A propósito de los girasoles que presidían la mesa, Zurbano dijo que “esa flor acompaña los grandes momentos de la Casa y ese es el espíritu (de la institución), el de los girasoles, que miran siempre al sol e irradian paz, dulzura y conocimiento”.

Por su parte, Laura Antillano, quien nos ha acompañado en más de una ocasión, dos veces como jurado del Premio Literario, y es una importante narradora y promotora de la literatura para niños, dijo que es un honor participar en un panel dedicado a la Casa. “Mi relación con la Casa ha sido fundamental en mi vínculo con otros escritores latinoamericanos y para la literatura que escribimos”, apuntó Laura, y mostró algunas imágenes que evocan los momentos en que participó como jurado por primera vez, en 1978.

Recordó que estaba embarazada de su primer hijo y todos estaban pendientes de su estado, entre ellos el poeta y ensayista Roberto Fernández Retamar, actual presidente de la Casa, de quien guarda una carta en la que se preocupa por el nacimiento del bebé, después que ella regresó a su país. Asimismo, evocó el peculiar sentido del humor de Haydee Santamaría, quien se disfrazaba de fantasma durante las noches del Premio Literario y sorprendía a los jurados en sus habitaciones.

Zurbano retomó la palabra para agradecer el homenaje realizado por los escritores venezolanos Luis Britto García y Héctor Díaz Polanco, así como por el dramaturgo Rodolfo Santana en el contexto de la V Feria Internacional del Libro de Venezuela.

Apuntó que cuando surgió la Casa existía en América Latina un contexto muy complejo. “Comenzaba la guerra fría, las instituciones culturales comenzaban a ser pagadas por entidades norteamericanas”, señaló, y puntualizó que hoy tenemos un entorno también difícil, pero hemos reunido cincuenta años de experiencia, y nos acompañan muchos amigos que participan con nosotros en esta labor de integración cultural.

Humberto Mata, por su parte, dijo que ser jurado del Premio Casa ha sido una de las experiencias más extraordinarias que ha tenido. “Nunca me había sentido tan bien entre libros e intelectuales”, subrayó, y relató cómo se trabaja durante el certamen, pero también cuánto se disfruta. “Qué cosa magnífica la hospitalidad de los cubanos, la comunidad que se crea, la gente del pueblo pendiente del Premio”, dijo, y agregó entre risas que lo único que lamenta es no haber vuelto más.

Citó un texto de Roberto Fernández Retamar sobre la Casa en el que el actual presidente de la institución dice que “le hemos sido fieles a Haydee del único modo que la complacería: creciendo”.

“Casa es eso, un espacio que ha ido creciendo; creciendo en el amor hacia todos, y en el de nosotros hacia ella; creciendo físicamente y en sus actividades”, destacó Mata, y evocó su situación y la del entorno intelectual de su país cuando surgió la Casa. “Estábamos absolutamente aislados del pensamiento latinoamericano y era casi una blasfemia hablar de eso. Una gran parte de los venezolanos no queríamos parecer venezolanos o latinoamericanos, queríamos ser otros, o, mejor dicho, otro: los Estados Unidos”, enfatizó, y agregó que “dentro de esa isla que éramos nosotros, una Isla empezó a salvarnos, la isla de Cuba”.

Recordó que en esa fecha empezó a llegarles la revista Casa, y se dieron cuenta de que “el mundo latinoamericano es maravilloso, y tiene un pensamiento profundo que habíamos olvidado, rechazado o escondido, y que gracias a Cuba empezamos a conocernos”.

Por último, compartió con los asistentes un pequeño texto a propósito del efecto que tuvo esa publicación en el entorno intelectual caraqueño. Dijo que “Caracas, que a cada instante vuelve a nacer desde cenizas; que tiene como símbolo de pertenencia el cambio permanente, vio en su momento cómo una revista semiclandestina, absolutamente maravillosa y `descortés´, invadía los anaqueles menos frecuentados de ciertas librerías”.

Se trataba de la revista Casa, “que venía por esos vericuetos a decirnos: hay un mundo que debes conquistar y ese mundo no está lejos de ti, sino en ti, en tus costumbres, en tu manera de caminar y hacer el amor, en los piropos que lanzas a las muchachas más hermosas del mundo, las latinoamericanas, en tus sueños y en tu poderosa necesidad de no sucumbir”.

Por último, Mata agradeció a la Casa, a Haydee —a quien no pudo conocer— y a Roberto Fernández Retamar, “ese ser extraordinario que tanto ha hecho por la institución y por todos nosotros”.

Para finalizar el panel, Zurbano evocó las figuras de Manuel Galich, dramaturgo guatemalteco que fundó el departamento de Teatro de la Casa y su revista Conjunto; a Mario Benedetti, fundador del Centro de Investigaciones Literarias, y a Roque Dalton, quien también trabajó en la institución, entre muchos otros que han pasado por allí durante estas cinco décadas.

“El mejor patrimonio de la Casa no es el trabajo que hacemos cotidianamente, sino que está en espacios como este, en cualquier persona que lee los libros que editamos, en quienes comparten con nosotros testimonios como los que hemos escuchado”, concluyó Zurbano.

Música y poesía como siempre en Casa

Para concluir las actividades de la Casa de las Américas en la séptima jornada de la V Feria Internacional del Libro de Venezuela, tuvo lugar la presentación de la antología poética Fábula lluvia, de Luis Lorente, ganador del Premio Casa de Poesía en el año 2004 con su volumen Esta tarde llegando la noche.

A propósito del volumen, Roberto Zurbano convidó a disfrutarlo a la “vieja usanza” de Casa, con un recital de poesía y canción, aprovechando la participación en la sala de los trovadores cubanos Raúl Verdecia e Ismael de la Torre, quienes trabajan junto a los venezolanos en la Misión Cultura.

Poco antes de que se iniciara “la descarga” de trova y poesía, Zurbano recordó que la Casa fue un importante centro de promoción de la canción de autor desde sus orígenes como movimiento, y que en esa institución cubana tuvo lugar en 1967 el Encuentro de la Canción Protesta, que reunía a algunos de los nombres hoy ineludibles de esa manifestación musical en nuestro continente.

Entre acordes de guitarra y versos de Verdecia, de la Torre y Lorente, quien integra la delegación de la institución en Caracas, la tarde fue adentrándose en la noche de Caracas.

Mañana, el programa de la Casa está dedicado al encuentro con los más pequeños lectores, pues tendrá lugar la presentación en este contexto del libro Perro viejo, de Teresa Cárdenas, ganadora en el año 2005 del Premio Casa de literatura para niños y jóvenes. La escritora y narradora oral ha estado desarrollando este tipo de trabajo con los niños que participan en las actividades del Pabellón Infantil desde la segunda fecha de FILVEN.

homenaje a quintín cabrera

El sindicato Comisiones Obreras organiza un homenaje al cantautor uruguayo afincado en España. Hombre comprometido y gran artista..

Leonardo García, como mis verdades

Por: Roberto Reyes
La Unión de Escritores y Artistas de Cuba cuenta con una sede recién remozada en Santa Clara. La Casa de la UNEAC es ahora más espaciosa, ha reorganizado sus locales, sus paredes ya no muestran el deterioro de meses atrás y su patio central ha ganado en amplitud. Precisamente en ese espacio descubierto se presentó el pasado martes 20 de octubre el trovador Leonardo García, justo cuando transcurrían las últimas horas del Día de la Cultura Cubana. El concierto se llamó “Como mis verdades” y estuvieron invitados Pepe O’Farril en la guitarra, Michel “El Gallo” Hernández en el bajo y Alejandro “Batutico” en la percusión. En algunas piezas se unieron al trovador sus amigos cantores Yaíma Orozco, Alain Garrido y Karel Fleites.

Recuerdo que conocí a Leonardo García cuando se presentaba, en la segunda mitad de los años 90, en los festivales de artistas aficionados de la Federación Estudiantil Universitaria, en la Universidad Central de Las Villas. Como había aprendido a tocar guitarra en la Escuela Vocacional de Arte de Villa Clara, sus primeras intervenciones en los eventos fueron con piezas instrumentales que evidenciaban las huellas académicas. Eran obras esmeradas, sin espacio para la improvisación. De aquella etapa el cantor atesora varios premios y reconocimientos. Poco a poco Leonardo comenzó a incorporarle voz a su música para crear sus primeras canciones, pero sospecho que muy pocos pudieron imaginar que llegarían hasta las cotas de excelencia que han alcanzado hoy. Y no hablo de una obra que se escucha hasta el cansancio en la radio, ni de videos glamorosos, ni de grandes ventas de discos, porque me refiero a un juglar que se mueve, más bien se desliza, por los cauces de la moderación. Junto al cuidadoso trabajo con la guitarra, y la búsqueda de hallazgos armónicos y melódicos, Leonardo muestra una incontenible tendencia a la meditación, como si sus canciones pretendieran dejarnos indefensos y desnudos. Es el caso de piezas como “Emigro”, “Entre la luna y yo”, “Detrás del tilo” y “De paso por el sol”. Incluso cuando el trovador regala composiciones en las que predomina la cadencia de géneros como el son, el oído atento reconoce hermosas metáforas, preocupaciones sociales, el flujo y reflujo del amor. “Días corriendo” y “Pobre gente” pudieran servir de ejemplo.

Siempre me ha llamado la atención que Leonardo García habla como si procurara no herir a su interlocutor con la intensidad de su voz, por el contrario sobre el escenario su garganta emite sonidos firmes, robustos, cargados de inflexiones. Así nos recibió el pasado 20 de octubre en el patio de la Casa de la UNEAC en Santa Clara, después de ser presentado de manera hermosa por el poeta Yamil Díaz. Pero no siempre se tiene la posibilidad de asistir a un concierto de Leonardo García, por eso Trastienda musical ha elegido más de una decena de sus canciones y te las ofrece en esta descarga

quito no es taurino...

sumándome a las palabras con sentidos... a las acciones con sentido: "No hay nada de Arte en hacer sufrir y matar a un animal diciendo que nació para que le ocurra eso." Pedrón

Quitu Raymi 2009 Inauguración - Llakta Raymi

Festeja la diversidad y la lucha de los pueblos contra la opresión
QUITU RAYMI 2009
De la fiesta y la Rebelión

INAUGURACIÓN
Lugar:
Plaza Eugenio Espejo
cerca de la Ronda, 24 de Mayo, centro histórico de Quitu
Fecha y Hora:
Viernes 20 de Noviembre 12h00

Puño, Los Vecinos, Takijana, Censura de los Cuentos, Stigma, Onírica, Los Puntas,
Kien mató a Rosero,Avathar, Aztra
con la participación especial de:
LA SARITA (Perú) y BASCA (Azuay)

QUITU RAYMI 2009

FIESTA Y CULTURA EN EL CENTRO DEL MUNDO
DEL 20 DE NOVIEMBRE AL 6 DE DICIEMBRE
CONCIERTOS-FOROS-FERIA-EXPOSICIONES-MARCHA
ACCIÓN POLÍTICA
LLAKTA RAYMI 2009

QUITU Y WAYAKIL
DEL 20 DE NOVIEMBRE AL 6 DICIEMBRE
CONCIERTOS-FOROS-FERIA-CAMPAMENTO-EXPOSICIONES-MARCHAS

Organizan:
DiablUma, SupayWampra
Apoyan:
Corporación Utopía, PRODH, INREDH, Comisión Europea

Auspician:
Dirección Nacional de la Juventud MIES, Ministerio de Cultura, Ministerio de Justicia y Derechos Humanos, CONSEP, Médicos Mundi Andalucia, Junta de Andalucía, INFA, Gobierno de la Provincia de Pichincha, Quito Distrito Metropolitano

concierto de Ismael Chávez en quito / ecuador

Amigos:

Este Jueves 19 de noviembre, aprovechando la oscuridad de la ciudad por los apagones, la luz de luna, una chimenea abrigada y las ganas de contar historias....quedan invitados a un concierto intimo con historias cotidianas pero siempre necesarias en La Estación (Wilson y Diego de Almagro), un recorrido a través de mi música.

El costo como siempre en nuestra querida Estación $3, la hora 21h00 con o sin electricidad, de lo cual dependerá la 5ta entrega del proyecto Trovero 2.0 para quienes están lejos de casa

aprovechen el 2x1 antes de las 21h00 en cubas,vodkas y gin.

para reservaciones cerca de la chimenea o lejos de ella pueden llamar al: 2229980

para más sobre mi y mi trabajo musical pueden visitar mi blog : www.jugueteo.blogspot.com

El día del evento para mirar la transmisión en vivo: el canal controversivo en mi blog: www.jugueteo.blogspot.com

QuituRaymi Comunicación

ARTE, POLÍTICA Y CULTURA SE TOMAN LA CIUDAD DURANTE

3 SEMANAS
FIESTA Y CULTURA EN EL CENTRO DEL MUNDO
DEL 20 DE NOVIEMBRE AL 6 DE DICIEMBRE
CONCIERTOS-FOROS-FERIA-EXPOSICIONES-MARCHA

LA ORGANIZACIÓN POLITICO-CULTURAL

DIABLUMA
Invita a:
RUEDA DE PRENSA DE INAUGURACIÓN DEL FESTIVAL EN SU SEXTA EDICIÓN
ADEMÁS SE DARÁ A CONOCER EL CARTEL OFICIAL NACIONAL E INTERNACIONAL DE LOS DIFERENTES CONCIERTOS PROGRAMADOS
Lugar: “Casa PUKARA”
Av. 12 de Octubre y Yaguachi. Diagonal al Hospital Eugenio Espejo. Debajo del puente que sube a El Dorado. Quitu
Fecha y Hora:
Jueves 19 de Noviembre 10h00

Con la gentil participación de:
-MINISTERIO DE CULTURA
-DIRECCIÓN NACIONAL DE LA JUVENTUD
-SECRETARIA DE CULTURA DEL I. MUNICIPIO DE QUITO

Contactos: Esteban Coloma 098113882 / Maya Franco 080681145
quitucomunicacion@gmail.com / www.quitu.net

* LAS ACREDITACIONES A MEDIOS SE ENTREGARÁN EL DIA DE LA RUEDA DE PRENSA *
QuituRaymi Comunicación

Organizan:
DiablUma, SupayWampra
Apoyan:
Corporación Utopía, PRODH, INREDH, Comisión Europea
Auspician:
Dirección Nacional de la Juventud MIES, Ministerio de Cultura, Ministerio de Justicia y Derechos Humanos, CONSEP, Médicus Mundi Andalucia, Junta de Andalucía, INFA, Gobierno de la Provincia de Pichincha, Quito Distrito Metropolitano

Quieres apoyar la grabación de la música de dos grupos del Valle del Chota? (Ecuador)

(Imbabura, Ecuador) que han logrado mantener su tradición a través de su arte?
Colabora!!

Cómo? Con un aporte económico voluntario o con víveres

Para qué? Para financiar la estadía de estos grupos en Quito y para su alimentación durante esta estadía

Cuándo? Puedes entregar tu aporte desde ahora hasta el viernes 20 de noviembre

Dónde? Si tu aporte es económico puedes depositarlo en la cuenta de ahorros Nº 221505-1 del Banco Internacional a nombre de María Gabriela López. Si vas a aportar con víveres, puedes entregarlos en la Escuela Futuro Sí! (Casa de la Cultura Ecuatoriana, Edificio de los Espejos, Sala Mariana de Jesús) de lunes a viernes de nueve a doce de la mañana, o directamente a Gabriela López (098461172), Diana Ormaza (098439873) o Daniela Peña (098330098)

Qué recibes a cambio? Una copia autografiada de uno de los dos Cds

4ta. entrega MBN Ecuador 2009

los trovando ando están en la categoría de artista o banda permanencia!!! qué hermoso verlos ahí! a votarrrrrr en este link:

http://www.mbnecuador.com/votos-online-mbnecuador.html

¡Pa’Argentina! RoCola Bacalao de Ecuador nuestro pupo del mundo!

La Banda más Chimba del Universo ha sido la única banda ecuatoriana seleccionada para participar en el BAFIM 2009 – Buenos Aires Feria de la Música. El BAFIM es probablemente la feria más importante de la industria musical en Latinoamérica. En éste se han presentado artistas como Emmanuel Horvilleur (ex Illia Kuryaki), Zeta Bosio (Soda Stereo), Fito Páez, Mimi Maura, Adicta, Fidel Nadal, entre otros

Su banda preferida REPRESENTARA UNA VEZ MÁS AL ECUADOR el Domingo 22 de Nov. a las 20h00 en el escenario A, justo antes del cierre del festival con Fidel Nadal.

Datos. qué RoCola Bacalao en Buenos Aires/BAFIM; dónde Costa Salguero; cuándo Domingo 22 nov; hora 20h00; costo 10 pesos

para ver el video promo de la feria por favor hagale clic aqui:

http://www.facebook.com/profile.php?id=649286114&ref=profile#/video/video.php?v=169450370753&ref=mf

Página Oficial del BAFIM

http://www.bafim.buenosaires.gov.ar/

¡LES QUEREMOS LA BOLA!

Una ocasión perdida

Ignacio Ramonet
LMD

El 9 de noviembre de 1989 caía el muro de Berlín. Veinte años después, mientras el capitalismo, a su vez, vacila bajo los golpes de una crisis sistémica, ¿qué balance se puede establecer de las dos décadas que acaban de transcurrir? ¿Por qué otros muros, igual de indignantes, no se han derribado?
Simbólicamente, el hundimiento del muro de Berlín marca la conclusión de la guerra fría así como el fin -aunque la Unión Soviética no se disolvería hasta diciembre de 1991- del comunismo autoritario de Estado en Europa. Pero no el fin de la aspiración de millones de pobres a vivir dignamente en un mundo más justo e igualitario.
El muro de Berlín se hunde debido, por lo menos, a tres hechos capitales ocurridos durante la década de 1980:
1/ las huelgas de agosto de 1980 en Polonia, que ponen en evidencia una contradicción fundamental: la clase trabajadora se opone a un presunto "Estado obrero" y al supuesto "Partido de la clase obrera". La teoría oficial sobre la que se basaba el comunismo de Estado se viene abajo;

2/ en Moscú, en marzo de 1985, Mijaíl Gorbachov es elegido secretario general del Partido Comunista de la URSS. Lanza la "perestroika" y la "glásnost", y activa, con las precauciones de un artificiero, la reforma del comunismo soviético;

3/ durante la primavera de 1989, en Pekín, en vísperas de una visita de Mijaíl Gorbachov, miles de manifestantes reclaman reformas similares a las que se llevan a cabo en la URSS. El Gobierno chino hace intervenir al Ejército. Resultado: cientos de muertos y condena internacional del régimen de Pekín.

Cuando, en el otoño de 1989, ciudadanos de Alemania del Este se echan a la calle para exigir reformas democráticas, las autoridades dudan en disparar o no sobre las multitudes. Moscú anuncia que sus tropas estacionadas en Europa del Este no participarán en ninguna represión. La intensidad de las manifestaciones se multiplica. La suerte está echada. El muro de Berlín cae. En unos meses, uno tras otro, los regímenes comunistas de Europa son barridos. Incluidos los de Yugoslavia y Albania.

Constatación importante: el sistema se desploma por descomposición interna, y no a causa de una ofensiva del capitalismo que lo habría derrotado. En esos años, Estados Unidos se halla en grave recesión tras el "lunes negro" de Wall Street acaecido dos años antes (el Dow Jones había caído, el 19 de octubre de 1987, un 23%). Pero la interpretación que se dará es que, en el enfrentamiento que opone, desde el siglo XIX, el comunismo al capitalismo, éste se ha impuesto. Por KO. De ahí una suerte de ebriedad intelectual que hará creer a algunos en el "fin de la historia".

Error fatal. Al perder a su "mejor enemigo" -el que, mediante una relación de fuerzas constante, le obligaba a autorregularse y a moderar sus pulsiones-, el capitalismo se dejará arrastrar por sus peores instintos. Olvidando la promesa de hacer que el mundo se beneficie de los "dividendos de la paz", Washington impone en todas partes, a marchas forzadas, lo que cree ser la idea triunfal: la globalización económica. Es decir, la extensión al conjunto del planeta de los principios ultraliberales: financiarización de la economía, desprecio por el medio ambiente, privatizaciones, liquidación de los servicios públicos, precarización del trabajo, marginación de los sindicatos, brutal competencia entre los asalariados del mundo, deslocalizaciones, etc. En resumen, una vuelta al capitalismo salvaje. El multimillonario estadounidense Warren Buffet proclama: "Hay una lucha de clases, por supuesto, pero es mi clase, la clase de los ricos, la que dirige la lucha. Y nosotros ganamos" (1).

En el plano militar, Washington despliega su hiperpotencia: invasión de Panamá, guerra del Golfo, ampliación de la OTAN, guerra de Kosovo, marginación de la ONU... Tras los atentados del 11 de septiembre de 2001, George W. Bush y sus "halcones" deciden castigar y conquistar Afganistán e Irak. Reducen la ayuda a los países pobres del Sur y lanzan una cruzada contra el "terrorismo internacional" utilizando todos los medios, incluidos los menos nobles: vigilancia generalizada, tortura, "desapariciones", prisiones secretas, penales ilegales como el de Guantánamo... Creen en un mundo unipolar, dirigido por unos Estados Unidos hegemónicos, seguros de sí mismos y dominadores.

El balance será desastroso: ninguna victoria militar real, una inmensa derrota moral y una gran destrucción ecológica. Sin que los principales peligros hayan sido eliminados. La amenaza terrorista no ha desparecido, la piratería marítima se agrava, Corea del Norte se ha dotado de armas nucleares, Irán podría hacerlo... Oriente Próximo sigue siendo un polvorín...

El mundo ha pasado a ser multipolar. Varios grandes países -Brasil, Rusia, la India, China, Sudáfrica- forjan alianzas al margen de las potencias tradicionales. En Suramérica, Bolivia, Ecuador y Venezuela exploran nuevas vías del socialismo. Hasta el recurso al G-20 con motivo de la crisis económica global confirma que los países ricos del Norte no pueden solventar en solitario los principales problemas mundiales.

La oportunidad histórica que constituía la caída del muro de Berlín se ha desperdiciado. El mundo de hoy no es mejor. La crisis climática hace pender sobre la humanidad un peligro mortal. Y la suma de las cuatro crisis actuales -alimentaria, energética, ecológica y económica- da miedo. Las desigualdades han aumentado. La muralla del dinero es más imponente que nunca: la fortuna de las quinientas personas más ricas es superior a la de los quinientos millones más pobres... El muro que separa el Norte y el Sur permanece intacto: la malnutrición, la pobreza, el analfabetismo y la situación sanitaria incluso se han deteriorado, particularmente en África. Por no hablar del muro tecnológico.

Además, se han levantado nuevos muros: como el edificado por Israel contra los palestinos; o el de Estados Unidos contra los emigrantes latinoamericanos; o los de Europa contra los africanos... ¿Cuándo decidiremos destruir de una vez para siempre todos esos muros de la vergüenza?

Notas: (1) The New York Times , 26 de noviembre de 2006.

Luis Pescetti: Leer en una cultura de pares

10/11/2009
Al igual que un inmigrante en un nuevo país, un niño se introduce al mundo con una mezcla de resistencia y necesidad.

Piensen en ustedes mismos como inmigrantes o, más fácil, piensen en ustedes si les presentan a la familia de su novia, sus suegros y cuñados. Que los saluden y les digan: “Mi amor, te vamos a transmitir nuestras costumbres”.

Charla de Luis, como presidente del Jurado del Premio Vivalectura 2010
(Fundación Santillana, Organización de Estados Iberoamericanos, Ministerio de Cultura y Educación, Argentina)

“Comprendo bien la resistencia de los intelectuales a ver su pensamiento reducido, en consecuencia transformado, por las exigencias mediáticas. Es legítimo. Sin embargo, en muchas otras clases de circunstancias, académicos y filósofos practican una escritura opaca, lo que podría justificarse por una concepción del mundo jerárquica, elitista (guardar nuestros secretos entre sacerdotes iniciados), pero no si se adhiere a los principios del humanismo democrático.

Si mi doctrina me dice que hay que tratar al otro como a un sujeto, comparable al sujeto que soy yo, entonces nada justifica que me reserve una posición de privilegio en mi discurso, ayudando por un vocabulario hiperespecializado o por una sintaxis alambicada (… ) Escribir con la mayor claridad posible es una de mis reglas de higiene.”

Tzvetan Todorov (Deberes y delicias, FCE)

Recibí un correo que me informaba que mi charla debía durar 400 minutos. Asumí que era un error y que debían ser de… 4 minutos. Al tiempo llegó otro mail aclarando que esperaban una ponencia de 40 minutos… pero, en ese lapso, ya había considerado que no podía ser una charla de sólo 4 minutos, y preparé la que traje, la de 400 minutos. Pónganse cómodos.

Uno de los mitos sobre la infancia afirma que los chicos son caprichosos.
No es así, toleran menos las frustraciones, que no es lo mismo.

Si entendemos por capricho una conducta errática, inesperada, a la que cuesta encontrarle justificación o sentido, los niños son lo menos caprichoso que se pueda hallar.

Eso que los adultos llamamos “fantasía del mundo infantil” es sólo su mejor explicación disponible en ese momento, y puede que nos resulte graciosa, pero para ellos va muy en serio. Ese niño que le pide un juguete a su madre y, cuando ella se justifica diciendo que no tiene dinero, él replica “Pues, vamos al banco y lo sacás”, está dando su mejor teoría hasta ese momento, la mejor explicación del mecanismo. Luego la reemplazará por otra, y luego por otra, y así construye su mapa del mundo.

Viven sedientos de congruencia. Esperan y necesitan que su mundo, y el mundo que rodea a su mundo, sea previsible, responda a leyes y reglas que se pueden aprender y que se cumplan.

El caos les asusta, y la hipocresía les repugna o desconcierta. Si los adultos con los que crecen tienen conductas caprichosas, se angustian, se asustan o enferman, según la gravedad de lo que ocurra.

Los niños se enfrentan a noticias en torno a elecciones, manejos de poder, de justicia, y reclamos de legitimidad, escenas de violencia.

Mal podemos pedirle a los chicos que aprendan y respeten reglas cuando ellos ven que “en el mundo real” éstas se saltean y, a veces, desde las mismas instituciones.

¿Qué vamos a hacer si los niños leen?

¿Deberíamos decirles: “Te dije que leyeras, no que te enteres”?

Pues cuanto más lean, más se van a enterar.

La verdad es que, aunque no lean, les llegan las contradicciones del mundo adulto y, lamentablemente, ellos, como muchas veces hacemos los adultos, cuando ven ese panorama, arrojan el agua sucia y el bebé.

Es decir: pocas veces creen que las instituciones, los funcionarios, los modelos de empresarios son perfectibles, las más de las veces los cuestionan tan radicalmente que terminan no creyendo en nada.

Y cuando un niño no cree en nada queda expuesto a demasiados peligros.

Cuando trabajo con humor, y cuando escribo, trato de luchar contra el desencanto, y por la identidad.

Que algo esté mal, no quiere decir que todo está mal, que un funcionario no sea honesto no quiere decir que todos son iguales, que fallen algunas leyes, no quiere decir que las leyes son inútiles. Y así transmitirles valentía y paciencia, que estamos en un mundo en construcción.

Tuve la suerte de que el éxito y la fama que admiraba, implicaban trabajo, vencer frustraciones, y asumir riesgos.

Cuando vemos que la propaganda y tantos modelos de radio, televisión proponen un éxito fácil, sabemos que los engañan. El bombardeo de ejemplos de éxito fácil es enorme; fama fácil, éxito en quince minutos, fama por quince minutos.

Demostrarles a los niños y jóvenes las consecuencias del éxito y la fama fácil, así como la masa de frustración y pánico a fracasar que crean esos conceptos de fama rápida, implica una demandante persistencia.

Para mí no hay otra tarea que valga tanto la pena. Y si no lo hiciera sentiría que los abandonamos, dejándolos huérfanos frente a una mentira, que no los defendemos al no advertirles.

Todo eso tiene que ver con el desencanto.

Cuando digo “por la identidad” me refiero a que hay una manera de hacer trabajo cultural que incluye a quien hace de público, de audiencia, y hay una manera de hacer cultura que lo excluye, que sólo busca admiración, seguidores, que es cerrada, y que es otra forma de ejercicio de poder.

Hay una manera de hacer teatro que incluye al espectador, ya sea por el tema, por el lenguaje, por el costo del ticket, por muchas razones: lo incluye. Y hay maneras de hacer teatro, que son excluyentes.

Hay una manera de hablar de pintura, de hacer danzas, de estar en la música , sean clásica, jazz o cualquier otra, porque hasta hay una manera de hacer rock, que es elitista. Y hay una manera de hacer todo eso mismo, incluyendo a los demás.

Cuando le acercamos un libro a un niño, según cómo lo hagamos produciremos un hecho u otro. Lo peor, en ese caso, no es quien se acerca de esa manera, sino toda una estructura social que convalida eso. Desde ciertas instituciones hasta los temas de los suplementos de los periódicos, las conferencias de muchos académicos y artistas. Toda esa estructura lo convenció a priori y quien recibe ese mensaje lo hace creyendo que lo suyo no es la cultura.

Ahí es donde creo que les han robado identidad, cuando aceptan que la cultura “es un bien ajeno, de otras personas, que ocurre en otro lado”. Dado que la cultura forma parte de nuestra identidad, si alguien nos miente o desinforma en eso, lastima nuestro derecho a la identidad.

Todo trabajo cultural debería comenzar a dos puntas, por una parte reconocer nuestras costumbres cotidianas, diálogos, ropa, gustos musicales, historias familiares, comidas, como cultura; y por la otra punta: aprender de otras, con lecturas, trajes, bailes y comidas.

Una de las preguntas que más se repiten en los reportajes es sobre las diferencias entre los niños de uno y otro país. Siempre respondo que las grandes diferencias están entre los niños de zonas urbanas y de zonas rurales; entre los niños de barrios acomodados y de zonas marginales. Y que esas diferencias son más fuertes que las de país a país.

Podríamos acercarnos a los niños y ayudarlos a ver en qué los volvió eficaces su propia cultura, porque si hay algo que a los niños les interesa es ser eficaces en el mundo, más casi que cualquier otra cosa.

De qué los armó su cultura, qué les mostró que era importante y qué no, qué les enseñó. Y ahora veamos a los de otro barrio, a los del centro, a los de la capital, ¿qué aprendieron ellos? ¿En qué son buenos?

Y por ese camino mostrarles que “cultura no es destino”, que así como nuestra cultura nos enseña, también puede encerrarnos. Que quizás haya deseos que no se satisfacen en nuestra cultura, que eso no es traición, o que queremos tomar un poco de ésta y un poco de esta otra. Y que el mejor conocimiento del mundo al que podemos llegar, al menos sin viajar, es a través de los libros, de internet, de las revistas… y a esa altura ya estamos leyendo.

Hay personas a las que les gusta empezar por lo cercano, y a otras por lo lejano. No estoy seguro de cómo combinar esas dos experiencias en un mismo salón de escuela; pero unos elegirán conocer y comprender cómo llegó su familia a esa zona, por qué se eligieron los padres. Y otros preferirán leer la vida un niño que es mago, y que vive en Inglaterra. Las dos están bien.

Unos querrán leer sobre una experiencia que han vivido, un problema que los acucia en ese momento, y otros preferirán historias para distraerse. Las dos valen.
El modelo es: que el modelo se construye y debe empezar por nosotros, con nosotros.
Si fuéramos recién inmigrados y nos reciben presentándonos los exitosos modelos de su elite, lo más seguro es que sentiríamos rechazo o recelo.

Depende cómo nos lo mostrara, si lo hace conmovido, y nos lo comparte como un amor personal por esa obra, seguramente estaríamos más dispuestos a aceptarlo. Si lo hace porque así piensa que nos civiliza, como quien nos prepara, nos desinfecta para que no contaminemos su sociedad, pues vamos a sentir enojo con su modelo, vamos a querer vengarnos por esa ofensa. Lo mismo le ocurre a los niños.

S se acerca imitando maneras muy toscas, chistes burdos, riéndose de las costumbres locales, también vamos a desconfiar. Sabemos que nadie se burla de buenas a primeras de la propia sociedad ante extraños. “Este nos habla así porque nos toma por brutos”, sospecharíamos.

Pero si alguien, en este delicado juego de equilibrio, se acerca con verdad y “verdad” en este caso quiere decir “que cree en lo que hace”, si alguien se acerca creyendo honestamente en esas clases que da, si no nos toman por ignorantes, ni por extraños que hay que desinfectar, sino por lo que somos: personas diferentes, recién llegadas, con necesidad de aprender lo que serán nuestras nuevas reglas, y con nostalgia por la tierra que hemos dejado, seguramente nos tocará.

Eso mismo, exactamente eso, les ocurre a los niños y jóvenes, no llegan de la nada. No llegan siendo nadie.

Un niño que llega a la escuela ya es un espectador muy entrenado, ya vio mucho en muchos lenguajes diferentes. Aprendió a descifrar música, pantalla de tv, de computadora, diálogos de padres, hermanos, ironías entre mayores, risas y burlas entre ellos, situaciones familiares. Aprendió a descifrar muchos códigos, de relación, códigos de narraciones reales o de ficciones. Viene de una historia, y con mucho entrenamiento en decodificar.

Si ustedes debieran trabajar para integrarlos, ¿por dónde empezarían?

Quizás por lo que traen, quizás por lo que deben incorporar. Cada uno debe desarrollar su estrategia. Quizás un poco y un poco. Cada uno sabe, pero eso sí: estrategia, afecto, respeto en la relación. No van a sumarse obedientes.

Al igual que un inmigrante en un nuevo país, un niño se introduce al mundo con una mezcla de resistencia y necesidad.

Piensen en ustedes mismos como inmigrantes o, más fácil, piensen en ustedes si les presentan a la familia de su novia, sus suegros y cuñados. Que se los presentan y les dicen: “Mi amor, te vamos a transmitir nuestras costumbres”.

Y luego, cada uno sabrá, pero me parece que es mejor no pensar como suegro o como cuñado, sino cómo nos sentiríamos nosotros, si somos los nuevos, y así acercarnos a los niños, que llegan inmigrantes a nuestro mundo.

A veces se espera de un plan de lectura, o de la lectura en sí, que transmita valores, “un plan nacional de valores”. Y ahí se empieza a complicar el proceso porque lo que se propone como valores, en esos casos, en realidad son los ideales de sociedad, de país, de persona; y, además, de manera acrítica.

Si nos dicen “la amistad es un valor a promover”, está bien, coincidimos. Pero si dicen: “Hable de la amistad, proponiendo un cuento entre dos amigos que nunca se pelean, y que sea con una historia edificante que muestre emociones bellas”. Ahí se mezcló el valor, con el ideal de amistad, y con la estrategia: cómo nos gustaría que fueran las cosas. El ideal, y eso no suele ser eficaz.

No es un problema no de valores, sino de estrategia de comunicación. Los niños no tienen la obligación de estar sedientos de lo que ni conocen, pero sí es nuestra responsabilidad ser eficaces al comunicarnos con ellos.

Imagínense que somos inmigrantes y que nos toca un profesor que nos habla de su país desde el punto de vista de su Carta Magna, del ideal de sí mismo. Lo que ocurrirá es que, si nuestro permiso de trabajo depende de un examen con él, pues responderemos lo que haga falta para aprobar; pero por supuesto que no lo haremos convencidos del contenido.

A los niños les ocurre lo mismo. Vemos las consecuencias de lenguajes acartonados, obsoletos: los chicos sienten que deben aprender reglas que no creen. Que esas reglas no son eficaces para el mundo real. Y así, muchas veces, sospechan que esos adultos que las transmiten fracasan en el mundo real.

Los niños nos cuestionan porque porque les pedimos que se suban a nuestro árbol. Necesitan cuestionar, así como nosotros sacudimos una rama para comprobar si nos aguantará cuando afirmemos nuestro pie.

Para terminar:

- Los niños exigen congruencia, eficacia, coherencia.

- Si les mostramos un modelo ideal, y luego ven que las reglas no se cumplen, o que esa explicación no les sirve para entender y desenvolverse en el mundo, no lo adoptan, se aburren, y dejan de creer en nosotros.

- Exigir un modelo ideal es el equivalente a hacer un abandono.

- Los actuales modelos de acumulación y éxito fácil muestran una ruptura de la relación entre esfuerzo y resultado.

- Chicos y jóvenes están expuestos al desencanto, la frustración y el miedo a ser perdedores en un mundo que perciben con reglas muy duras, para nada ideales.

- Hay que luchar contra el desencanto.

- Hay que fortalecer su identidad, al tiempo que los educamos abiertos a nuevas culturas. Parte de ese trabajo empieza por reconocer y valorar la propia cultura.

- Demasiadas veces desde la misma intelectualidad, y estructura cultural de una sociedad, se excluye, se hacen discursos oscuros, se esgrime la cultura como un bien de privilegio, una herramienta de poder.

- Cualquiera que vaya a una librería o vea televisión encontrará una sección de divulgación científica que es más amplia y atractiva que la de divulgación cultural, que la mayoría de las veces ni existe. Es llamativo que un científico acepte y se divierta haciendo divulgación científica con más frecuencia que quienes están en el campo de la cultura.

- Los niños y jóvenes son como inmigrantes en un mundo que los adultos somos ciudadanos. Imaginarnos como inmigrantes puede ayudar a acercarnos.

- Trabajar en base a ideales no es eficaz. En esta época donde el entretenimiento es una industria tan desarrollada, dónde la televisión está siendo desplazada por internet, y las narraciones audiovisuales son cada vez más atractivas y elaboradas, es ingenuo si pensamos sólo en valores, pero no en estrategias para comunicarnos.
Ellos esperan lo mismo que nosotros pediríamos de quien nos introduce a su país: que seamos coherentes;

que no mintamos;
que realmente creamos, que nos guste, lo que hacemos;
que sepamos más, pero que sepamos cosas importantes;
que no nos burlemos;
que los defendamos ante una injusticia;
que no pretendamos que todo es perfecto, pero que tampoco transmitamos desencanto;
que seamos eficaces en el mundo;
que tengamos paciencia con sus errores, pero que no dejemos pasar todo;
que no creamos que se tragarán cualquier sapo;
que no seamos híper-exigentes, pero que tampoco aplaudamos cualquier cosa;
y, por favor, que seamos todo lo divertidos que podamos.

Muchas gracias.
Luis Pescetti

Cantará Rosario Flores en concierto humanitario en Cuba

La cantante española Rosario Flores participará junto a otros artistas en un concierto benéfico que organiza el trovador cubano Raúl Paz para el próximo día 20 en el teatro Karl Marx de La Habana, informaron hoy medios digitales oficiales.
Junto a Flores y a Paz estarán la española La Mary de Chambao y los franceses Joakim Noah y Florent Pagny, señaló el sitio web CubAhora, que consideró probable la presencia también de Joaquín Sabina, "si sus compromisos de trabajo se lo permiten".
El concierto es parte del proyecto "Escuelas contra huracanes", destinado a reconstruir escuelas en la provincia de Pinar del Río, la más occidental de Cuba, azotada por dos devastadores ciclones en 2008.

Este proyecto se financia con estos conciertos y el apoyo del Fondo de Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF) en la nación caribeña.

"Esto salió de forma espontánea, y se ha vuelto ya un programa real apoyado por este organismo internacional", afirmó Paz.

El primero de estos conciertos se celebró el 27 de mayo de 2009 en París, con la asistencia de Yael Naim, Noah, Pagny, Agnes Jaoui, Zazie, Bernard Lavilliers, y los músicos cubanos X Alfonso, Ernán López-Nusa y el propio Paz.

Un tercer concierto se organiza para el venidero 3 de diciembre en Sevilla, España, y se espera la presencia de Rosario Flores, Joan Manuel Serrat y Sabina. Fin

Un instituto cultural para el Chota (Valle ecuatoriano)

para mayor información sobre "la bomba ecuatoriana" visiten http://es.wikipedia.org/wiki/Bomba_del_Chota

20 grupos de bomba subsisten en el valle del Chota. Serán los beneficiados de un centro cultural que se creará en este mes; el estudio de grabación, otra obra.

Redacción Ibarra

En el estudio Milenium, en el sur de Ibarra, el grupo de bomba Poder Negro lleva varias horas en la grabación de su nuevo CD. Es la tarde del sábado 7.
Eduardo Villarreal, propietario de este negocio, ejecuta las mezclas y los cortes digitales; otros 42 grupos de bomba han realizado sus grabaciones en la última década. Es un trabajo paciente que solo rinde fruto al final de la jornada.

Las comunas
El Centro de El Juncal involucrará a ocho comunas del valle y a la Junta Parroquial. Los proyectos se socializaron en las 38 comunidades afrodescendientes.
El convenio tripartito que beneficiará a El Juncal se firmará este mes con delegados del Ministerio de Cultura, la Junta Parroquial y el Municipio de Ibarra.
Los grupos de bomba experimentan una renovación musical que empezó hace más de una década. La comercialización de sus discos es cada vez mayor.
“Lo bueno de esta labor es que se impulsa la música y la cultura afrodescendientes que casi nunca han sido visibles”.
Según Villarreal, en los últimos años se ha mejorado la técnica vocal y el asesoramiento de imagen. “La producción discográfica de 12 temas en un CD cuesta USD 5 000 los 1 000 ejemplares”, dice Villarreal.

Sin perder el tiempo, los integrantes de Poder Negro sincronizan las notas de sus guitarras de madera y eléctricas y las acoplan con las raspas y la infaltable bomba. De este modo adaptan la música a sus inspiraciones impregnadas con la cotidianidad del valle del Chota y Salinas.

En el pequeño estudio se siente el ritmo alegre y contagioso. Son canciones románticas de estilo libre, sin reglas rígidas en cuanto a la rima, propias de este popular género musical afrodescendiente.

Seis horas después el grupo se toma un descanso. Es un momento para hablar y recordar. Silvio Arce, director de Poder Negro, es el primero en hablar.

“Grabar un disco es muy sacrificado. El dinero sale del bolsillo de todos y casi siempre no sobra para la promoción. Dependemos de la buena voluntad de los medios, de las presentaciones en vivo y de las radios. En 10 años hemos grabado siete CD, pero la piratería nos destroza”.

La falta de apoyo estatal para expandir este género musical es la queja común de todos los integrantes. Sin embargo, este y otros 20 grupos de bomba que todavía subsisten en el valle del Chota escucharon el proyecto del Ministerio de Cultura que se firmará este mes en Quito.

El proyecto propone construir un estudio de grabación en Carpuela y un Centro Intercultural en El Juncal. El costo de ambas obras superaría los USD 250 000.

Flormarina Montalvo, directora provincial de Cultura de Imbabura, ofrece más detalles. “El Centro Intercultural en El Juncal empezará a construirse en diciembre, a un costo de más de USD 180 000, con el apoyo del Ministerio de Cultura y la Agencia de Cooperación Española. Contará con un museo del fútbol. Además, salas de audiovisuales de la memoria política y social de los afroecuatorianos; danza, música, una biblioteca y más”.

En Carpuela, en cambio, se construirá un estudio de grabación profesional a un costo de USD 80 000. “Conversamos con José Chalá, secretario ejecutivo de la Corporación de Desarrollo Afroecuatoriano (Codae), para construirlo en un terreno de esta organización”.

“A fines de mes -según Montalvo- llevaremos a cabo una asamblea a la que asistirán representantes de las 38 comunas del valle para ver un mecanismo que administre este estudio”.
Ambos proyectos han despertado expectativa en el valle.

Nery Padilla y sus Estrellas, por ejemplo, considera que el estudio de grabación hará justicia a Carpuela. “Aquí nació y murió Milton Tadeo, el gestor de la bomba. De hacerse realidad el estudio, será un orgullo grande y una gran motivación”, asegura Padilla, quien lleva 22 años tocando bomba.

La bomba demarcó su territorio en el conocido valle del Chota. Esta región está entre las provincias de Carchi e Imbabura.

Pueblos como Caldera, Piquiucho, Chalguayacu, Pusir, Carpuela, Chota, El Juncal, Santiaguillo, La Concepción, Chamonal, Santa Lucía, Cuambo, Cuajara, Estación Carchi, entre otros, hubieran desaparecido a mediados del siglo XX, de no ser por dos factores. El primero fue la construcción de la Panamericana y, el segundo, la música bomba y su colorida danza.

Los músicos del valle están convencidos que tanto el ritmo como el instrumento provienen de las tribus africanas de las costas de Guinea, Congo, Kenia, Sudán, Nigeria y Angola. La bomba tomó el nombre de un tambor forrado con la piel de un chivo, la cual se templa fuerte contra un arco de madera de balsa.

“Para conservar nuestra identidad y acercarnos a nuestras raíces muchos grupos han optado por buscar nombres más comerciales. En nuestro caso optamos por Marabú, porque es un ave sagrada africana en riesgo de extinción. Hace 20 años nos conocían como Nueva Generación”, confiesa Plutarco Viveros, director de este grupo.

Luz Casal lleva el bolero al corazón de Europa

Por Ana María Echeverría (AFP) – hace 20 horas

PARÍS — La cantante española Luz Casal rinde tributo al bolero en su último álbum, 'Pasión', que presentó el martes y volverá a hacerlo este miércoles en el teatro Châtelet de París, una de las salas musicales más importantes de la capital francesa.

'Pasión', que incluye 11 temas que Casal considera "joyas del repertorio musical latinoamericano", constituye "un tributo al bolero, a los compositores de ese género musical, y a América Latina", señaló.

Con composiciones de ocho países de la región, el álbum es fruto de una investigación de dos años sobre el bolero, un género musical que nació en Cuba a finales del siglo XIX y que llegó luego a México, donde conoció su edad de oro, en los años 1930-1950, explicó.

"El disco incluye canciones de ocho nacionalidades latinoamericanas. Están representados México y Cuba, que son los dos grandes países que han dado inmensos compositores y canciones", señaló la cantante gallega, de 50 años, en una entrevista con la AFP en un hotel parisino.

Pero 'Pasión' incluye también composiciones de Ecuador, Panamá, Chile, Puerto Rico y Argentina, recalcó, expresando su sueño de llevar "pronto" el disco a Latinoamérica. "Sueño con ofrecer 'Pasión' a América Latina. Pero por ahora sólo son sueños, deseos", dijo Casal, quien se dio a conocer mundialmente en 1991, cuando el cineasta español Pedro Almodóvar le pidió que interpretara el bolero 'Piensa en mí', de Agustín Lara, para la banda sonora de 'Talones lejanos'. Más de cinco millones de copias de esa grabación se han vendido en el mundo entero, lo que convirtió a Casal, que se subió por primera vez a los escenarios a los siete años, en la artista más internacional de la música de España.

Casal cuenta que había querido, en los años 80, hacer un disco de boleros. "Pero en esos momentos la casa de discos no quiso, porque pensaron que iba a perjudicar mi imagen de rockera". Luego, después del éxito mundial de su interpretación de 'Piensa en mí', los productores le propusieron hacer ese disco. "Pero en esos momentos yo ya no quería, y yo he hecho siempre sólo lo que he querido, cuando he querido", enfatizó esta mujer de hablar y gestos suaves.

Fue después de someterse, en 2007, a un intenso tratamiento para recuperarse de un cáncer, cuando la artista se decidió a lanzarse a hacer un disco de boleros, un género musical que "está en los genes, en el corazón, en la sangre de los latinoamericanos", dice. Pero también en los de ella, que de niña, escuchó a su madre cantar boleros, por ejemplo de Antonio Machín, un cubano instalado en España.

Los boleros son "un tesoro musical de América Latina, un género hecho para expresar sentimientos, que es necesario airear, divulgar", recalcó Casal, anotando que había hecho, para este disco, "un verdadero trabajo de arqueología, de investigación".

'Pasión' es fruto de una investigación de dos años, en los que descubrió a grandes compositoras, como Consuelo Velázquez, autora de 'Bésame mucho', y María Grever, de 'Alma mía', tema que Casal incluyó en este disco, su número 12.

Subrayó también que 'Pasión' fue grabado en los mejores estudios de Los Ángeles, en un esfuerzo de "volver para atrás, a la sonoridad de los discos antiguos".

Tras los dos conciertos en el teatro Châtelet, Casal será condecorada con el máximo galardón cultural francés, la Medalla de la Orden de las Artes y las Letras. "Me siento muy honrada, es una condecoración a la lengua española", dijo la artista, quien recibirá la distinción de manos del ministro francés de Cultura, Frédéric Mitterrand, en una ceremonia el viernes en ese ministerio.

ALBA rinde homenaje a Casa de las Américas

Escrito por Miguel Lozano
miércoles, 11 de noviembre de 2009

11 de noviembre de 2009, 14:53Caracas, 11 nov (PL) La Casa del ALBA Cultural anunció hoy una amplia programación que incluye un homenaje a la Casa de las Américas durante al Feria Internacional del Libro de Venezuela (FILVEN) del 13 al 22 de noviembre.

José González, presidente del Fondo Cultural del ALBA, dijo a Prensa Latina que el homenaje por el 50 aniversario de la institución ocupará una parte considerable de las conferencias, exhibiciones fílmicas y presentaciones.

La Casa del ALBA Cultural exhibirá filmes como allende, de Patricio Guzmán; Iluminados por el Fuego, de Tristan Bauer; Cocalero, de Alejandro Landes; Espejo haitiano, de Ángel Palacios y Vamos a caminar por Casa, de Víctor Casaus.

Este último se integra a la programación referida a Casa de las Américas, que incluye presentación de revistas culturales, del libro América Nuestra: Revolución e Integración, de Luis Britto y de los premios otorgados por la institución en 2008.

Otras actividades de la programación son la presentación de Imperio del Terror, de Alejandro Castro Espín y 500 engaños, un fonograma basado en Las Venas Abiertas de América Latina, de Eduardo Galeano.

Otras obras a presentar en el pabellón del Fondo Cultural del ALBA son Los dioses viajan de noche, de Louis Phillipe Dalembert (Haití), Las dos Américas, de Pedro Pablo Rodríguez (Cuba), y la antología Literatura Boliviana de hoy.

Durante FILVEN 2009 se prevé la realización de 424 actividades, entre presentación de libros, conferencias y debates, con más de 50 invitados internacionales, entre ellos 12 intelectuales bolivianos, país invitado de honor.

Contará con proyecciones diarias de filmes relacionados con la literatura y cada noche cerrará con conciertos de agrupaciones venezolanas y bolivianas.

El tema central es el Plan Revolucionario de Lectura y se ralizará también un homenaje a Haydee Santamaría, fundadora de Casa de las Américas.

lgo/ml
Modificado el ( miércoles, 11 de noviembre de 2009 )

Baglietto, Lerner, Gieco y Palavecino en conciertos solidarios

Con la premisa "Los grandes por los chicos", Juan Carlos Baglietto, Alejandro Lerner, León Gieco, El Chaqueño Palavecino, Raly Barrionuevo y el Dúo Coplanacu, entre otros artistas, actuarán el próximo sábado desde las 18 y casi en simultáneo en distintos puntos del país.

El objetivo de los recitales, que se realizarán en Mendoza, Rosario, Mar del Plata, Salta y Córdoba, es que a través de la música los argentinos se unan para ayudar a instituciones que trabajan para el crecimiento y desarrollo de los niños.

El concierto de Baglietto junto a Cristian Soloa se desarrollará en el estadio Andes Talleres de la ciudad de Mendoza, Lerner cantará en la Fundación Astengo de Rosario, Gieco en el estadio Municipal de Mar del Plata con Fernando Blanco (ex Súper Ratones), Palavecino en el estadio Delmi de Salta y Raly Barrionuevo con el Dúo Coplanacu en el Superdomo Orfeo cordobés.

Las entradas para los shows son gratuitas con colaboración voluntaria y todo el dinero recaudado será destinado a las instituciones que trabajan por el bienestar infantil

León Gieco actúa en la Feliz con la campaña Los grandes por los chicos

Este sábado 14 de noviembre desde las 18hs. las ciudades de Rosario, Córdoba, Salta, Mendoza y Mar del Plata estarán unidas por la música y la solidaridad. Bajo el lema “Los grandes por los chicos”, San Cristóbal Seguros Generales festeja su 70º aniversario con un mega evento en todo el país. En este marco, León Gieco se presentará en el Estadio Polideportivo de Mar del Plata y todo el dinero recaudado será a beneficio del Hospital Materno Infantil
Las entradas se canjearán mediante un aporte voluntario en la sede de San Cristobal cita en Av. Independencia 2612, de lunes a viernes de 10 a 19hs. El evento contará además con Fernando Blanco y su grupo Nube 9 como artista invitado.

San Cristóbal apela al espíritu solidario de cada una de las comunidades en las cuales se realizará el festejo. Cabe destacar que, en líneas generales, las donaciones recibidas hasta el momento superan los diez pesos por entrada. Desde luego cada aporte es voluntario y responde a las posibilidades económicas de cada uno. Además, en los recitales también se podrán realizar donaciones en dinero de manera espontánea.

En Mar del Plata, los fondos recaudados estarán dirigidos a la donación de un microscopio oftalmológico de alta complejidad, primero en su tipo, para el Hospital Materno Infantil Victorio Tetamanti de Mar del Plata. De esta forma se podrán realizar intervenciones quirúrgicas en niños de la zona que hoy son derivados a Buenos Aires o La Plata. El Materno Infantil, por su característica de interzonal y especializado, lo convierte en un hospital de derivación que recibe pacientes de una extensa zona de influencia, que abarca la mayor parte de la provincia de Buenos Aires e incluso otras provincias.

Fundami es la fundación que trabaja para conseguir la provisión de equipamiento instrumental y aparatología de última tecnología, entre otras actividades ligadas a la actividad y mantenimiento de dicho hospital. A través de esta fundación, San Cristobal eligió el Hospital Materno Infantil Victorio Tetamanti para efectuar la importante donación.

Camilo Cienfuegos, guerrillero heroico

Había cumplido 27 años y se encontraba entusiasmado con la Reforma Agraria uno de los principales proyectos de la Revolución Cubana.
Fernando Acosta Riveros stolpkin.net Había cumplido 27 años y se encontraba entusiasmado con la Reforma Agraria uno de los principales proyectos de la Revolución Cubana. Camilo Cienfuegos Gorriarán, el cubano combatiente que amaba las tareas difíciles, sabía que a la Revolución le esperaban momentos difíciles para consolidarse.

Transcurría el mes de octubre de 1959 y él estaba dispuesto a enfrentar cualquier dificultad en aras de la patria. Desde joven en la barriada Lawton de La Habana, Camilo Cienfuegos demostró un espíritu de lucha y progreso, así como una disposición a solidarizarse con los estudiantes y trabajadores en causas políticas y sociales. Tenía 16 años cuando se enfrentó con policías al protestar por el incremento en las tarifas del transporte público.

A los 21 años viajó a Nueva York en busca de trabajo para mejorar la economía y ayudar a sus familiares. En 1954 regresa a Cuba en momentos de la efervescencia estudiantil contra el régimen de Fulgencio Batista. Camilo participa en manifestaciones junto a centenares de jóvenes y en 1955 es herido de bala y fichado por el régimen como elemento subversivo.

Una vez más sale de su querido país. Vuelve a trabajar en Estados Unidos y cuando vence su permiso migratorio viaja a México donde contacta a Fidel Castro Ruz. Los patriotas cubanos se alistaban para emprender el recorrido de regreso en el yate Granma. Camilo se une al movimiento y se transporta hasta Veracruz para retornar a la patria de Antonio Maceo y José Martí.

Los compañeros de la guerrilla cubana se identificaban con Camilo por esa facilidad que tenía para hacer bromas. Estaba convencido de la importancia de su causa. La defendía con alegría y buen humor en medio de las adversidades. Existen en Cuba numerosos testimonios sobre la actitud amistosa de Camilo, el guerrillero, el comandante, el patriota y para muchos el hermano.

Luis Olázabal, también guerrillero y patriota martiano, estuvo en la Sierra Maestra y en otros espacios de la geografía cubana, acompañando a Camilo, Ernesto Che Guevara y Fidel. Olázabal recibió de Camilo el apodo de “el dinamitero bailarín”. En diciembre de 1957 los insurgentes organizaron una fiesta en un lugar conocido como Pata de la Mesa y cada uno demostró sus habilidades musicales.

“Camilo era un gran jefe. Siempre estaba contento. Personalmente me dio varias tareas: vigilar, buscar alimentos y armas, porque no había suficientes. En Ciudad Libertad todos los días a las siete de la mañana, él revisaba la tropa. Como sabía que yo tenías los pies enfermos, desbaratados de andar por los montes, llenos de callos, al llegar frente a mí me pisaba. Al moverme me reportaban; eso lo hizo hasta un día que, como tenía confianza con él le dije: ‘por ti tengo como 20 reportes por moverme en atención’. Entonces Camilo llamó al oficial jefe de la tropa y le dijo: ‘Quítale todos los reportes a este guardia’ y me los quitaron”, expresó Miguel Ángel Núñez Cedeño, conocido como Manano, durante una entrevista con Orlando Fombellida Claro, periodista del diario La Demajagua en un aniversario camilista.

Cienfuegos Gorriarán alcanzó el grado de Comandante en plena lucha guerrillera. Fidel lo designó responsable de la Columna Antonio Maceo que tenía el propósito de llevar la invasión insurgente a las provincias del occidente cubano. En los meses finales de 1958 Camilo llegó a Yaguajay, provincia de Sancti Spiritus y obtuvo éxito. Se le conoce en la historia como Héroe de Yaguajay.

Después del histórico triunfo del Primero de Enero de 1959 fue nombrado Jefe del Estado Mayor del Ejército Rebelde. Enfrentó varias conspiraciones y explicó a sus compañeros y a sus compatriotas lo importante que era preservar la unidad. En la prensa nacional cubana e internacional, sobre todo en Estados Unidos, se acusaba de radicales y socialistas a los dirigentes cubanos por realizar una reforma agraria que no convenía a los intereses de los privilegiados.

Fidel se dirigió a los trabajadores bancarios el 19 de octubre de 1959 y comentó que había que ganar nuevas batallas, entre ellas, la de enfrentar las campañas que realizaban los dueños de las revistas Time y Life. “Tenemos que buscar la solidaridad del pueblo norteamericano”.

Mientras tanto en Camaguey, un grupo contrarrevolucionario dirigido por Hubert Matos, traidor a la causa patriótica, organizaba un complot.
Frank Sturgis, agente de la CIA estadounidense y Pedro Luis Díaz Lanz, otro traidor, quien se había fugado en junio hacia Estados Unidos, luego de haber desempeñado la jefatura de la Fuerza Aérea Revolucionaria, realizaron un ametrallamiento aéreo en La Habana el día 21 de octubre pocas horas después de producirse el desenmascaramiento público de Hubert Matos, antiguo jefe del Regimiento Militar de Camaguey.

Camilo partió hacia Camaguey con la misión de detener a los cabecillas del complot, entre ellos a Hubert Matos Benítez. El delegado del Instituto Nacional de la Reforma Agraria (INRA), capitán Jorge Enrique Mendoza, transmitió un mensaje por Radio Legendario, donde explicó la traición de Matos. Grupos de trabajadores se dirigieron a los talleres y oficinas del periódico Adelante para aclarar y conocer los detalles de la situación. Algunos solamente sabían que Matos había presentado su renuncia. Al mediodía del 21 de octubre, Camilo y Fidel, presidieron una marcha desde las oficinas del INRA hasta la fortaleza militar camagueyana.

Los viajes entre La Habana y Camaguey se multiplicaron para Camilo quien se dio a la tarea de solucionar políticamente los residuos y secuelas de confusión que dejaba la traición de Matos. En una noche tormentosa del 28 de octubre decidió regresar a La Habana y su avión desapareció. Nunca se encontraron sus restos. “Nos enfrentamos febrilmente en su búsqueda durante casi una semana, en la esperanza de que pudiera estar en un islote, en un lugar solitario, en algún punto”, expresó Fidel, unos años después, durante uno de los numerosos homenajes que la Revolución ha rendido a Camilo durante este medio siglo.

Camilo tenía antecedentes revolucionarios entre sus familiares. Era un hombre del pueblo, un trabajador, un entusiasta. Tenía un temperamento revolucionario y una gran alma revolucionaria. Sabía lo que significa una Revolución. Cincuenta años después de su desaparición, en octubre de 2009, el pueblo y el gobierno de Cuba lo recuerdan con la misma decisión camilista de enfrentar cualquier dificultad en aras de la patria. El recuerdo ejemplar de Camilo Cienfuegos Gorriarán, guerrillero heroico, ha permanecido durante cinco décadas como patrimonio histórico de Cuba, de nuestra América y de la humanidad.

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La sonrisa del ascensor

Gustavo E. Etkin (Desde Brasil. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

En el ascensor, es preciso ser correcto. Cuando se está solo, se pueden hacer muecas en el espejo y rascarse los huevos con indiferencia. Pero cuando hay otros, es preciso ser correcto. Correcto y sociable. Miradas tan cercanas no pueden detenerse en el otro. Se debe mirar para arriba, para la puerta o, si por suerte hay algún afiche, leerlo con atención.

Los hombres pueden detener su mirada un poco más en las mujeres. Pero solo un poco. Nada de mirar con insistencia. Y cuando la mirada de un hombre encuentra la de otro hombre hay dos alternativas: desviar instantánea el ojo o mirar con insistencia. Esta última mirada, a su vez, tiene otras dos alternativas: terminar en muerte (“¡¡¡¡¿¿¿¿Por qué me está mirando de esa manera????!!!!) o en sonrisa que -inevitablemente- acompaña el mismo comentario con diferentes, aunque no muchas, variaciones: “-Que calor!!” o (abanicándose con resignación) “Que día hoy !!!”, o “Ese El Niño...!!!”. En ese caso, si el piso es alto, se puede agregar: “-... y para empeorar, todo embotellado...!!!” o solamente –“.... y aquel embotellamiento… !!!!”.

Para algunas personas el instante de atravesar la puerta, para entrar o salir, es un Gran Momento. Caminan hasta el límite, y justo ahí, en el umbral, se detienen. Pueden hasta llegar casi corriendo, o a pasos largos, pero en ese lugar, se detienen. Paran. Y observan con cuidado y prudencia donde van a dar la próxima pisada. Entonces, los que antes podrían haber sido largos, anchos y rápidos pasos se vuelven cortos, explorativos, un tanteo cuidadoso, una prudencia extrema. No solo porque no quieren dar un paso en falso. Es que ahí se encuentran con un límite: la posibilidad de un instantáneo abismo. Como si cada micro paso fuese la garantía de que no habrá repentinos precipicios. Finalmente, después que todos observan seriamente la proeza de sus pies, entran (o salen) con una sonrisa de alivio.

Como ciertamente fue percibido hasta ahora, la sonrisa es un instrumento clave de esa fugaz convivencia vertical. Ejemplo máximo de eso es cuando entra una madre con un bebito en brazos. En aquel sublime momento, todos deben mirar para el nenito y sonreír ampliamente con aire extasiado. A continuación, las miradas deben alternarse: para el nenito y entre ellos, entre elles y el bebito. Siempre con una gran sonrisa. Algunos, demostrando así su pureza de alma, comentan: “-¡¡¡Qué bonito!!!”, o “¡¡¡Es tan lindo!!!”. Entonces, todos salen con aire feliz y cara optimista. Por fin el ser humano es bueno.

Como debe suponerse, es peligroso no mirar al bebito, y mucho más todavía mirarlo y no sonreír. Quedar serio. Con eso será evidente que se es malo, que no se ama los niños ni a la naturaleza. Alguien puede hasta llegar a pensar que se es enemigo de la ecología, premeditado poluidor ambiental y asesino de ballenas y golfitos.

Cuando el ascensor está lleno, algunas señoras (o señoritas) ponen cara desesperada. Y miran rápidamente para todos lados, puerta, techo, paredes, cualquier lugar menos los ojos de los otros. En ese momento están preocupadas con mareos y palpitaciones. Son las que habitualmente sienten “falta de aire” en el ascensor. Se pueden sentir así en la cama. Con la diferencia que ahí podría ser lindo, posibilidad pecaminosa – aunque sea solamente en la fantasía – insoportable para ellas.

Hay ascensores que son a propósito lentos al cerrar. Su puerta corrediza solo cierra después que la otra, la del piso. Pero tardan en hacerlo. En ese momento los que están adentro aguardan aparentando indiferencia y, algunos, intentando sonreír. Sin embargo, hay gente que al salir -con gesto respetuoso y rostro obediente- retiene la puerta del piso, la asegura, y así aumentan el tiempo de espera. En ese momento, algunos de los que espera imaginan cortar esa mano, acuchillarla, dar un tiro en el respetuoso retentor. Es cuando más sonríen.

Don Ser y Don No-Ser

Marcos Winocur (Desde México. Especial para ARGENPRESS CULTURAL)

Don Ser estaba lleno de sí mismo. No por infatuado sino por completo. Nadie de los suyos faltaba a su fiesta. Al centro del salón, rodeado de mariscales, Napoleón vistiendo manto de emperador. Cerca, dándole ostensiblemente la espalda, Beethoven, que buscaba sacarse de encima a Rossini. “L’opera bufa, l’opera bufa”, clamaba éste. Pero Beethoven estaba ocupado con la sinfonía Heroica, o mejor dicho con la dedicatoria de la obra. Había sido para Napoleón el revolucionario, y moría bajo el manto de Napoleón el emperador. La dedicatoria en nueva versión así quedaba:

Y todos los esfuerzos del anfitrión por reconciliar a Beethoven con Napoleón, al genio de la música con el genio de la espada, resultaron infructuosos. En cambio, miren quienes departen amablemente... los mexicanos Zapata, Obregón, Carranza, Villa, Madero, Huerta y Don Porfirio. ¿Era antes de la revolución? Sí, porque en el segundo piso, Huerta fusilaba a Madero, Don Porfirio había salido del país, los otros tomaban las armas.

También compartían una charla Mafalda, Superman, vestido de Clark Kent, Burt Simpson, Popeye, Donald y dando explicaciones por la ausencia de Batman, el infaltable Robin: es que está con el alcalde, en un momento se nos reúne.

Einstein tocaba el violín.

Un inmenso salón anexo estaba ocupado por los abonados que figuran en el repertorio telefónico de la ciudad de Londres.

En otro, más pequeño, se pasa lista a los pasajeros del Titanic.

En un rincón, cuchicheaban Mefistófeles y Stalin, Lucifer y Stalin, Satanás y Stalin. Dios no les quitaba el ojo de encima, lo cual no le resultaba difícil puesto que Dios está en todas partes. En fin, nunca terminaríamos de confeccionar la lista de invitados pues a cada momento se sumaban más y más. Todos compartían un rasgo, encontrarse actualizados en el ser, es decir, existir cada uno por su lado, cada uno con márgenes propios.

Don Ser estaba al tanto de todo y no cabía en sí de contento por el éxito de la fiesta, cuando en eso... alguien dijo que a la puerta estaba Don No-Ser. Cundió el pánico. ¿Cómo lo sabe, cómo lo sabe? se alzaron voces. Por la dificultad que repentinamente estamos experimentando para ser, algunos explicaron, y en el acto todos quedaron paralizados. Se hizo un silencio de cementerio en un territorio de estatuas, algunas en patéticas poses. Todos paralizados menos Don Ser, quien rápidamente se hizo cargo de la situación:

-Muy bien ¿dicen que el enemigo está a la puerta? Allí quedará. Al Don No-Ser, lo suyo: lo dejaremos no-entrar y su no-presencia será no-considerada por nosotros. Y levantó la copa:

-Brindo para que Don No-Ser nunca sea y para que Yo nunca deje de ser.

Y en el acto se quebró el hechizo, todos recobraron el movimiento y la palabra , sumándose al brindis.

diego sojo en ecuador

miércoles 11 de noviembre

DIEGO SOJO EN ECUADOR
El cantautor costarricense Diego Sojo llega a LA ESTACIÓN con la trova que hizo época durante su estadía en nuestro país. Diego Sojo, nacido y residente actualmente en Costa Rica, vivió por una larga temporada en Cuenca y en Quito. En el país grabó tres de sus cinco discos, participó en conciertos y recitales en decenas de escenarios. Es miembro fundador de la Red de Trovadores del Ecuador y en Cuenca participó del colectivo La trova de los Cuatro Ríos, junto a Chokilla Durán, Juan Granda y Pablo Iñiguez. Ha realizado varias giras por Centroamérica y presentaciones en Cuba, Chile, México, Perú, Argentina, Colombia, Bolivia y Ecuador, fue invitado por la Casa de las Américas al primer encuentro Un canto de todos, en el 2000. En su disco Estrella de Mar, participan los cantautores cubanos Frank Delgado y Vicente Feliú y la costarricense María Pretiz. Más información, videos y música en:

http://diegosojo.blogspot.com/

20:00

$3.

jueves 12 de noviembre
HERMANITO GAUCHO
folclor latinoamericano desde Argentina
Un concierto dedicado a la vasta producción musical de América Latina, en el que sus más representativos exponentes sonarán en los instrumentos y en las voces del grupo argentino Hermanito Gaucho, que se encuentra de paso por Ecuador, en su gira regional. Un recital en el que la samba argentina, el tango y la milonga, se juntarán con otros tantos ritmos característicos de la cultura musical de nuestros pueblos andinos, de las llanuras y de la ciudad.
20:00
$3.

viernes 13 de noviembre
KiK EN CONCIERTO
noche electro
DJ KiK es músico, artista, arquitecto y productor ecuatoriano que luego de haber vivido en Estados Unidos y haber tocado en un sinnúmero de escenarios, desde la costa este hasta la costa oeste, en bares, radios, bandas sonoras de filmes y festivales de la talla del Latin Alternative Music Conference, N.Y., en dos ocasiones, y haber actuado como telonero de bandas como The Presets, Eagles of death metal, Gustavo Cerati, Cafe Tacvba, Plastilina Mosh, Jaguares, y de ser invitado a varias radios de Norteamérica y Europa con set de música en vivo y grabadas, vuelve a Ecuador con la misión de abrir espacios para la escena electro.
LA ESTACIÓN se une en la consecución de esta misión.
http://www.myspace.com/djkik

http://www.live365.com/stations/kik_rpm
22:00
$ 3.

sábado 14 de noviembre
JULIO FHER
Un canto popular desde Venezuela
Julio Fher es un cantautor e intérprete venezolano que bien puede subir a un escenario para recordar con sus versiones a los grandes del rock mundial, como reinterpretar las más conocidas composiciones tradicionales de la región. Esta vez, Fher llega a LA ESTACIÓN, directamente desde Caracas, para presentar un repertorio dedicado a la canción popular venezolana como un homenaje a su tierra natal.
21:30
$3.

LA ESTACIÓN (DIEGO DE ALMAGRO N24-17 y WILSON). RESERVACIONES AL
2229980. BÚSCANOS EN EL CARELIBRO: (laestacionquito@gmail.com)
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